in Biel/Bienne / Switzerland
02.02.2020 - 14.06.2020 00:00
Kapwani Kiwanga

Kapwani Kiwanga’s (b. 1978, CA/FR) artistic process is research-oriented, initiated by marginalised or forgotten histories and political events, which she articulates in her sculptures, installations, photographs and videos. The artist contrasts her research with the expressive materiality of her work, with which she refers to socio-political phenomena, syncretism or the global effects of power structures. The solo show examines Kiwanga’s career via a selection of significant, representative and new works. The exhibition layout can be understood as a narrative that places emphasis on two key aspects: the examination of the impact of disciplinary architecture and spatial elements on the human body and the research into post-colonial stories and narratives that have been handed down, in which truth and fiction are combined.

In our everyday lives we are confronted by spaces that affect and regulate our behaviour. In her work, Kapwani Kiwanga reacts to the power dynamics of architecture and examines the effect of public buildings on the human body. She focuses on design elements such as the colour schemes of rooms in schools, prisons, hospitals or psychiatric clinics. In the exhibition we are immersed at the start in the spatial atmosphere of “pink-blue” (2017), in which the glowing Baker-Miller pink contrasts with blue neon lamps, referring to the ambivalence between the intention of providing protection and security and disciplinary measures, the control of movement and the limitation of freedom. Kiwanga invites us to reflect on the social effects of the use of colour: do underpasses and public toilets lit with blue lighting really curtail drug use? Are prisoners really calmed by cells painted pink? The colour scheme of institutional interiors is also reflected in the sculptural assemblage “Patchwork” (2018), the panels of which are based on the two-colour surfaces of sections of walls. “Jalousie”, (2018) reproduces the structure of a folding screen with blinds. Kiwanga combines the material of two-way mirrors, used in interrogation rooms and certain company rooms, with the familiar form of angled slats. She juxtaposes here the concept of systematic surveillance by authorities with an element of the domestic environment that implies protection, the private sphere and intimacy. The striped shadow might recall a lazy day in the holidays and also refers to the colonial architecture to be found from New England in North America to the tropical climate zones. Kiwanga alludes here in particular to the control of black people, that for a long time was the norm socially and politically and still resonates today. Kiwanga also follows this principle in the two sculptures “Glow #6” (2019) and “Glow #7” (2019), that take their starting point from the “lantern law” of the colonial period. A law passed in the 18th century in Boston and the whole of New England required all slaves to carry a lit candle after sunset if they weren’t accompanying a white person. It is the architecture of control which informs part of the exhibition, creating the decidedly physical and psychological quality of the relevant built environment. Here the body is subjected to a process of seeing and being seen and has to follow pre-determined lines of movement and spatial structures.

The starting point for Kapwani Kiwanga’s artistic output is in most cases the analysis and research of archival material conveying historical narratives and political events. Her practice is focused particularly on concepts of anti-colonial struggles and their legacy, as well as popular and folk cultures. Arising from this research are works with a strong material quality through which she refers to agriculture or the global effects of colonialisation. “Red Sky at Night” (2018) refers on the one hand to the expression that comes from the Gospel according to Matthew, “Red Sky at Night, shepherd’s delight, red sky in the morning, shepherd’s warning”. On the other hand, the artist employs materials used in mass farming as ground cover and the optimisation of climate conditions, in order to increase the profitability of resources. With this shadow cloth Kiwanga implies a relationship between agriculture, power structures through colonialisation and economic viability, in which profit goes hand in hand with dispossession and resettlement. In other cases, she questions the ways in which the writing of history, power systems and the generation of knowledge function, undermining the official understanding of truth by expanding history with popular belief and spirituality. With “Nations” (2018, 2019) she examines the relationship between spiritual belief and political revolt. Kiwanga creates works from fabric and metal that are based on the formal language of flags or banners. Flags have a double meaning, as a symbol of nation states and as Loa flag, a sacred site in voodoo culture. She refers here to the revolution in Haiti and the role that voodoo played in it. The alternative reading of past and present includes a variety of perspectives, in which ongoing social and political moments are inherent. Kiwanga deliberately mixes truth and fiction in order to unhinge hegemonic narratives and create spaces in which peripheral discourses can thrive.

In 2018 Kapwani Kiwanga was awarded the Sobey Art Award (CA) and the Frieze Artist Award (USA). In 2019 she was nominated for the Prix Marcel Duchamp 2020. She has had solo exhibitions at the MIT List Visual Arts Center, Cambridge (USA); Albertinum Museum, Dresden (DE); Artpace, San Antonio (USA); Esker Foundation, Calgary (CA); Tramway, Glasgow (UK); Fondazione Sandretto Rebaudengo, Turin (IT); Power Plant, Toronto (CA), Logan Center for the Arts, Chicago (USA); South London Gallery, (UK); Jeu de Paume, Paris (FR). Group exhibitions include MACBA, Barcelona (ES); Whitechapel Gallery, London (UK); The Austin Contemporary, Austin (US); Serpentine Galleries, London (UK); Yuz Museum, Shanghai (CHN); National Gallery of Canada, Ottawa (CA); Contemporary Arts Museum, Houston (USA); CCA, Derry (UK); Centre Pompidou, Paris (FR); The Contemporary Art Gallery, Vancouver (CA); Hammer Museum, Los Angeles (USA).

Kapwani Kiwanga is represented by Galerie Jérôme Poggi, Paris; Galerie Tanja Wagner, Berlin; Goodman Gallery, Johannesburg/Cape Town.

Curator of the exhibition Stefanie Gschwend, Associate Curator Kunsthaus Centre d’art Pasquart

A publication accompanying the exhibition with texts by Doreen Mende and Stefanie Gschwend will be published by the Verlag für moderne Kunst (Engl / Fr / Ger).

Opening hours Wed-Fri noon – 6 pm, Thur noon – 8 pm, Sat/Sun 11 am – 6 pm

Up from May 13th, 2020, Centre d’art Pasquart will open again.

Fondé sur des recherches, le travail de Kapwani Kiwanga (*1978, CA/FR) questionne des histoires marginalisées ou oubliées, en utilisant formellement plusieurs médiums comme la sculpture, l’installation, la photographie et la vidéo. Elle met en dialogue ce travail de recherche avec la matérialité convaincante de ses œuvres, avec laquelle elle fait référence aux phénomènes sociopolitiques, au syncrétisme ou aux conséquences globales des structures du pouvoir. L’exposition monographique met en lumière la carrière de Kiwanga au moyen d’une sélection d’œuvres majeures, représentatives ou récentes. Le parcours d’exposition fonctionne comme une narration avec deux axes principaux: L’exposition explore l’impact de l’architecture disciplinaire et des éléments spatiaux sur le corps humain. L’artiste examine également des récits postcoloniaux et traditionnels où vérité et fiction se mêlent.

Dans la vie quotidienne, nous rencontrons des espaces qui influencent et régulent notre comportement. Les œuvres de Kapwani Kiwanga se penchent sur la dynamique du pouvoir de l’architecture et étudient l’effet des bâtiments publics sur le corps humain. L’artiste se concentre sur le design, et plus particulièrement, sur la couleur des pièces dans les écoles, les prisons, les hôpitaux ou les institutions psychiatriques. Dans l’exposition, nous plongeons d’abord dans l’atmosphère de “pink-blue” (2017) dans laquelle le rose Baker-Miller lumineux contraste avec le bleu des néons. Cette ambiance souligne l’ambivalence entre la volonté de protection et la sécurité garantie par des mesures disciplinaires, ainsi que le contrôle de l’espace et la restriction de la liberté. Kiwanga nous invite à réfléchir sur l’impact social de l’utilisation de la couleur: l’éclairage bleu des passages souterrains et des toilettes publiques contribue-t-il vraiment à réduire la consommation de drogues? Est-ce que les prisonniers sont effectivement apaisés par des cellules peintes en rose? La couleur des intérieurs institutionnels est également questionnée dans l’assemblage sculptural “Patchwork” (2018). Les panneaux de cette œuvre s’inspirent des murs aux surfaces bicolores. “Jalousie” (2018) reproduit la structure d’un paravent à lamelles. Kiwanga combine le matériau des miroirs sans tain utilisés dans les salles d’interrogatoire et certaines salles d’entreprise. En reprenant la forme familière des lamelles, elle associe ainsi le concept de surveillance systématique des autorités avec un élément de l’environnement domestique qui implique protection, vie privée et intimité. L’ombre rayée rappelle peut-être un après-midi de vacances paresseux et fait également référence à l’architecture coloniale que l’on peut trouver de la Nouvelle-Angleterre nord-américaine jusqu’aux zones climatiques tropicales. Kiwanga fait allusion en particulier à la surveillance des Noirs qui a longtemps été une norme sociale et politique, et dont les effets sont toujours actuels. Kiwanga suit également ce principe dans les deux sculptures “Glow #6” (2019) et “Glow #7” (2019) qui reviennent sur la “lantern law” (loi de la lanterne) de l’époque coloniale. Une loi adoptée au 18e siècle à Boston et dans toute la Nouvelle-Angleterre exigeait en effet que tous les esclaves portent une bougie allumée après le coucher du soleil s’ils n’étaient pas accompagnés par une personne blanche. C’est l’architecture de contrôle qui façonne une partie de l’exposition et crée une qualité résolument physique et psychologique des alentours du bâtiment. Ici, le corps est soumis à la dictature du voir et de l’être vu, et est obligé de se mouvoir en suivant des lignes et des structures spatiales prédéfinies.

Le point de départ du travail artistique de Kapwani Kiwanga est surtout l’analyse et la recherche de documents d’archives qui transmettent des récits historiques ou des événements politiques. Sa pratique se concentre particulièrement sur les concepts des luttes anticoloniales et leur héritage, ainsi que sur les cultures populaires et folkloriques. Cette recherche a abouti à des travaux d’une puissante matérialité, au travers de laquelle elle évoque l’agriculture ou les effets globaux du colonialisme. “Red Sky at Night” (2018) fait allusion à l’adage tiré de l’Evangile selon Matthieu “Red Sky at Night, shepherd’s delight, red sky in the morning, shepherd’s warning” (Ciel rouge la nuit, joie des bergers, ciel rouge le matin, alerte aux bergers). De plus, elle recourt au matériau utilisé dans l’agriculture industrielle à grande échelle pour recouvrir les champs et optimiser les conditions climatiques afin d’augmenter la rentabilité des ressources. Avec ce tissu obscurcissant, Kiwanga suggère une relation entre l’agriculture, la structure du pouvoir mis en place par la colonisation et l’efficacité économique. Cette situation engendre l’expropriation et la délocalisation. Ailleurs, l’artiste remet en question la manière dont fonctionne l’historiographie, les systèmes autoritaires ainsi que la production de savoir, et subvertit la compréhension officielle de la vérité en complétant l’histoire par la croyance populaire et la spiritualité. Avec “Nations” (2018, 2019), elle examine la relation entre les croyances spirituelles et l’insurrection politique. Kiwanga crée des œuvres en tissu et en métal qui sont orientées vers le langage formel des drapeaux ou des bannières. Le drapeau prend une double signification: il symbolise les États-Nations et renvoie au drapeau Loa, un objet sacré dans la culture vaudou. L’artiste fait ainsi référence à la révolution haïtienne et au rôle que le vaudou y a joué. Cette lecture alternative du passé et du présent englobe une diversité de perspectives inhérentes aux moments sociaux et politiques récurrents. Kiwanga mêle délibérément vérité et fiction pour faire vaciller les récits prédominants et créer des espaces dans lesquels les discours oubliés peuvent s’épanouir.

En 2018, Kapwani Kiwanga a reçu le Sobey Art Award (CA) et le Frieze Artist Award (USA). En 2019, elle a été nominée pour le Prix Marcel Duchamp 2020. Des expositions monographiques ont été présentées au MIT List Visual Arts Center, Cambridge (USA); Albertinum Museum, Dresde (DE); Artpace, San Antonio (USA); Esker Foundation, Calgary (CA); Tramway, Glasgow (UK); Fondazione Sandretto Rebaudengo, Turin (IT); Power Plant, Toronto (CA), Logan Center for the Arts, Chicago (USA); South London Gallery, Londres (UK); Jeu de Paume, Paris (FR). Elle a participé à des expositions collectives au MACBA, Barcelone (ES); Whitechapel Gallery, Londres (UK); The Austin Contemporary, Austin (US); Serpentine Galleries, Londres (UK); Yuz Museum, Shanghai (CHN); National Gallery of Canada, Ottawa (CA); Contemporary Arts Museum, Houston (USA); CCA, Derry (UK); Centre Pompidou, Paris (FR); The Contemporary Art Gallery, Vancouver (CA); Hammer Museum, Los Angeles (USA).

Kapwani Kiwanga est représentée par la Galerie Jérôme Poggi, Paris; la Galerie Tanja Wagner, Berlin; la Goodman Gallery, Johannesbourg/Le Cap.

Commissaire de l’exposition Stefanie Gschwend, collaboratrice scientifique Centre d’art Pasquart

L’exposition est accompagnée d’une publication avec des textes de Doreen Mende et Stefanie Gschwend publiée par les éditions Verlag für moderne Kunst (eng / fr / dt).

Heures d’ouverture Mercredi 12:00 – 18:00, Jeudi 12:00 – 20:00, Vendredi 12:00 – 18:00, Samedi / Dimanche 11:00 – 18:00

Die Arbeitsweise von Kapwani Kiwanga (*1978, CA / FR) ist forschungsorientiert, initiiert durch marginalisierte oder vergessene Geschichten und historische Ereignisse, die sich formal in ihren Skulpturen, Installationen, Fotografien und Videos artikulieren. Der Recherchearbeit setzt die Künstlerin eine aussagestarke Materialität ihrer Werke entgegen, mit welcher sie auf soziopolitische Phänomene, Synkretismus oder die globalen Auswirkungen von Machtstrukturen verweist. Die Einzelausstellung beleuchtet Kiwangas Karriere mit einer Auswahl bedeutender, repräsentativer und neuer Werke. Der Ausstellungsparcours ist als eine Erzählung zu verstehen, die zwei Schwerpunkte setzt: Die Auseinandersetzung mit der Auswirkung disziplinarischer Architektur und Raumelemente auf den menschlichen Körper und die Erforschung postkolonialer Geschichten und überlieferter Erzählungen, bei denen sich Wahrheit und Fiktion vermischen.

Im Alltag begegnen wir Räumen, die unser Verhalten beeinflussen und regulieren. Kapwani Kiwanga reagiert mit ihren Werken auf die Machtdynamik von Architekturen und untersucht die Wirkung öffentlicher Gebäude auf den menschlichen Körper. Dabei fokussiert sie sich auf Designelemente wie die Farbgebung von Räumen in Schulen, Gefängnissen, Krankenhäusern oder Psychiatrien. In der Ausstellung tauchen wir als erstes in die räumliche Atmosphäre von “pink-blue” (2017) ein, in der leuchtendes Baker-Miller Pink mit blauen Leuchtstofflampen kontrastiert und auf die Ambivalenz zwischen der Intension von Schutz und Sicherheit mit Disziplinierungsmassnahmen, Kontrolle des Bewegungsraums und Einschränkung der Freiheit hindeutet. Kiwanga lädt uns ein, über die sozialen Auswirkungen der Verwendung von Farbe nachzudenken: Helfen blau beleuchtete Unterführungen und öffentliche Toiletten tatsächlich den Drogenkonsum einzudämmen? Werden Häftlinge effektiv durch pink gestrichene Arrestzellen beruhigt? Die Farbgebung von institutionellen Innenräumen wird auch in der skulpturalen Assemblage “Patchwork” (2018) reflektiert, deren Paneele an die zweifarbigen Flächen von Wandabschnitten angelehnt sind. “Jalousie” (2018) reproduziert die Struktur eines mit Lamellen durchzogenen Paravents. Kiwanga kombiniert das Material von Zweiwegspiegeln, welche Verwendung in Verhörräumen und gewissen Firmenräumen finden, mit dem der vertrauten Form von Lamellen. Damit stellt sie das Konzept der systematischen Überwachung durch Autoritäten mit einem Element des häuslichen Umfelds nebeneinander, welches Schutz, Privatsphäre und Intimität impliziert. Der gestreifte Schatten mag an einen trägen Nachmittag in den Ferien erinnern und verweist auch auf die koloniale Architektur, die vom nordamerikanischen New England bis in die tropischen Klimazonen zu finden sind. Damit spielt Kiwanga insbesondere auf die Überwachung von Schwarzen an, die lange Zeit eine soziale und politische Norm war und bis heute nachwirkt. Diesem Prinzip folgt Kiwanga auch in den beiden Skulpturen “Glow #6” (2019) und “Glow #7” (2019), die ihren Ausgangspunkt von dem “lantern law” (Laternengesetz) der Kolonialzeit nehmen. Ein im 18. Jahrhundert in Boston und ganz New England erlassenes Gesetz forderte alle Sklaven auf, nach Sonnenuntergang eine brennende Kerze zu tragen, wenn sie nicht in Begleitung einer weissen Person waren. Es ist die Architektur der Kontrolle, welche ein Teil der Ausstellung mitprägt und die eine dezidiert physische und psychologische Qualität der jeweiligen Bauumgebung schafft. Hier ist der Körper einem Prozess des Sehens und Gesehenwerdens unterworfen und muss vordefinierten Bewegungslinien und Raumstrukturen folgen.

Ausgangspunkt für Kapwani Kiwangas künstlerisches Schaffen bilden zumeist Analyse und Erforschung von Archivalien, welche historische Erzählungen oder politische Ereignisse überliefern. Besonders konzentriert sich ihre Praxis auf Konzepte antikolonialer Kämpfe und ihr Erbe, sowie auf Populär- und Volkskulturen. Dieser Recherche entspringen Werke mit einer starken Materialität, mit der sie auf die Landwirtschaft oder die globalen Auswirkungen des Kolonialismus anspielt. “Red Sky at Night” (2018) verweist einerseits auf die aus dem Matthäusevangelium stammende Redewendung Red Sky at Night”, shepherd’s delight, red sky in the morning, shepherd’s warning” (Roter Nachthimmel, des Hirten Freude, roter Morgenhimmel, des Hirten Warnung). Andererseits verwendet die Künstlerin ein Material, das in der grossindustriellen Landwirtschaft zur Bodenbedeckung und der Optimierung der klimatischen Bedingungen gebraucht wird, um die Rentabilität der Ressourcen zu erhöhen. Mit diesem Schattengewebe impliziert Kiwanga eine Beziehung zwischen Landwirtschaft, Machtstruktur durch Kolonialisation und Wirtschaftlichkeit, wobei Profit mit Enteignung und Umsiedlung einhergeht. An anderer Stelle hinterfragt sie, wie Geschichtsschreibung, autoritäre Systeme und Wissensgenerierung funktionieren und unterwandert das offizielle Verständnis von Wahrheit, indem sie die Geschichte mit Volksglaube und Spiritualität ergänzt. Mit “Nations” (2018, 2019) untersucht sie das Verhältnis zwischen spirituellem Glauben und politischem Aufstand. Kiwanga schafft Arbeiten aus Stoff und Metall, die sich an der Formensprache von Fahnen oder Transparenten orientieren. Die Fahne hat eine doppelte Bedeutung, als Symbol der Nationalstaaten und als Loa Fahne, ein Heiligtum in der Voodoo-Kultur. Damit verweist sie auf die haitianische Revolution und auf die Rolle, welche Voodoo dabei gespielt hat. Das alternative Lesen von Vergangenheit und Gegenwart schliesst eine Vielfalt von Perspektiven mit ein, denen die chronischen sozialen und politischen Momente innewohnen. Kiwanga vermischt bewusst Wahrheit und Fiktion, um hegemoniale Erzählungen ins Wanken zu bringen und Räume zu schaffen, in denen Grenzdiskurse gedeihen können.

Im Jahr 2018 erhielt Kapwani Kiwanga den Sobey Art Award (CA) und den Frieze Artist Award (USA). 2019 wurde sie für den Prix Marcel Duchamp 2020 nominiert. Einzelausstellungen hatte sie im MIT List Visual Arts Center, Cambridge (USA); Albertinum Museum, Dresden (DE); Artpace, San Antonio (USA); Esker Foundation, Calgary (CA); Tramway, Glasgow (UK); Fondazione Sandretto Rebaudengo, Turin (IT); Power Plant, Toronto (CA), Logan Center for the Arts, Chicago (USA); South London Gallery, (UK); Jeu de Paume, Paris (FR). Gruppenausstellungen umfassen MACBA, Barcelona (ES); Whitechapel Gallery, London (UK); The Austin Contemporary, Austin (US); Serpentine Galleries, London (UK); Yuz Museum, Shanghai (CHN); National Gallery of Canada, Ottawa (CA); Contemporary Arts Museum, Houston (USA); CCA, Derry (UK); Centre Pompidou, Paris (FR); The Contemporary Art Gallery, Vancouver (CA); Hammer Museum, Los Angeles (USA).

Kapwani Kiwanga wird repräsentiert von Galerie Jérôme Poggi, Paris; Galerie Tanja Wagner, Berlin; Goodman Gallery, Johannesburg/Kapstadt.

Kuratorin der Ausstellung Stefanie Gschwend, wissenschaftliche Mitarbeiterin Kunsthaus Centre d’art Pasquart

Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Texten von Doreen Mende und Stefanie Gschwend im Verlag für moderne Kunst (eng / fr / dt).

Öffnungszeiten Mi-Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 20 Uhr, Sa/So 11 – 18 Uhr

Das Centre d’art Pasquart wird ab 13. Mai 2020 wieder offen sein.


Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac
2502 Biel/Bienne


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