A woman is a woman is a woman … A history of the female artists

An opportunity to probe and critique the art historical canon is the gift the cultural critic Elisabeth Bronfen hands us in the exhibition she has curated around women artists in Switzerland. The exhibition focuses on the period from the 1970s to the 1990s. The relationship between visual art and sexual difference in the modern and postmodern period is examined in five thematically interlinked chapters.

The exhibition delivers a hitherto rarely documented survey of the work of widely diverse female artists in Switzerland. It shows a cross section of the themes and aesthetic forms that engaged the energies of these artists from the 1970s through to the 1990s. The in-house collection forms the core of the exhibition but is joined by works on loan from private collectors and institutions.

Why this intense interest in women artists? In the last few years, Switzerland has witnessed a number of large solo exhibitions: Lee Krasner at the Paul Klee Zentrum, Sophie Taeuber-Arp in the Kunstmuseum Basel (after Aarau), Meret Oppenheim and Heidi Bucher at the Kunstmuseum Bern. The next logical step was to compile an overview of the concerns that preoccupied Swiss women artists in the years from 1970 to 2000.

While not revisiting the question of a specifically feminine artistic practice, which in itself was controversial at the time, the show looks back on the art works of this period from a perspective sharpened by the feminist discourse surrounding sexual difference.

It is also immensely important to develop an awareness of what has come to be remembered and commemorated in our culture, and what has fallen off the radar. This is precisely what can be explored, when we direct our present-day perspective on the women artists active at the end of the 20th century. Given that during that period female artists were appearing in so many different art locations and institutions and were embraced on a large scale, it remains unclear why they were then eclipsed again so quickly in the two decades that followed. At the same time, guest curator Elisabeth Bronfen draws into focus the specifically Swiss version of Postmodernism; which speaks to and reflects a unique legacy of the modern and postwar eras.

The exhibition is organized around five thematic chapters, in which women’s art is examined primarily in terms of its influence on the respective artistic trends, and in a second step updates a history of the art produced by women.

Exposed – Body images transformed
The history of the female nude and figurative representations of the feminine body in the art historical canon has always included the masculine gaze as part of the visual exchange. As a result, women artists began to interrogate and refigure representation of their own bodies in the 1970s through Action Painting and body-centric Performance Art. It is striking that many female artists chose the intimate medium of drawing or the spontaneity, which the medium of photography offers to represent images of the body. Gabrielle Grässle (*1956), Silvia Bächli (*1956), Hannah Villiger (1951–1997) and Katrin Freisager (*1960) are just a few examples of this.

A Room of one’s own – Interiors as intimate scenes
Even before political activists in the second wave of the feminist movement focused on the interconnection between the public and the private, women artists like Ilse Weber (*1908–1984) or Garance Grenacher (*1943) developed their own idiosyncratic representations of architectural stagings of intimacy. They were followed by artists such as Leiko Ikemura (*1951), Ina Barfuss (*1949) or MANON (*1946).

The disfigured face – Self-portraits of a different kind
In the first half of the 20th century, much energy was devoted to the problem of how to visually capture a face. This is reflected in the cubist- futurist portraits created by the Swiss artist Alice Bailly (1872–1938). Subsequently, the portrait has been increasingly used to interrogate what portraiture means for the woman artist. New forms of this reconceptualizations of the face can be found in the works of Klaudia Schifferle (*1958), and Ella Lanz (*1932).

Pop as attitude – Idiosyncratic appropriations of everyday culture
Pop Art offers women artists a further perspective on how to explore their identities and living situations. A critical view of everyday consumer objects, presented in sensuous shapes and colors, has led many female artists to break with stereotypes. Doris Stauffer (1934–2017) and Donatella Maranta (*1959) direct their gaze to household items, endowing them with a new life and, in so doing, bring into dialog their family lives with their self-conception as artist. The ironic self- portraits of Susann Walder (1959–2015) are aimed at the objectified nature of the feminine body in capitalist consumer culture.

Displaced ways of seeing – Humor and visuual experiments
Unfamiliar visual expressions can be created through contradictory formal alignments or deliberate superimposed layerings. Disruptions of our usual modes of perception in works by Sophie Taeuber-Arp (1889–1943), Meret Oppenheim (1913–1985), Nanne Meyer (*1953) and Olivia Etter (*1956) show the viewer vividly how a playful transformation of the familiar can be carried over into daily life.

The exhibition title, “A woman is a woman is a woman…” plays with the famous line “a rose is a rose is a rose” from the poem “Sacred Emily” by Gertrude Stein, American author, publisher and art collector. What it means to be a woman cannot be essentialized. Instead, feminine identity and creativity can only be articulated in serial repetitions that keep shifting and transforming the concept.

To focus on the period between 1970 to 2000 also means drawing lines of connection back to women artists who came before, and in so doing, foregrounding a continuity between Modernism and Postmodernism. What also becomes clear is the degree to which the Aargauer Kunsthaus has faithfully dedicated its own exhibition and collection practice to female artists.

Artists in the exhibition (a selection)
Silvia Bächli (*1956), Alice Bailly (1872–1938), Ina Barfuss (*1949), Miriam Cahn (*1949), Olivia Etter (*1956), Katrin Freisager (*1960), Gabrielle Grässle (*1956), Garance Grenacher (*1943), Leiko Ikemura (*1951), Marianne Kirchhofer (*1947), MANON (*1946), Donatella Maranta (*1959), Nanne Meyer (*1953), Meret Oppenheim (1913–1985), Hannah Villiger (1951–1997), Klaudia Schifferle (*1958), Doris Stauffer (1934–2017), Sophie Taeuber-Arp (1889– 1943), Susann Walder (1959–2015), Ilse Weber (*1908–1984) and others

Guest Curator
Prof. Dr. Elisabeth Bronfen is Professor of American Studies at the University of Zürich and Global Distinquished Professor at New York University. She wrote her post-doctoral dissertation “Over Her Dead Body: Death, Femininity and the Aesthetic” at the University of Munich. As a specialist in the literature and culture of the 19th and 20th centuries, she writes articles and books on gender studies, psychoanalysis, film, cultural history and theory, as well as on visual culture. As an expert in issues relating to cultural studies and American politics, she is a regular contributor in the current media conversation. She is also collaborating more and more closely with cultural institutions, particularly as a curator and catalog contributor.

In cooperation with
Simona Ciuccio, Head of Collection & Exhibition
Bassma El Adisey, Research Assistant

Acknowledgement
The exhibition is supported by: Canton of Aargau, Aargau Art Association, Swisslos Canton of Aargau, City of Aarau, Federal Office of Culture, Thomas Stanley Johnson Stiftung

Opening hours Tues-Sun 10 am – 5 pm, Thur 10 am – 8 pm

Exhibition Duration 27 August 2022 – 15 January 2023

Eine Frau ist eine Frau ist eine Frau … Eine Geschichte der Künstlerinnen

Eine Gelegenheit, den kunsthistorischen Kanon zu hinterfragen, bietet sich in der von der Kulturwissenschaftlerin Elisabeth Bronfen kuratierten Ausstellung zu den Künstlerinnen in der Schweiz. Der Fokus liegt dabei auf den 1970er bis 1990er Jahren. In fünf thematischen Erzählungen wird das Verhältnis von visueller Kunst und sexueller Differenz in der Moderne und Postmoderne beleuchtet.

Die Ausstellung schafft eine bislang selten gezeigte Übersicht über das Schaffen unterschiedlichster Künstlerinnen in der Schweiz. Gezeigt wird ein Querschnitt, was Künstlerinnen zwischen den 1970er und 1990er Jahren thematisch und ästhetisch-formal beschäftigt hat. Ausgehend von der hauseigenen Sammlung wird die Ausstellung ergänzt mit Leihgaben aus Privatbesitz und Institutionen.

Warum dieser Fokus auf Künstlerinnen? In der Schweiz sind in den letzten Jahren grosse Einzelausstellungen zu sehen gewesen: Lee Krasner im Zentrum Paul Klee, Sophie Taeuber-Arp (nach Aarau) auch im Kunstmuseum Basel, Meret Oppenheim und Heidi Bucher im Kunstmuseum Bern. Es liegt auf der Hand, sich jetzt einen Überblick zu verschaffen, was zwischen 1970 und 2000 die Anliegen der Schweizer Künstlerinnen waren. Nicht, um die damals brisante Frage nach einem spezifisch weiblichen Blick nochmals aufzugreifen; es geht darum, mit einem vom feministischen Diskurs um sexuelle Differenz geschärften Blick auf diese Kunst zurückzublicken.

Entscheidend ist auch ein Bewusstsein dafür zu entwickeln, an was in unserer Kultur erinnert wird und an was nicht. Das lässt sich mit dem Blick der Gegenwart auf die Präsenz von Künstlerinnen im ausgehenden 20. Jahrhundert exemplarisch zeigen. In Anbetracht dessen, dass damals Künstlerinnen zum ersten Mal an verschiedenen Orten auftraten und in hohem Masse rezipiert wurden, bleibt offen, warum sie in den folgenden beiden Jahrzehnten so schnell wieder ausgeblendet wurden. Gleichzeitig bringt die Gastkuratorin Elisabeth Bronfen die spezifisch Schweizerische Postmoderne ans Licht; hier zeigt sich ein ganz eigenes Erbe der Moderne und der Nachkriegszeit.

Ausgestellt: Verwandelte Körperbilder
Die Geschichte der weiblichen Aktmalerei und figurativer Frauendarstellungen war über mehrere Jahrhunderte hinweg fremdbestimmt. Die Auseinandersetzung mit dem eigenen Körper setzt ab den 1970er-Jahren in Formen des Action Painting sowie durch die körperbetonte Performance Art ein. Auffallend ist, dass viele Künstlerinnen das intime Medium der Zeichnung oder die Momentaufnahme in Fotografien wählen, um Körperbilder darzustellen. Gabrielle Grässle (*1956), Silvia Bächli (*1956), Hannah Villiger (1951–1997) und Katrin Freisager (*1960) sind nur einige Beispiele dafür.

Frauenzimmer: Das Interieur als intimer Schauplatz
Bereits bevor politische Aktivistinnen in der zweiten Welle der Frauenbewegung die Forderung nach der Aufhebung der Grenze zwischen Privatem und Öffentlichem propagierten, trugen Künstlerinnen wie Ilse Weber (*1908–1984) oder Garance Grenacher (*1943) ihr Privat- und Atelierleben in öffentliche Ausstellungen. Ihnen folgten Künstlerinnen wie Leiko Ikemura (*1951), Ina Barfuss (*1949) oder auch MANON (*1946).

Das versehrte Gesicht: Selbstbildnisse anderer Art
In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird die Vorstellung, wie ein Gesicht im Bild eingefangen werden kann problematisiert. Das zeigt sich in den kubistisch-futuristischen Portraits und Darstellungen von Alltagsszenen der Westschweizerin Alice Bailly (1872–1938). Das Portrait dient anschliessend immer öfter einer Dekonstruktion dessen, was als typisch weibliche Selbstdarstellung gelten soll. Auch Klaudia Schifferle (*1958), Marianne Kirchhofer (*1947) und Miriam Cahn (*1949) brechen überholte Geschlechterkonventionen auf.

Pop als Haltung: Eigenwillige Aneignungen der Alltagskultur
Eine besondere Form dieser Dekonstruktion des Weiblichen wird in der Pop Art vollzogen. Die kritische, in Farbe und Form lustvolle Betrachtung der alltäglichen Konsumformen, lässt viele Künstlerinnen auf humorvolle Weise mit Stereotypen brechen. Doris Stauffer (1934–2017) und Donatella Maranta (*1959) richten den Blick auf Haushaltsgegenstände; Vereinbarkeit von Familie und Künstlerinnenberuf sowie Kritik am patriarchalen System schwingen mit. Die ironischen Selbstdarstellungen von Susann Walder (1959– 2015) zielen auf das Objekthafte des weiblichen Rollenbilds im kapitalistischen Wertsystem.

Ver-Rücktes Sehen: Witz und visuelle Experimente
Ungewohnte Seherlebnisse entstehen durch gegensätzliche Bildanordnungen oder bewusste Überlagerungen. Störungen der gewohnten Bildwahrnehmung in Werken von Sophie Taeuber-Arp (1889–1943), Meret Oppenheim (1913–1985), Nanne Meyer (*1953) und Olivia Etter (*1956) führen den Betrachtenden vor Augen, wie eine spielerische Transformation des Bekannten in den Alltag überführt werden kann.

Der Titel der Ausstellung “Eine Frau ist eine Frau ist eine Frau…” lehnt sich an das Gedicht “Eine Rose ist eine Rose ist eine Rose” der Amerikanischen Schriftstellerin, Verlegerin und Kunstsammlerin Gertrude Stein an. Er versteht sich auch als eine Lesart des Frau-Seins, die oftmals erst in der Summe ihrer Wiederholung vollends ersichtlich wird, ohne je auf eine einzige Essenz festgelegt zu werden.

Der Zeitraum von 1970 bis 2000 ermöglicht auch eine Art Spurensicherung von Vorläuferinnen aus früheren Dekaden der Moderne. Zusätzlich wird sichtbar, wie konsequent das Aargauer Kunsthaus in ihrer Ausstellungs- und Sammlungsgeschichte sich generell Künstlerinnen gewidmet hat.

Kunstschaffende in der Ausstellung (Auswahl)
Silvia Bächli (*1956), Alice Bailly (1872–1938), Ina Barfuss (*1949), Miriam Cahn (*1949), Olivia Etter (*1956), Katrin Freisager (*1960), Gabrielle Grässle (*1956), Garance Grenacher (*1943), Leiko Ikemura (*1951), Marianne Kirchhofer (*1947), MANON (*1946), Donatella Maranta (*1959), Nanne Meyer (*1953), Meret Oppenheim (1913–1985), Hannah Villiger (1951–1997), Klaudia Schifferle (*1958), Doris Stauffer (1934–2017), Sophie Taeuber-Arp (1889– 1943), Susann Walder (1959–2015), Ilse Weber (*1908–1984) und weitere

Gastkuratorin
Prof. Dr. Elisabeth Bronfen ist Professorin für Anglistik und American Studies an der Universität Zürich und Gastprofessorin an der New York University. Sie habilitierte an der Universität München mit dem Werk “Over Her Dead Body: Death, Femininity and the Aesthetic”. Als Spezialistin für Literatur und Kultur des 19. und 20. Jahrhunderts schreibt sie Artikel und Bücher in den Bereichen Gender Studies, Psychoanalyse, Film, Kulturgeschichte und -theorie sowie Bildwissenschaft. Als Expertin zu kulturwissenschaftlichen Fragestellungen und Amerikanischer Politik trägt sie regelmässig zum aktuellen Mediengeschehen bei. Sie arbeitet zunehmend auch mit Kulturinstitutionen zusammen, insbesondere als Kuratorin und Katalogautorin.

In Zusammenarbeit mit
Simona Ciuccio, Leiterin Sammlung & Ausstellung
Bassma El Adisey, Wissenschaftliche Mitarbeiterin

Dank
Die Ausstellung wird unterstützt von: Kanton Aargau, Aargauischer Kunstverein, Swisslos Kanton Aargau, Stadt Aarau, Bundesamt für Kultur, Thomas Stanley Johnson Stiftung

Öffnungszeiten Di-So 10 – 17 Uhr, Do 10 – 20 Uhr

Ausstellungsdauer 27.08.2022 – 15.01.2023

www.aargauerkunsthaus.ch

Location:
Aargauer Kunsthaus
Aargauerplatz
5001 Aarau
Switzerland