Emma Talbot – Ghost Calls and Meditations

In Emma Talbot’s (b. 1969, GB) work across several mediums drawing is always the starting point for her explorations of some of the most urgent questions of our time, from feminist theory and psychoanalysis to ecopolitics and the natural environment and our shifting relationships to technology, language and communication. Her radiant painted silk hangings and the related animations recall both dream diary and automatic drawing, often connecting word and image to express the lyricism and the pain of subjectivity. Incorporating her own writing as well as references to other literary and poetic sources, Talbot combines painted text, figurative depiction, mark-making and pattern. Her most recent three-dimensional pieces are constructed by hand through simple techniques, such as papier-mâché and stitched soft forms. For this exhibition, when our world is more uncertain than ever, Talbot interweaves the aftermath of the crash of our systems and interpretations of wild and impressive landscapes. These are stories of reconnection with ancient mythology and holistic ways of crafting, making and belonging to survive – all conveyed through a group of keening women.

Through drawing, painting, animation and sculptures, Emma Talbot explores the inner landscape of thoughts and emotions based on her own experiences and memories. These subjective responses are then cast into wider narratives, addressing prevalent contemporary concerns. The shift of registers and readings of her work between the symbolic and the everyday, the autobiographical and the collective, is expressed in the intertwining of text and image in a form of visual poetry.

The relationship between the physical presence of the work and the fluid nature of the subject matter is reflected in Talbot’s choice of materials: hand-drawn and painted onto silk or paper, her images convey immediate representations of her thoughts, sometimes surprising the artist by revealing things that are unconscious. Large paintings on silk in multi-panel installations are suspended from the ceiling, while the mixed-media sculptures transfer the female spirits of Talbot’s drawings to dreamy landscapes, where they are depicted in acts of gathering, journeying and exploring. In her animations, which the artist taught herself how to make during the first lockdown, hand-drawn landscapes of natural beauty, rich with floral and bodily forms, are punctuated by the artist’s poetic texts and accompanied by an other- worldly soundtrack of percussive rhythms, electronic melodies and wailing vocal intonations.

Talbot’s idiosyncratic pictorial language includes distended heads with featureless faces and waves of long hair that often extend into intense rhythmic patterning. The artist has also developed a unique calligraphy to integrate her inner monologue into the work, a mixture of upper and lower cases and differing sizes that enables the maximum variation of emphases. Her work recalls a broad diversity of sources, from Art Nouveau illustration and the lush fin-de-siècle palette of ochre and amethyst, silver and jade, to protest banners and early feminist expressions of the body as landscape.

The exhibition focuses primarily, however, on Talbot’s research into the ancient Celtic tradition of ‘keening’. Keeners were professional mourners, often women, who would visit homes of the recently deceased to perform lamentations and “Keening Songs” to help escort souls from this world into the next. These women appear throughout the exhibition in different forms: depicting the cataclysmic event that reconfigures the world; moving through this newly broken world; and exploring and being transported through fantastical landscapes by mythical birds, whilst ghostly apparitions float overhead. All of these narrative threads are drawn together and combined with movement and sound in Talbot’s new animation “Keening Songs” (2020). Here, we see these women move and mourn and care for one another, encountering different animals, ghosts and unknown spirits along the way.

With this new body of work, Talbot invites us to imagine these unknown futures together and think carefully about how we navigate our contemporary situation of undeniable uncertainty and change. Although she confronts these issues with honesty, Talbot’s work abstains from pessimism and cynicism in favour of hopeful futures, where systems of power have been reconfigured.

Emma Talbot studied at the Birmingham Institute of Art & Design and the Royal College of Art. She is Tutor in Painting at the Royal College of Art’s School of Arts and Humanities. Her work has previously been exhibited at Eastside Projects, Birmingham; Arcadia Missa, New York; GEM Kunstmuseum, The Hague; Petra Rinck Galerie, Düsseldorf; Turner Contemporary, Margate; Drawing Room, London, The Freud Museum; London; Galerie Onrust, Amsterdam; Neuer Aachener Kunstverein, Aachen and Tate St. Ives, Cornwall. She is represented by Galerie Onrust, Amsterdam and Petra Rinck Galerie, Düsseldorf.

In 2020 Emma Talbot was awarded the 8th Mara Art Prize for Women, a biannual award established in 2005 in collaboration with the Whitechapel Gallery in London and Maramotti Foundation in Italy.

The exhibition has been produced in cooperation with Dundee Contemporary Arts, Dundee, Scotland, GB, where it was shown from 28 April to 8 August 2021.

Curator of the exhibition: Felicity Lunn, director Kunsthaus Pasquart

Opening hours Tues/Wed/Fri 12 – 6 pm, Thur 12 – 7 pm, Sat 11 am – 6 pm, Mon & Sun closed

Dans l’œuvre transmédiatique d’Emma Talbot (*1969, GB), le dessin est le point de départ pour ses explorations des questions de notre temps, de l’environnement aux théories féministes et de genre, en passant par nos moyens de communication. Ses lumineux dessins peints sur soie et les animations qui s’y rapportent rappellent à la fois un journal de rêves et le dessin automatique, combinant souvent le mot et l’image pour exprimer le lyrisme et la douleur de la subjectivité. Incorporant ses propres écrits ainsi que des références à d’autres sources littéraires et poétiques, Talbot associe texte peint, représentation figurative, marquage et motif. Ses pièces tridimensionnelles les plus récentes sont construites à la main, utilisant des matériaux et des techniques simples, comme le papier mâché ou des formes souples cousues. Pour cette exposition, mise sur pied alors que notre monde est plus incertain que jamais, Talbot entrelace les séquelles de l’effondrement de nos systèmes avec des interprétations de paysages sauvages et impressionnants. Ce sont des histoires qui évoquent la mythologie ancienne et font allusion à des modes holistiques d’artisanat, de fabrication et d’appartenance – le tout représenté par un groupe de femmes se lamentant.

Par le dessin, la peinture, l’animation et la sculpture, Emma Talbot explore les paysages intérieurs de la pensée et des émotions, s’appuyant sur ses propres expériences et ses souvenirs. Ces réactions subjectives sont ensuite développées en de plus larges récits qui abordent des problématiques actuelles. Dans ses œuvres, le passage du symbolique au quotidien, de l’autobiographique au collectif, tant au niveau des registres que des interprétations, s’exprime par l’entrelacement du texte et de l’image, développant une forme de poésie visuelle.

Dans le travail de Talbot, le choix des matériaux reflète la relation entre la présence physique de l’œuvre et la nature fluide du sujet abordé. Ainsi, dessinées à la main et peintes sur de la soie ou du papier, ses productions transmettent des représentations immédiates de ses pensées qui surprennent parfois l’artiste elle-même en révélant des éléments de son inconscient. De larges peintures sur soie, combinées en installations de plusieurs panneaux, se déploient depuis le plafond, tandis que des sculptures en techniques mixtes transposent au sein de paysages oniriques les figures féminines des dessins de Talbot. Celles-ci sont représentées dans des actes de récolte, de voyage et d’exploration. Dans ses animations, une technique apprise par l’artiste en autodidacte lors du premier confinement, des paysages d’une beauté naturelle, dessinés à la main, riches de formes florales et corporelles, sont ponctués des textes poétiques de l’artiste et accompagnés d’une bande sonore venue d’un autre monde, faite de percussions, de mélodies électroniques et de voix gémissantes.

Le langage pictural personnel de Talbot se compose de têtes distendues, aux visages sans traits, encadrés de cascades de longs cheveux qui se déploient souvent en d’intenses motifs rythmiques. L’artiste a également développé une calligraphie unique afin d’intégrer son monologue intérieur à ses œuvres. Celle-ci combine des lettres majuscules et minuscules de tailles variables, ce qui permet d’accentuer autant que possible les divers éléments textuels. Son œuvre fait écho à de multiples sources, allant des illustrations Art Nouveau et de la luxuriante palette fin-de-siècle toute d’ocre, d’améthyste, d’argent et de jade, aux banderoles de manifestations et aux premières explorations féministes du corps comme paysage.

L’exposition se concentre principalement sur les recherches de Talbot à propos de l’ancienne tradition celte des lamentations (“keening”). Les pleureur·se·s étaient des professionnel·le·s du deuil, souvent des femmes, visitant les maisons ayant récemment connues un décès pour y effectuer des lamentations et chants plaintifs afin d’escorter les âmes de ce monde à l’autre. Ces femmes apparaissent tout au long de l’exposition sous diverses formes. Elles y représentent le cataclysme reconfigurant le monde, se mouvant ensuite au travers de ce monde nouvellement brisé, ou encore l’explorant et se laissant emporter à travers de fantastiques paysages par des oiseaux mythiques, alors que des apparitions fantomatiques les survolent. Tous ces fils narratifs sont rassemblés et combinés par le mouvement et le son dans la nouvelle animation de Talbot, “Keening Songs” (2020). On y aperçoit ces femmes en mouvement, endeuillées et prenant soin les unes des autres, rencontrant divers animaux, fantômes et esprits inconnus en chemin.

Dans ce nouvel ensemble d’œuvres, Talbot nous invite à imaginer collectivement ces futurs inconnus et à réfléchir attentivement à la manière dont nous traversons notre situation actuelle, marquée d’une indéniable incertitude et de son lot de changements. Tout en se confrontant à ces problématiques avec honnêteté, les travaux de Talbot s’abstiennent de tout pessimisme ou cynisme et se tournent plutôt vers des lendemains emplis d’espoir où les relations de pouvoir ont été reconfigurées.

Emma Talbot a étudié au Birmingham Institute of Art & Design ainsi qu’au Royal College of Art. Elle est chargée de cours en Peinture dans le département d’Art et Sciences Sociales du Royal College of Art. Ses oeuvres ont été exposées auparavant dans les lieux suivants: l’Eastside Projects de Birmingham, la galerie Arcadia Missa de New York, le GEM Kunstmuseum de La Haye, la Petra Rinck Galerie de Düsseldorf, le Turner Contemporary de Margate, la Drawing Room de Londres, le Freud Museum de Londres, la Galerie Onrust d’Amsterdam, la Neuer Aachener Kunstverein d’Asachen et le Tate St. Ives de Cornwall. Elle est représentée par les galeries Onrust (Amsterdam) et Petra Rinck (Düsseldorf).

Emma Talbot a reçu en 2020 le 8e Prix Mara Art for Women, un prix bisannuel établi en 2005 en collaboration avec la Whitechapel Gallery de Londres et la Fondation Maramotti en Italie.

Cette exposition est produite en coopération avec Dundee Contemporary Arts, Dundee, Ecosse, où elle a été présentée du 28 avril au 8 août 2021.

Commissaire de l’exposition: Felicity Lunn, directrice Centre d’art Pasquart

Heures d’ouverture Mardi/Mercredi/Vendredi 12:00 – 18:00, Jeudi 12:00 – 19:00, Samedi 11:00 – 18:00, Lundi & Dimance fermé

In Emma Talbots (*1969, GB) multimedialem Werk bildet die Zeichnung den Ausgangspunkt für ihre Auseinandersetzungen mit Fragen unserer Zeit, von der Umwelt über Feminismus und Gender, bis hin zur Art und Weise, wie wir kommunizieren. Ihre leuchtenden, auf Seide gemalten Zeichnungen und die dazugehörigen Animationen erinnern sowohl an Traumtagebücher als auch an automatisches Zeichnen und verknüpfen oft Wort und Bild, um die Lyrik und den Schmerz der Subjektivität auszudrücken. Indem sie ihr eigenes Schreiben sowie Verweise auf andere literarische und poetische Quellen miteinbezieht, kombiniert Talbot gemalten Text, figurative Darstellung, Markierung und Muster. Für ihre jüngsten, von Hand gefertigten dreidimensionalen Arbeiten verwendet sie einfache Materialien und Techniken wie Pappmaché und genähte weiche Formen. In ihrer Ausstellung, die in einer Zeit stattfindet, in der unsere Welt unsicherer ist als je zuvor, verwebt Talbot die Nachwirkungen des Zusammenbruchs unseres Systems mit Interpretationen wilder und beeindruckender Landschaften. Es sind Geschichten, welche die alte Mythologie wachrufen und ganzheitliche Wege des Handwerks, des Machens und der Zugehörigkeit anklingen lassen – alles dargestellt von einer Gruppe wehklagender Frauen.

Durch Zeichnung, Malerei, Animation und Skulpturen erkundet Emma Talbot die innere Landschaft ihrer Gedanken und Gefühle, die auf eigenen Erfahrungen und Erinnerungen beruhen. Diese subjektiven Eindrücke werden dann in umfassendere Erzählungen eingebettet, die sich mit wichtigen zeitgenössischen Themen befassen. Die Verschiebung von Sprachebene und Lesarten in ihrer Arbeit zwischen dem Symbolischen und dem Alltäglichen, dem Autobiografischen und dem Kollektiven kommt in der Verflechtung von Text und Bild in einer Form von visueller Poesie zum Ausdruck.

Die Beziehung zwischen der physischen Präsenz des Werks und der unbeständigen Natur des Themas spiegelt sich in Talbots Materialwahl wider: Von Hand gezeichnet und auf Seide oder Papier gemalt, vermitteln ihre Bilder unmittelbare Darstellungen ihrer Gedanken und überraschen die Künstlerin bisweilen mit der Enthüllung von Dingen, die ihr selber unbewusst sind. Grossformatige Malereien auf Seide hängen in mehrteiligen Installationen von der Decke, während die Mixed-Media-Skulpturen die weiblichen Geister aus Talbots Zeichnungen in traumhafte Landschaften versetzen, wo sie in Akten des Sammelns, Reisens und Erkundens dargestellt werden. In ihren Animationen, deren Erzeugung sich die Künstlerin während des ersten Lockdowns selbst angeeignet hat, werden handgezeichnete Landschaften von natürlicher Schönheit, reich an floralen und körperlichen Formen, von poetischen Texten der Künstlerin unterbrochen und von einem überirdischen Soundtrack aus perkussiven Rhythmen, elektronischen Melodien und klagenden Gesangsintonationen begleitet.

Talbots eigenwillige Bildsprache umfasst aufgeblähte Köpfe mit eigenschaftslosen Gesichtern und Wellen aus langem Haar, die sich oft zu starken rhythmischen Mustern ausweiten. Die Künstlerin hat eine einzigartige Schriftsprache entwickelt, um ihren inneren Monolog in das Werk zu überführen; eine Mischung aus Gross- und Kleinbuchstaben und unterschiedlichen Formaten, die eine maximale Variation der Betonungen ermöglicht. Ihr Werk verweist auf eine Vielzahl von Quellen, von Jugendstilillustrationen und der üppigen Fin-de-Siècle- Farbpalette aus Ocker und Amethyst, Silber und Jade bis hin zu Protestbannern und frühen feministischen Darstellungen des Körpers als Landschaft.

Die Ausstellung konzentriert sich in erster Linie auf Talbots Untersuchungen der alten keltischen Tradition des Wehklagens (Keening). Totenkläger*innen waren professionelle Trauernde, oft Frauen, die die Häuser der kürzlich Verstorbenen besuchten, um mit ihren Klageliedern die Seelen aus dem Diesseits ins Jenseits zu geleiten. Diese Frauen tauchen in der Ausstellung in verschiedenen Formen auf: Sie erzählen von dem kataklysmischen Ereignis, das die Welt umgestaltet; sie bewegen sich durch diese neu zerbrochene Welt; sie erforschen fantastische Landschaften und werden von mythischen Vögeln durch diese transportiert, während über ihnen geisterhafte Erscheinungen schweben. All diese Erzählstränge werden in Talbots neuer Animation “Keening Songs” (2020) zusammengeführt und mit Bewegung und Klang vereint. Hier sehen wir, wie diese Frauen sich bewegen, trauern und füreinander sorgen und dabei auf verschiedene Tiere, Geister und unbekannte Seelen treffen.

Mit diesem neuen Werk lädt Talbot ein, uns diese ungewissen Zukünfte gemeinsam vorzustellen und sorgfältig darüber nachzudenken, wie wir uns in der heutigen Situation der unbestreitbaren Unsicherheit und des Wandels zurechtfinden. Obwohl sie diese Themen mit Ehrlichkeit angeht, verzichtet Talbot auf Pessimismus und Zynismus zugunsten einer hoffnungsvollen Zukunft, in der Machtstrukturen umgestaltet wurden.

Emma Talbot studierte am Birmingham Institute of Art & Design und am Royal College of Art. Sie ist Dozentin für Malerei an der School of Arts and Humanities des Royal College of Art. Ihre Arbeiten wurden bereits bei Eastside Projects, Birmingham; Arcadia Missa, New York; GEM Kunstmuseum, Den Haag; Petra Rinck Galerie, Düsseldorf; Turner Contemporary, Margate; Drawing Room, London, The Freud Museum; London; Galerie Onrust, Amsterdam; Neuer Aachener Kunstverein, Aachen und Tate St. Ives, Cornwall ausgestellt. Sie wird von der Galerie Onrust, Amsterdam und der Petra Rinck Galerie, Düsseldorf vertreten.

Im Jahr 2020 wurde Emma Talbot mit dem 8. Mara Art Prize for Women ausgezeichnet, einem alle zwei Jahre vergebenen Preis, der 2005 in Zusammenarbeit mit der Whitechapel Gallery in London und der Maramotti Foundation in Italien ins Leben gerufen wurde.

Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit Dundee Contemporary Arts, Dundee, Schottland, GB, produziert, wo sie vom 28. April bis 8. August 2021 gezeigt wurde.

Kuratorin der Ausstellung: Felicity Lunn, Direktorin Kunsthaus Pasquart

Öffnungszeiten Di/Mi/Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 19 Uhr, Sa 11 – 18 Uhr, Montag und Sonntag geschlossen

www.pasquart.ch

Location:
Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac
2502 Biel/Bienne
Switzerland