Asta Gröting – Where Do You See Yourself in 20 Years?

In her exhibition, Asta Gröting (b. 1961, Germany) combines earlier works, which turn the inside outside, with new sculptures and videos focusing on the physical and psychological deconstruction of the human body. Whether via the space created by lovers having sex or the holes made by bullets during World War II in the facades of buildings in Berlin, Gröting reveals the inner voice of things. She draws our attention to absence and the physical and emotional gaps between people and things. Whether based on family members, friends, or historical figures, Gröting’s work across media seeks to cast abstract qualities such as thought, intimacy, conflict and subjectivity. Her ongoing engagement with gaps, interior spaces, and inner organs conceptually and emotionally questions the social body by taking something away from it and allowing this absence to do the talking. The three new videos also emphasise the relationship between object and body. The artist stages mundane objects and actions, focussing on their poignancy and intensity. Projected large-scale, they recall tableaux vivants or Old Master still life paintings.

In her richly diverse artistic practice, which she has been developing since the mid-1980s, Asta Gröting translates invisible or ignored elements of the human condition into sculptures. On both an emotional and a conceptual level her work addresses the role of the body in personal, collective and political contexts. Gröting’s probing of the intimate depths of the body began in the 1990s when she cast human and animal digestive systems in materials such as glass and silicone. Emancipated from the confines of the body, “Verdauungswege” (1990) not only exposes a part of the its unfamiliar interior, but also gestures towards the more sensual aspects of the intestinal nervous system—splayed on the floor in front of us is the body’s “second brain”, which ancient philosophers claimed was the home of the soul. Gröting continues her inquiry into the hidden spaces of the body and the emotive charge they exude in her series of sculptures entitled “Space Between Lovers”, which employ materials like polyurethane and silicon to depict a moment of intimacy. To create the work, Gröting literally cast two actors while they were having sex. On first glance, the smooth white silicone of “Space Between Lovers, Unfolded” (2008) seems to resemble a delicate shell rather than two human forms. A closer look reveals a man and a woman inextricably bound together. Prised open, the contours of their bodies appear as a negative void, yet the sculpture also reveals the unexpressed, inexpressible and hidden issues of relationships. Other works are a monument to more collective forms of absence, loss and time passing, notably “Bodenplatte” (2013), a series of sculptures inspired by Rodin’s “Burghers of Calais”. Gröting molded the base of Rodin’s sculpture in his studio in Meudon, modeling the places where the robes and feet of the six city leaders who offered their lives for the city of Calais in the Hundreds Years’ War touched the base of the sculpture.

Asta Gröting reveals not only the things that can’t normally be seen, but also those we don’t want to see, whether the conveyor belt from a coal mine, recontextualised in “Reifen” (1987) as a sculptural object, or “Reclining Figure 2” (2018), a cast of a sleeping bag, its tangled and cocoon-like appearance conveying the fragility of the human form. Her decision to work with a particular material is always determined by the story behind each sculpture. “Affentanz 6” (1987-2015), for example, was inspired by 1980s leather jackets. Gröting decided to bring the narrative full circle by changing the upright, human form of the jacket back into animals walking on all fours. “Feuerstelle” (2011) similarly turns the inside out: three logs made of glass glow red where they meet in the middle, conveying the heat of fire which is necessary for the production of glass.

For her most recent body of works, “Berliner Fassaden” (2016–2018), Gröting cast in silicone the facades of public buildings damaged by the Second World War. When the silicone is removed from the building, it reveals not only impressions of the façade’s architectural structure, but also pulls the depth of its bullet holes out onto its surface—forming bulbous protuberances that also include bits of sandstone particles, dirt, and dust that had collected in the holes over the decades. As such structures are rapidly being renovated as part of urban renewal – as well as post-war Germany’s ongoing attempt to rid its urban surfaces from remnants of the war – Gröting’s forensic approach to Berlin’s damaged facades can be understood in this context as a protest against forgetting. Equally monumental in scale and atmosphere are the three videos made for this exhibition. “First Drink” (2018) is an homage to the simple ritual of the drink each of us chooses to start the day, yet this work too condenses past and present via the physical and intensely human experience of objects, places and time passing.

Curator of the exhibition Felicity Lunn, director Kunsthaus Pasquart

Opening hours Wed-Fri noon – 6 pm, Thur noon – 8 pm, Sat/Sun 11 am – 6 pm

Asta Gröting (*1961, D) réunit dans son exposition des objets du début de sa carrière, qu’elle retourne de l’intérieur vers l’extérieur, et de nouvelles sculptures et vidéos traitant de la déconstruction physique et psychologique du corps humain. Qu’il s’agisse de représenter l’espace créé par les corps de couples lors d’un rapport sexuel ou de rendre visible les impacts de balles de la Seconde Guerre mondiale dans les façades des bâtiments de Berlin, Gröting révèle l’intérieur des choses. Elle dirige notre regard vers l’absence ainsi que vers les écarts physiques et émotionnels entre les hommes et les choses. Gröting s’inspire de membres de familles, d’amis ou encore de personnalités historiques pour explorer dans divers médias des qualités abstraites comme la pensée, l’intimité, le conflit et la subjectivité. En travaillant continuellement avec les lacunes, les intérieurs et les entrailles, elle questionne le corps en tant que construction sociale conceptuelle et émotionnelle en lui enlevant quelque chose et en permettant à cette pièce manquante de parler pour elle-même. Trois nouvelles vidéos thématisent également la relation entre l’objet et le corps: l’artiste met en scène des objets quotidiens et des actions banales et se concentre ainsi sur leur présence obsédante et leur intensité touchante. Projetées en grand format, elles rappellent les tableaux vivants ou les natures mortes des maîtres anciens.

Dans sa pratique artistique très diversifiée, développée depuis le milieu des années 1980, Asta Gröting traduit en sculptures des éléments de la condition humaine qui sont invisibles ou ignorés. Tant sur le plan émotionnel que conceptuel, son travail aborde le rôle du corps dans les contextes personnels, collectifs et politiques. Dans les années 1990, Gröting commence à sonder les profondeurs intimes du corps en réalisant des moulages de systèmes digestifs humains et animaux à l’aide de matériaux tels que le verre et le silicone. “Verdauungswege” (1990) révèle non seulement une partie de son intérieur inconnu, mais nous dirige aussi vers les aspects plus sensuels du système nerveux intestinal. Ce “deuxième cerveau” du corps qui, selon les anciens philosophes, hébergeait l’âme est étalé devant nous sur le sol. Gröting poursuit sa quête autour des espaces cachés du corps et de la puissance émotionnelle que ce dernier dégage dans sa série de sculptures intitulée “Space Between Lovers” en employant des matériaux comme le polyuréthane et le silicone pour représenter cet instant d’intimité. Pour créer l’œuvre “Space Between Lovers, Unfolded” (2008), Gröting a moulé deux acteurs lors d’un rapport sexuel. Au premier abord, le silicone blanc et lisse semble être une coquille délicate plutôt que deux formes humaines. Les contours de leur corps apparaissent comme un vide négatif, mais la sculpture révèle aussi les questions inexprimées, indicibles et cachées des relations. D’autres travaux sont un témoignage de formes d’absence plus collectives, de perte et du temps qui s’écoule, comme notamment “Bodenplatte” (2013), une série de sculptures inspirées des “Bourgeois de Calais” de Rodin. Dans l’atelier à Meudon, Gröting a réalisé un moulage du socle de l’œuvre, en modelant les endroits où les robes et les pieds des six dirigeants – qui étaient prêts à sacrifier leur vie pour Calais pendant la guerre de Cent Ans – touchent la base de la sculpture.

Asta Gröting dévoile non seulement ce que l’on ne perçoit pas normalement, mais aussi ce que l’on refoule. Fût-ce le tapis roulant d’une mine de charbon, recontextualisé dans “Reifen” (1987) comme objet sculptural, ou encore la fragilité de la physionomie humaine exprimée dans “Reclining Figure 2” (2018), un moulage de sac de couchage en forme de cocon enchevêtré. Pour Gröting, le choix de travailler avec un matériau spécifique est toujours déterminé par l’histoire qui se cache derrière chaque sculpture. “Affentanz 6” (1987-2015), par exemple, s’inspire des vestes en cuir des années 1980, produites à partir d’agneaux turcs et importées ensuite en Europe orientale. Gröting boucle littéralement la boucle en changeant la forme dressée et humaine de la veste en animaux marchant à quatre pattes. Pour “Feuerstelle” (2011), l’artiste retourne également l’intérieur vers l’extérieur: trois bûches en verre luisent d’un rouge vif là où elles se rejoignent et font allusion à la chaleur du feu qui est nécessaire pour la production du verre.

Pour son œuvre la plus récente, “Berliner Fassaden” (2016-2018), Gröting a enduit de silicone les façades de bâtiments publics endommagés pendant la Seconde Guerre mondiale. Lorsque cette couche est retirée de l’édifice, elle révèle non seulement les empreintes de la structure architecturale de la façade, mais aussi la profondeur des impacts de balles. Ceux-ci apparaissent sur la surface et forment des protubérances bulbeuses qui contiennent également des particules de grès et de poussière, rendant visible ce qui s’y était déposé durant des décennies. De telles structures sont habituellement vite mises à neuf dans le cadre de la rénovation urbaine. De plus, l’Allemagne d’après-guerre tente de débarrasser ses surfaces des vestiges de la guerre. Dans ce contexte, l’approche médico-légale de Gröting envers les façades endommagées berlinoises peut être comprise comme une manifestation contre l’oubli. “First Drink” (2018) est un hommage au rituel simple et journalier qui consiste à choisir une boisson pour bien commencer la journée. Cette œuvre condense aussi le passé et le présent à travers l’expérience physique et intensément humaine des objets, des lieux et du temps qui passe.

Commissaire de l’exposition Felicity Lunn, directrice Centre d’art Pasquart

Heures d’ouverture Mercredi 12:00 – 18:00, Jeudi 12:00 – 20:00, Vendredi 12:00 – 18:00, Samedi / Dimanche 11:00 – 18:00

Asta Gröting (*1961, D) vereint in ihrer Ausstellung frühere Arbeiten, die das Innen nach aussen kehren, und neue Skulpturen und Videos, in denen die Künstlerin die physische und psychische Dekonstruktion des menschlichen Körpers befragt. Ob mit dem Abbilden des Raums, welcher durch die Körper von Liebespaaren während des Geschlechtsverkehrs geschaffen wird, oder dem Sichtbarmachen der Einschusslöcher, die sich im Zweiten Weltkrieg in die Gebäudefassaden Berlins eingeschrieben haben, offenbart Gröting das Innere der Dinge. Sie lenkt unseren Blick auf das nicht Vorhandene sowie auf körperliche und emotionale Lücken und Brüche zwischen Menschen und Dingen. Familienmitglieder, Freunde oder historische Persönlichkeiten dienen Gröting als Modelle, anhand derer sie mit ihrer medienübergreifenden Arbeit abstrakte Qualitäten wie Gedanken, Intimität, Konflikt und Subjektivität untersucht. Mit ihrer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit Lücken, Innenräumen und Innereien hinterfragt sie den Körper als soziales Konstrukt konzeptionell und emotional: Indem sie ihm etwas wegnimmt und dieser Abwesenheit erlaubt, Inhalt zu sein. Auch die drei neuen Videos thematisieren das Verhältnis von Gegenstand und Körper: Die Künstlerin setzt alltägliche Objekte und banale Handlungen in Szene und fokussiert damit deren eindringliche Präsenz und berührende Intensität. Grossformatig projiziert, erinnern sie an Tableaux vivants oder an Stillleben Alter Meister.

In ihrer vielfältigen künstlerischen Praxis, die sie seit Mitte der 1980er Jahre verfolgt, übersetzt Asta Gröting unsichtbare oder übersehene Elemente des menschlichen Zustandes in Skulpturen. Ihre Arbeit beschäftigt sich sowohl auf emotionaler als auch auf konzeptioneller Ebene mit der Rolle des Körpers in persönlichen, kollektiven und politischen Kontexten. Grötings Erforschung der intimen Tiefen des Körpers begann in den 90er Jahren, als sie menschliche und tierische Verdauungssysteme in Materialien wie Glas und Silikon goss. “Verdauungswege” (1990) enthüllt nicht nur einen Teil des unbekannten Inneren, sondern verweist auch auf die sinnlicheren Aspekte des intestinalen Nervensystems – auf dem Boden vor uns ausgebreitet liegt dieses “zweite Gehirn” des Körpers, von dem Philosophen der Antike behaupteten, es sei die Heimat der Seele. Gröting führt ihre Auseinandersetzung mit verborgenen Räumen des Körpers und seiner emotionalen Aufgeladenheit in ihrer Skulpturenserie “Space Between Lovers” fort, in der sie Materialien wie Polyurethan und Silikon verwendet, um einen Moment der Intimität darzustellen. Um das Werk zu realisieren, hat Gröting zwei Schauspieler während des Geschlechtsverkehrs abgeformt. Auf den ersten Blick scheint das glatte weisse Silikon von “Space Between Lovers, Unfolded” (2008) eher einer zarten Muschel als zwei menschlichen Formen zu ähneln. Bei genauerem Hinsehen sind ein Mann und eine Frau untrennbar miteinander verbunden. Die Konturen ihrer Körper erscheinen als negative Leere, aber die Skulptur offenbart auch die unausgesprochenen, unaussprechlichen und verborgenen Fragen von Beziehungen. Andere Werke sind ein Mahnmal für kollektivere Formen von Abwesenheit, Verlust und Zeitablauf, insbesondere “Bodenplatte” (2013), einer Reihe von Skulpturen, die von Rodins “Bürger von Calais” inspiriert sind. Gröting formte in Rodins Atelier in Meudon die Basis der Skulptur ab und modellierte die Stellen, wo die Gewänder und Füsse der sechs Stadtführer – die im Hundertjährigen Krieg ihr Leben für die Stadt Calais opfern wollten – den Boden der Skulptur berühren.

Asta Gröting offenbart nicht nur die Dinge, die normalerweise nicht zu sehen sind, sondern auch jene, die wir nicht sehen wollen, sei es das Förderband aus einer Kohlengrube, rekontextualisiert in “Reifen” (1987) als skulpturales Objekt, oder die “Reclining Figure 2” (2018), ein Abguss eines Schlafsacks, dessen verdrehte und kokonartige Erscheinung die Zerbrechlichkeit der menschlichen Form vermittelt. Ihre Entscheidung, mit einem bestimmten Material zu arbeiten, wird immer von der Geschichte hinter jeder Skulptur beeinflusst. “Affentanz 6” (1987-2015) zum Beispiel ist inspiriert von Lederjacken aus den 1980er Jahren. Gröting beschloss, den narrativen Kreis zu schliessen, indem sie die aufrechte, menschliche Form der Jacke wieder in Tiere verwandelte, die auf allen Vieren stehen. Auch “Feuerstelle” (2011) kehrt das Innere um: Drei Kanthölzer aus Glas leuchten rot, wo sie aufeinandertreffen und implizieren die für die Glasherstellung notwendige Feuerwärme.

Für ihre neuste Serie “Berliner Fassaden” (2016-2018) formte Gröting die Fassaden der durch den Zweiten Weltkrieg beschädigten öffentlichen Gebäude aus Silikon ab. Wenn das Silikon aus dem Gebäude entfernt wird, enthüllt es nicht nur Abdrücke der architektonischen Struktur der Fassade, sondern zieht auch die Tiefe der Einschusslöcher an seine Oberfläche. Die daraus entstandenen bauchigen Wülste enthalten Sandstein-, Schmutz- und Staubpartikel, die sich im Laufe der Jahrzehnte in den Löchern angesammelt hatten. Da solche Strukturen im Rahmen der Stadterneuerung rasch saniert werden – und durch den fortwährenden Versuch der Nachkriegszeit, die urbanen Oberflächen von den Überresten des Krieges zu befreien – kann Grötings forensischer Umgang mit den beschädigten Fassaden Berlins in diesem Zusammenhang als Protest gegen das Vergessen verstanden werden. Ebenso monumental in Grösse und Atmosphäre sind die drei Videos, die für diese Ausstellung gemacht wurden. “First Drink” (2018) ist eine Hommage an das einfache Ritual des Getränks, das jeder von uns zu Beginn des Tages wählt. Auch diese Arbeit verdichtet Vergangenheit und Gegenwart durch die physische und intensiv menschliche Erfahrung von Objekten, Orten und Zeitverläufen.

Kuratorin der Ausstellung Felicity Lunn, Direktorin Kunsthaus Pasquart

Öffnungszeiten Mi-Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 20 Uhr, Sa/So 11 – 18 Uhr

www.pasquart.ch

Location:
Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71-75 Faubourg du Lac
2502 Biel / Bienne
Switzerland