Albrecht Schnider – at the garden’s border

“at the garden’s border” is Albrecht Schnider’s second solo exhibition at Mai 36 Galerie. Carefully chosen and presented alongside the artist’s latest works are significant transitional and/or key works in an attempt to highlight the illuminating nature of his oeuvre, spanning three decades. Some of the works on display are so different in their appearance that someone unfamiliar with Schniders work may doubt that they are in fact from the same artist. In the exhibition space, they are positioned in a subtle yet insightful context to one another where some of the earlier works may be considered or recognized as predecessors of later non-representational or abstract paintings. The predominant motifs of the exhibition are landscape, flora and mankind.

In 1996, Schnider created his (for now) last explicit figurative painting: Five young men walk one after the other, or rather, the same ginormous young man walks five times across the picture. Albrecht Schnider caught in the middle of a movement. Like on a badly developed photograph the pale figures seem to blend into the light foundation. The painting could be interpreted as an image stored in memory. Today there are even more good arguments to support such a reading, especially when we look at the large scale ’empty’ frame pictures and recapitulate the creative process of the artist before these huge white ‘mirrors’.

Albrecht Schnider’s creative process typically begins with the act of free drawing, allowing him to find forms that can later be transmitted to painting. By the end of the 1990s, Schnider started to turn away from representationalism: he created works for which he transformed spontaneous drawings into extremely precise painting, executed with meticulous care. In this process, all traces of craftsmanship are erased in order to reach an object-like, sometimes even iconic effect. Through reduction and stylisation Schnider began to formalise his motifs, creating distanced depictions: figures that were once explicitly identifiable slowly vanished, became types; deserted landscapes a blur of forms – gradually, man and nature begin to align ornamentally. Moving towards greater anonymisation and the eradication of everything handwritten, a process towards the greatest possible reduction took place. This reductive process culminated in the pictures of heads with white empty faces and his white pictures surrounded by empty frame shapes. Confronted with the precarious balance between the portrayed and the mode of representation, we find ourselves on the tipping point of figuration and abstraction, calligraphy and rational construction, sense and emptiness of meaning.

Only in his landscape paintings, which he started in the late 1980s, Schnider still adheres to a clear pictorial type. They can be viewed as a constant and integral part of his diverse oeuvre. Following countless studies and drawings, a pictorial body emerges, constructed out of geometrically placed lines and colour combinations. But what is painted is not actually a landscape, rather a picture that reminds us of a landscape. Free of people and details of nature, it conveys a cool detachment, which is created by the renunciation of the handwritten gesture. The viewers don’t find a way to enter, rather, they hover over this unreal, almost supernatural landscape, longing for orientation.

The gestural moment of the hand drawing leads to painterly solutions in Schnider’s most recent gouache works. While many of Schnider’s recent pieces, especially his synthetic acrylic paintings, are perfectly constructed and thoroughly planned, his small-format works attempt to return to a more direct, spontaneous creative process, a freer form of painting that has much in common with Schnider’s way of drawing. In a way, a return to the beginnings of his work.

Albrecht Schnider (*1958 in Lucerne, Switzerland) graduated from the Hochschule für Gestaltung and the University of Bern in 1987. From 2005-2021 Schnider held a professorship at the Bern University of the Arts. Important institutional solo exhibitions include Kunstmuseum Thun (2021), Helmhaus, Zurich (2014), Haus am Waldsee, Berlin (2011), Kunstmuseum Solothurn (2011), Aargauer Kunsthaus (2006), daad Galerie, Berlin (1999), Kunstmuseum Luzern (1994). His works are represented numerous private and public collections, including the Kunsthaus Zürich, the Kunstmuseum Bern, the Kunstmuseum Luzern, the Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, the Kupferstichkabinett Berlin & Basel and the Schering Foundation, Berlin.

Albrecht Schnider lives and works in Hilterfingen, near Thun.

Gallery hours Tue-Fri 11 am – 6.30 pm, Sat 11 am – 5 pm

Exhibition Duration 01 September – 14 October 2023

“at the gardens border” ist Albrecht Schnider’s zweite Einzelausstellung in der Mai 36 Galerie. Präsentiert werden neben den neuesten Arbeiten des Künstlers bedeutende Übergangs- bzw. Schlüsselwerke seines umfangreichen Oeuvres. Einige der ausgestellten Werke sind in ihrer Erscheinung so unterschiedlich, dass jemand, der mit dem Werk von Schnider nicht vertraut ist, daran zweifeln könnte, dass sie tatsächlich von ein und demselben Künstler stammen. Im Ausstellungsraum stehen sie in einem subtilen, aber aufschlussreichen Kontext zueinander, in dem einige der früheren Werke als Vorläufer der späteren ungegenständlichen Gemälde betrachtet oder erkannt werden können. Die dominierenden Motive der Ausstellung sind Landschaft, Pflanze und Mensch.

1996 schuf Schnider sein (vorerst) letztes explizites Figurenbild: Fünf junge Männer gehen nacheinander, oder besser gesagt, ein und derselbe riesige junge Mann geht fünfmal quer durchs Bild. Albrecht Schnider inmitten einer Bewegung. Wie auf einer noch nicht ganz fertig entwickelten Fotografie scheinen die blassen Figuren mit dem hellen Untergrund zu verschmelzen. Das Werk könnte als eine Erinnerung betrachtet werden. Heute gibt es noch mehr gute Argumente für eine solche Lesart, vor allem wenn wir die großformatigen “leeren” Rahmenbilder betrachten und den Schaffensprozess des Künstlers vor diesen riesigen weißen “Spiegeln” rekapitulieren.

Albrecht Schniders kreativer Prozess beginnt in der Regel mit dem Akt des freien Zeichnens, der es ihm ermöglicht, Formen zu finden, die später in die Malerei übertragen werden können. Ende der 1990er Jahre begann Schnider, sich von der gegenständlichen Malerei abzuwenden: Es entstehen Werke, in denen er spontane Zeichnungen in eine äußerst präzise, mit akribischer Sorgfalt ausgeführte Malerei übersetzt. Dabei werden alle handwerklichen Spuren getilgt, um eine objekthafte, manchmal sogar ikonische Wirkung zu erzielen. Durch Reduktion und Stilisierung beginnt Schnider seine Motive zu formalisieren und distanzierte Darstellungen zu schaffen: einst eindeutig identifizierbare Figuren verschwinden mit der Zeit, werden zu Typen, menschenleere Landschaften zu Labyrinthen aus puzzleartigen, abstrakten Formen. Die ornamentale Angleichung von Mensch und Natur ist offensichtlich. Mit der zunehmenden Anonymisierung und der Auslöschung alles Handschriftlichen vollzog sich ein Prozess der größtmöglichen Reduktion. Dieser reduktive Prozess fand in den Bildern von Köpfen mit einer weissen leeren Gesichtsfläche und den weissen Bildern in den leeren Rahmenformen um 2005 seinen Höhepunkt. Konfrontiert mit der prekären Balance zwischen Dargestelltem und Darstellungsweise befinden wir uns auf der Kippe zwischen Figuration und Abstraktion, Kalligraphie und rationaler Konstruktion, Sinn und Sinnleere.

Mit der Landschaftsmalerei, die er Ende der 1980er Jahre begann, hält Schnider bis heute an einem klaren Bildtypus fest. Sie können als konstanter und integraler Bestandteil seines vielfältigen Oeuvres betrachtet werden. Ausgehend von unzähligen Studien und Zeichnungen wird ein Bildkörper aus geometrisch gesetzten Linien und Farbkombinationen konstruiert. Gemalt wird jedoch keine Landschaft im eigentlichen Sinne, sondern nur ein Bild, das an eine Landschaft erinnert. Frei von Menschen und Naturdetails vermitteln sie eine kühle Distanziertheit, die durch den Verzicht eines handschriftlichen Gestus noch unterstützt wird. Der Betrachter findet keinen Zugang ins Bild hinein, er schwebt über dieser unwirklichen, geradezu übernatürlichen Landschaft und sehnt sich nach Orientierung.

Das gestische Moment der Handzeichnung führt in Schniders jüngsten Arbeiten zu malerischen Lösungen. Während viele von Schniders neueren Werken, vor allem seine synthetischen Acrylbilder, perfekt konstruiert und sorgfältig geplant sind, versuchen seine kleinformatigen Arbeiten, zu einem direkteren, spontanen kreativen Prozess zurückzukehren, einer freieren Form der Malerei, die viel mit Schniders Art zu zeichnen gemeinsam hat. In gewisser Weise eine Rückkehr zu den Anfängen seines Schaffens.

Albrecht Schnider (*1958 in Luzern, Schweiz) schloss 1987 sein Studium an der Hochschule für Gestaltung und an der Universität Bern ab. Von 2005-2021 hielt Schnider eine Professur an der Hochschule der Künste Bern. Wichtige institutionelle Einzelausstellungen waren u.a. Kunstmuseum Thun (2021), Helmhaus, Zürich (2014), Haus am Waldsee, Berlin (2011), Kunstmuseum Solothurn (2011), Aargauer Kunsthaus (2006), daad Galerie, Berlin (1999), Kunstmuseum Luzern (1994). Seine Werke sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter das Kunsthaus Zürich, das Kunstmuseum Bern, das Kunstmuseum Luzern, das Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, das Kupferstichkabinett Berlin & Basel und die Schering Stiftung, Berlin.

Albrecht Schnider lebt und arbeitet in Hilterfingen bei Thun.

Öffnungszeiten Di-Fr 11 – 18.30 Uhr, Sa 11 – 17 Uhr

Ausstellungsdauer 01.09. – 14.10.2023

www.mai36.com

Location:
Mai 36 Galerie
Rämistrassse 37
8001 Zürich
Switzerland