Extended Compositions

The exhibition highlights the network of relationships between art and music, sight and hearing, image, space and sound. Starting with ideas such as that of synaesthesia, devised by the Russian composer, Alexander Skrjabin, who with his colour piano opened music out to art, or the theories on counterpoint of Hans Richter, who as a visual artist transposed musical notions into the optical and filmic domains, a new and independent artistic practice operating between musical and artistic composition is made visual, audible and tangible. The works combine the artistic forms in a decidedly non-hierarchical, yet interactive, audio-visual manner. In this way they reflect the formal foundations of these art forms and the transgression involved. The exhibition is not concerned with an additive illustration or setting images to music, but with a homogenous interweaving of the two means of expression and the opening of inter-sensory fields of perception. Works from the mediums of film, video, installation, painting, music and sound offer different perspectives on the theme of the exhibition and spotlight connections that until now have been unfamiliar. Staged in the sequential, respectively coherent spaces of the Kunsthaus, the works function independently but also interact with each other. The exhibition will be accompanied on the evening of 6 May at 8 pm by a concert at Schweizer Opernstudio Biel that will explore the interstices between musical and spatial/visual compositions with both premiere and debut performances by international artists and musicians. The exhibition continues the “Extended Compositions” project which first took place in Berlin in 2015.

The exhibition begins with Hans Richter, whose Film “Rhythmus 21” (1921) can be considered as the starting point for this young artistic practice. In this work he structures rhythmic movements from geometric forms as “visual music”, without however adding a musical level – and yet the image conjures a virtual sound. In his silent experimental film “Cat’s Cradle” (1959), with narrative fragments, Stan Brakhage continues the visual music via montage, metre, colour and lighting.

In Susanne Schuricht‘s walk-in “Corpus 02, tower” (2015) we’re invited to experience the music based theory of proportion in a three-dimensional form. In Carsten Nicolai‘s billowing and collapsing parachute “pionier I” (2011) we experience spatially a musical form of articulation: a crescendo and decrescendo.

Samuel Beckett‘s plays for television “Quadrat I + II” (1982) can be considered as the physical expression of an audiovisual canon via minimal means. Their asceticism is impressive, as they use body, space and performance as compositional entities, connecting theatre and film with a musical structure.

In William Engelen‘s 27-metre-long object-score “Falten” (2017), created especially for the Kunsthaus Pasquart, the fragile object with its unfolding surfaces intervenes actively in the space. Instead of the coded language of written notes, here a three dimensional means of expression has been chosen to describe sounds. This score will have its premiere with a mixed ensemble in the concert at the Opernstudio Biel.

For her paintings “Telegone” (2016) Silva Reichwein employs a process based on the structure of rows, such as we are familiar with from the serial form of music. In the audiovisual installation “Schwarz” (2015) the artist Ellen Fellmann transposes the form of a classic string quartet into a gestural and choreographic composition with volcano sand. Both works are based on partly theoretical, partly natural, but above all on musical principles.

Novel formal strategies between the moving image, found footage and music are also demonstrated in the works of Christoph Girardet & Matthias Müller. In “personne” (2015) the shortest sequences of film and sound are woven together and the image and sound movements are composed in a compelling choreography into a new form of narrative.

The exhibition incorporates a further sense, the sense of touch, in Leo Hofmann‘s “Muschelrauschen” (2011). A headphone delivers to the ear puffs of air in addition to sound. The exhalation of air that occurs during speaking and breathing is thus imitated in an intimate tactile occurrence. Samuel Emde‘s work “Embrace 1” (2015) similarly pushes at the borders of our perception The audiovisual installation transforms our closed eyelids into a projection surface, instigating a penetrating dialogue between light and sound.

Finally, in the Salle Poma music can be experienced spatially in an extreme form. In Janet Cardiff‘s “The Forty Part Motet” (2001) 40 voices stream from the 40 loudspeakers, allowing us to submerge ourselves in the approximately 500-year-old motets of the composer Thomas Tallis and to respond individually to the musical experience depending on our position in the space.

Exhibition: Dieter Appelt (DE), Frank Badur (DE), Samuel Beckett (IRL), Sonia Boyce (UK), Stan Brakhage (US), Janet Cardiff (CA), Samuel Emde (CH), William Engelen (NL), Ellen Fellmann (DE), Terry Fox (US), Christoph Girardet & Matthias Müller (DE), Gregor Hildebrandt (DE), Leo Hofmann (CH), Hiromi Ishii (JP), Barbara Kasten (US), Idris Khan (UK), Bruce Nauman (US), Carsten Nicolai (DE), Raha Raissnia (IR), Silva Reichwein (CH), Hans Richter (CH), Nora Ringgenberg (CH), Mika Rottenberg (AR), Mariateresa Sartori (IT), Joachim Schönfeldt (ZA), Susanne Schuricht (DE), Simeon Sigg (CH), Bill Viola (US)

Concert: William Engelen (NL), Babak Golestani (IR), Michael Harenberg (DE), Christine Hasler (CH), Leo Hofmann (CH), Rolf Laureijs (CH), Frank Fiedler (D), Ernesto Molinari (CH), musicians from the degree course Master of Arts in Specialized Music Performance, HKB Berne

Project initiator and curator of the exhibition: Ellen Fellmann

A brochure with texts by Ellen Fellmann and Charlie Bendisch will be published to accompany the exhibition.

Opening hours Wed-Fri 12 – 6 pm, Thur 12 – 8 pm, Sat/Sun 11 am -6 pm

L’exposition tisse des liens entre arts visuels et musique, vue et ouïe, image, espace et son. Partant d’approches telles que la synesthésie du compositeur russe Alexander Skrjabin, qui s’est ouvert à l’art par son clavier à couleurs, ou encore la pensée contrapuntique d’Hans Richter, plasticien qui a transposé des formules musicales en film, une nouvelle pratique artistique indépendante à la croisée de la composition musicale et visuelle est rendue visible, audible et tangible. Les œuvres allient musique et arts plastiques sur un mode audiovisuel qui s’interdit résolument toute hiérarchie mais se veut interactif, et reflètent les fondements formels de ces disciplines artistiques ainsi que de leur transgression. Il ne s’agit alors pas d’un simple ajout illustratif ou sonore, mais d’un tissage entre les deux pratiques et de l’ouverture d’un champ de perception intersensoriel. Des œuvres issues des domaines de l’installation, du film, de la vidéo, de la peinture, de la musique et du son ouvrent différentes perspectives sur le thème de l’exposition et déploient des parallèles inattendus. Scénarisées en un parcours, les œuvres s’intègrent dans l’espace grâce à leur disposition dialogique. En parallèle, les espaces intermédiaires entre composition musicale et composition spatio-visuelle seront abordés dans un concert le 6 mai à 20:00 qui présentera des premières d’artistes et musiciens internationaux au Studio Suisse d’Opéra de Bienne. L’exposition poursuit le projet “Extended Compositions” réalisé pour la première fois à Berlin en 2015.

L’exposition débute avec Hans Richter dont le film “Rhythmus 21″ (1921) peut être considéré comme l’œuvre pionnière de cette jeune pratique artistique. Les mouvements rythmés des formes géométriques y créent une ” musique visuelle “, tout en délaissant l’aspect acoustique. Pourtant, l’image laisse entendre à l’esprit un son virtuel. Grâce à l’ajout de parties narratives, Stan Brakhage poursuit, dans son film expérimental muet “Cat’s Cradle” (1959), l’exploration de la musique visuelle par le montage, la métrique, la couleur et la lumière.

L’œuvre tangible “Corpus 02, Tower” (2015) de Susanne Schuricht nous laisse ressentir en une installation tridimensionnelle le vide spatial sous-tendant la musique. Par l’éclosion et l’affaissement continus du parachute, l’œuvre “pionier I” (2011) de Carsten Nicolai rend perceptible dans l’espace une forme d’articulation musicale : un crescendo et decrescendo.

Les films “Quadratt I + II” (1982) de Samuel Beckett peuvent être considérés comme l’expression matérielle d’un canon audiovisuel, ayant recours à des moyens minimalistes et à l’ascétisme impressionnant : le corps, l’espace et la performance deviennent des composantes et relient théâtre et film en une structure musicale.

La partition de 27 mètres de long “Falten” (2017) de William Engelen, créée spécialement pour le Centre d’art Pasquart, s’étend activement dans la pièce malgré sa fragilité latente. La description des sons se fait par un moyen d’expression tridimensionnel, remplaçant ainsi le langage codifié des notes. Cette partition sera jouée pour la première fois au Studio Suisse d’Opéra de Bienne en un ensemble mixte.

Silva Reichwein utilise dans ses peintures “Telegone” (2016) un procédé de composition caractéristique de la musique sérielle. Dans son installation audiovisuelle “Schwarz” (2015/2016), Ellen Fellmann adapte la forme d’un quatuor à cordes classique en une composition gestuelle et chorégraphique manipulant du sable de volcan. Ces deux travaux se basent en partie sur des principes théoriques, naturels, et surtout musicaux.

Les travaux de Christoph Girardet & Matthias Müller présentent des méthodes formelles innovantes entre images animées, found footage et musique. “personne” (2016) mêle des minuscules segments de sons et de films, et compose une nouvelle forme narrative en assemblant des mouvements d’images et de sons en une chorégraphie captivante.

Le sens du toucher est également abordé dans l’exposition, notamment par l’œuvre “Muschelrauschen” (2011) de Leo Hofmann. Un casque fait parvenir, en plus du son, des jets d’air à l’oreille. Les expirations qui accompagnent la parole et la respiration sont ainsi intimement et tactilement imitées. L’œuvre “Embrace I” (2015-2016) de Samuel Emde repousse également les limites de notre capacité de perception. L’installation audiovisuelle transforme nos paupières closes en une surface de projection et suscite un dialogue approfondi entre lumière et son.

Finalement, la musique est rendue tangible en une forme extrême au sein de la Salle Poma. “The Forty Part Motet” (2001) de Janet Cardiff est composé de 40 haut-parleurs desquels affluent 40 voix, nous plongeant dans les motets âgés d’un demi-siècle du compositeur Thomas Tallis et laissant varier l’expérience musicale selon l’emplacement dans la salle.

Exposition: Dieter Appelt (DE), Frank Badur (DE), Samuel Beckett (IRL), Sonia Boyce (UK), Stan Brakhage (US), Janet Cardiff (CA), Samuel Emde (CH), William Engelen (NL), Ellen Fellmann (DE), Terry Fox (US), Christoph Girardet & Matthias Müller (DE), Gregor Hildebrandt (DE), Leo Hofmann (CH), Hiromi Ishii (JP), Barbara Kasten (US), Idris Khan (UK), Bruce Nauman (US), Carsten Nicolai (DE), Raha Raissnia (IR), Silva Reichwein (CH), Hans Richter (CH), Nora Ringgenberg (CH), Mika Rottenberg (AR), Mariateresa Sartori (IT), Joachim Schönfeldt (ZA), Susanne Schuricht (DE), Simeon Sigg (CH), Bill Viola (US)

Concert: William Engelen (NL), Babak Golestani (IR), Michael Harenberg (DE), Christine Hasler (CH), Leo Hofmann (CH), Rolf Laureijs (CH), Frank Fiedler (D), Ernesto Molinari (CH), Musiciens de la filière d’études du Master of Arts in Specialized Music Performance, HKB Berne

Initiatrice du projet et commissaire d’exposition: Ellen Fellmann

Une brochure sera publiée à l’occasion de l’exposition, avec des textes / contributions d’Ellen Fellmann et Charlie Bendisch.

heures d’ouverture Me-Ve 12h – 18 h, Je 12h – 20h, Sa/Di 11 – 18h

Die Ausstellung zeigt das Beziehungsgeflecht zwischen Kunst und Musik, Sehen und Hören, Bild, Raum und Klang. Ausgehend von Ansätzen wie der Synästhesie des russischen Komponisten Alexander Skrjabin, der sich mit seinem Farbenklavier der Kunst öffnete, oder dem kontrapunktischen Denken Hans Richters, der als bildender Künstler musikalische Formmodelle ins Optische und Filmische übertrug, wird eine neue eigenständige künstlerische Praxis im Spannungsfeld von musikalischer und visueller Komposition sichtbar, hörbar – und spürbar gemacht. Die gezeigten Werke verbinden die Kunstformen in einer dezidiert nicht hierarchischen, aber aufeinander bezogenen, audiovisuellen Weise, reflektieren ihre formalen Grundlagen und deren Transgression. Dabei geht es nicht um eine additive Illustration oder Bildvertonung, sondern um ein gleichwertiges Ineinanderweben beider Ausdrucksformen und der Eröffnung intersensorischer Wahrnehmungsfelder. Werke aus Film, Video, Installation, Malerei, Musik und Klang ermöglichen unterschiedliche Perspektiven auf das Ausstellungsthema und entfalten bisher ungewohnte Zusammenhänge. Über einen Parcours inszeniert, erschließen sich die künstlerischen Arbeiten durch die dialogische Setzung im räumlichen Bezug. Begleitend werden im Opernstudio Biel in einem Konzert die Zwischenräume von musikalischer und räumlich-visueller Komposition mit Ur- und Erstaufführungen internationaler KünstlerInnen und MusikerInnen bespielt. Die Ausstellung führt das Projekt “Extended Compositions” weiter, welches erstmals in Berlin 2015 stattfand.

Die Ausstellung beginnt mit Hans Richter, dessen Film “Rhythmus 21” (1921) als Initialmoment dieser jungen Praxis gelten kann. Darin gestaltet er rhythmische Bewegungen von geometrischen Formen als “visuelle Musik”, ohne jedoch eine akustische Ebene mitzuliefern – und doch ruft das Bild einen virtuellen Ton ins Bewusstsein. Stan Brakhage führt in seinem stummen Experimentalfilm “Cat’s Cradle” (1959) mit narrativen Fragmenten die visuelle Musik über Montage, Metrik, Farbe und Lichtgestaltung weiter.

Im begehbaren “Corpus 02, Tower” (2015) von Susanne Schuricht sind wir aufgefordert, die der Musik zu Grunde liegende Proportionslehre dreidimensional zu erfahren. Im sich aufbäumenden und wieder zusammenfallenden Fallschirm “pionier I” (2011) von Carsten Nicolai erleben wir räumlich eine Artikulationsform des Musikalischen: ein Crescendo und Decrescendo.

Die Fernsehspiele “Quadrat I + II” (1982) Samuel Becketts können als körperhafter Ausdruck eines audiovisuellen Kanons mit minimalsten Mitteln betrachtet werden und beeindrucken in ihrer Askese – sie verwenden den Körper, den Raum und die Performance als kompositorische Instanzen und verbinden Theater und Film mit einer musikalischen Struktur.

In der eigens für das Kunsthaus Pasquart angefertigten 27 Meter langen Objektpartitur “Falten” (2017) von William Engelen, greift das fragile Objekt mit seinen ausladenden Flächen aktiv in den Raum ein. Anstatt der kodierten Sprache von geschriebenen Noten, wird hier ein dreidimensionaler Ausdruck gewählt, um Klänge zu beschreiben. Diese Partitur wird im Konzert im Schweizer Opernstudio Biel mit einem gemischten Ensemble uraufgeführt.

Silva Reichwein wendet für ihre Malereien “Telegone” (2016) ein reihentechnisches Verfahren an, wie wir es aus der seriellen Musik kennen. In der audiovisuellen Installation “Schwarz” (2015/2016) überführt die Künstlerin Ellen Fellmann die Form eines klassischen Streichquartetts in eine gestisch-choreographische Komposition mit Vulkansand. Beide Werke basieren auf teils theoretischen, teils natürlichen, aber vor allem auf musikalischen Grundlagen.

Neuartige formale Strategien zwischen bewegtem Bild, Found-Footage und Musik zeigen auch die Arbeiten von Christoph Girardet & Matthias Müller. In “personne” (2016) werden kleinste Film- und Tonsegmente verwoben und die Bild- und Klangbewegungen in einer fesselnden Choreographie zu einer neuen Erzählform komponiert.

Einem weiteren Sinn, nämlich dem Tastsinn, öffnet sich die Ausstellung in Leo Hofmanns “Muschelrauschen” (2011). Ein Kopfhörer bespielt das Ohr zusätzlich zum Klang auch mit Luftstössen. Der Luftausstoss beim Sprechen und Atmen wird dabei in einem intimen taktilen Ereignis imitiert. Ebenfalls an die Grenzen unserer Wahrnehmung dringt Samuel Emdes Arbeit “Embrace I” (2015-2016) vor. Die audiovisuelle Installation verwandelt unsere geschlossenen Augenlieder zur Projektionsfläche und entfacht einen eindringlichen Dialog zwischen Licht und Ton.

In der Salle Poma wird Musik schliesslich in extremer Form räumlich erlebbar. In Janet Cardiffs “The Forty Part Motet” (2001) strömen 40 Stimmen aus den 40 Lautsprechern, lassen uns in die rund 500 Jahre alte Motette des Komponisten Thomas Tallis eintauchen und die musikalische Erfahrung nach unserer Position im Raum individuell erleben.

Ausstellung: Dieter Appelt (DE), Frank Badur (DE), Samuel Beckett (IRL), Sonia Boyce (UK), Stan Brakhage (US), Janet Cardiff (CA), Samuel Emde (CH), William Engelen (NL), Ellen Fellmann (DE), Terry Fox (US), Christoph Girardet & Matthias Müller (DE), Gregor Hildebrandt (DE), Leo Hofmann (CH), Hiromi Ishii (JP), Barbara Kasten (US), Idris Khan (UK), Bruce Nauman (US), Carsten Nicolai (DE), Raha Raissnia (IR), Silva Reichwein (CH), Hans Richter (CH), Nora Ringgenberg (CH), Mika Rottenberg (AR), Mariateresa Sartori (IT), Joachim Schönfeldt (ZA), Susanne Schuricht (DE), Simeon Sigg (CH), Bill Viola (US)

Konzert: William Engelen (NL), Babak Golestani (IR), Michael Harenberg (DE), Christine Hasler (CH), Leo Hofmann (CH), Rolf Laureijs (CH), Frank Fiedler (D), Ernesto Molinari (CH), Musiker des Studiengangs Master of Arts in Specialized Music Performance der HKB Bern

Projektinitiatorin und Kuratorin der Ausstellung: Ellen Fellmann

Zur Ausstellung erscheint eine Broschüre mit Textbeiträgen von Ellen Fellmann und Charlie Bendisch.

Öffnungszeiten Mi-Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 20 Uhr, Sa/So 11 – 18 Uhr

www.pasquart.ch

Location:
Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac
2502 Biel/Bienne
Switzerland