Kazuna Taguchi – you are a mirror, reflecting me

Using existing images such as magazine, newspaper and found photo clippings as her motif, Kazuna Taguchi paints anonymous, imaginary women and still lifes with astonishing realism. She then photographs the resulting acrylic painting and, after a patient operation in the darkroom, produces a photograph which will be shown as the final work. Standing in front of her skilfully finished photographic print, a viewer will feel the strange yet irresistible sense of reality in the image. Her works veil the marks of her brushwork, and their photographic aura makes some of the portraits feel like pages from a magazine fashion spread. But in another sense, the ambiguity of their surface – is it a photo or not? is it canvas or paper? – positions Kazuna Taguchi as an artist who is not primarily satisfied with obvious readings of her outcomes.

Kazuna Taguchi’s portraits foreground the act of ‘freezing’ her figures. We could term this effect a ‘friezure’ – seizure in frieze. As visible beings of post-human portraiture, all of the women appear to be in the act of becoming something else – something other than or beyond themselves. Caught in the moment, their faces evoke varying degrees of trauma – catatonia, withdrawal, delusion, desperation, mania, shock. Their melodramatic posture is heightened in a manner that hauntingly echoes late 19th Century photographs of women interred in insane asylums. Swimming in a fog of grey, the women appear simultaneously lost and trapped within the frame. Again, the blur between identifiable content (the women) and their representation (their photo-painterly rendering) queers any simplistic reading of the image. The women are marked as being somewhere else. Their presence is more ethereal than photographic. This is why Kazuna Taguchi’s elusive creatures squirm like they are interred somewhere within the fluid granular epidermis between the glass and the print.

The gorgeous ocean of wavering focal gradations across the forms of the still life’s and visages of the women – organically ordered in each print – is less an arty visual effect and more a drawing of the emotional aura of each portrait or object. Arguably, there is no real background, mid-field or foreground in these prints. In place, there is the mirage of depth created by the emotional aura. Their grey surrounding void and the surface amalgamates multiple energy fields – emotional, psychological, spiritualist, materialist – into a dimension of a fleeting existence. Their torsos-with-heads or cups hover like liquefied ghosts emerging from a swamp of ‘swimming grain’.

Kazuna Taguchi (*1979, Japan) conferred a Doctorate for Painting Major from the Tokyo University of the Arts in 2008, and was awarded the Nomura Prize. In 2010 she won the Gotoh Memorial Prize Foundation Newcomer’s prize of art. She has also recently received a scholarship in the Agency for Cultural Affairs’ Program of Overseas Study for Upcoming Artists and resides in Vienna. Major solo exhibitions include “It is as it is” at ShugoArts 2009 and ‘Half in Gray’ at void+ 2009. Taguchi gained significant attention from the group exhibitions ‘Taipei Biennial – Dirty Yoga,’ at Taipei Fine Arts Museum, 2006, ‘Trace Elements’ at Tokyo Opera City Art Gallery, 2008, Yokohama triennale 2011: OUR MAGIC HOUR’ at Yokohama museum, 2011, ‘somewhere between me and this world – Japanese contemporary photography’ at the Tokyo Metropolitan Museum of Photography 2012 and ‘Sleeping Beauty’, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima 2014. Furthermore she was part of the ‘TOKYO2020’ group exhibition at Christophe Guye Galerie in Zurich in 2014.

Her first monograph “blueness of the blue” by torch press, Tokyo, will be published in conjunction with the exhibition. The 96 page publication with FM screen prints will be available at the gallery.

Opening hours Mon-Fri 10 am – 6 pm, Sat 11 am – 4 pm

Kazuna Taguchi malt mit erstaunlichem Realismus anonyme Phantasiefrauen und Stilleben, wobei sie gefundene Fotos, ausgeschnittene Bilder aus Zeitschriften und Zeitungen als Vorlage verwendet. Das auf diese Weise entstandene Acrylgemälde fotografiert sie anschliessend und fertigt, nach geduldiger Arbeit in der Dunkelkammer, eine Fotografie an, die dann als das endgültige Werk präsentiert wird. Ein Betrachter, der vor einem der von ihr fachkundig ausgearbeiteten Werken steht, wird den seltsamen und dennoch unwiderstehlichen Realitätssinn im Bild spüren. Die Arbeiten verbergen die Zeichen der Pinselführung; die fotografische Aura einiger der Portraits verleiht diesen die Wirkung von Modeseiten aus einer Zeitschrift. Die nicht eindeutige Oberfläche – handelt es sich um ein Foto oder nicht, um Leinwand oder um Papier? – positioniert Kazuna Taguchi als eine Künstlerin, die sich nicht in erster Linie mit augenfälligen Interpretationen ihrer Ergebnisse zufrieden gibt.

Die Portraits von Kazuna Taguchi rücken den Akt des ‘Einfrierens’ ihrer Gestalten in den Vordergrund. Wir könnten diesen Effekt als ‘friezure’ (seizure in frieze, zu deutsch schockartiges Einfrieren) bezeichnen. Als sichtbare Wesen der posthumanen Portraitmalerei scheinen all diese Frauen gerade im Begriff zu sein, etwas anderes zu werden: etwas anderes als sie selbst oder etwas jenseits ihrer selbst. Ihre Gesichter, die im Augenblick gefangen sind, erinnern an unterschiedliche Ausprägungen eines Traumas – Katatonie, Rückzug, Wahnvorstellungen, Hoffnungslosigkeit, Manie, Schock. Ihre melodramatische Haltung wird in einer Art gesteigert, die auf eindringliche Weise ein Echo von Fotografien des späten 19. Jahrhunderts bildet, die in Irrenanstalten ‘begrabene’ Frauen zeigen. In einem Nebel von Grau schwimmend, erscheinen die Frauen innerhalb des Rahmens verloren und gleichzeitig auch eingeschlossen. Die verwischte Grenze zwischen einem identifizierbaren Inhalt (die Frauen) und dessen Darstellung (deren foto-malerische Wiedergabe) durchkreuzt wiederum jegliche zu stark vereinfachende Interpretation des Bildes. Die Frauen tragen das Kennzeichen, irgendwo anders zu sein. Ihre Anwesenheit ist eher ätherisch als fotografisch. Aus diesem Grund winden sich Kazuna Taguchis schwer zu fassende Geschöpfe, wie wenn sie irgendwo innerhalb der fliessenden, gekörnten Epidermis zwischen dem Glas und dem Fotodruck ‘begraben’ wären.

Der grossartige Ozean von schwankenden Fokus-Abstufungen über die Form der Objekte und das Antlitz der Frauen hinweg – in jedem Werk organisch geordnet – ist nicht so sehr ein pseudokünstlerischer visueller Effekt als vielmehr eine Zeichnung der emotionalen Aura des Abgebildeten. Vermutlich gibt es auf diesen Werken keinen realen Hintergrund, Mittelgrund oder Vordergrund. Stattdessen findet man das Trugbild einer Tiefe, wie sie von der emotionalen Aura geschaffen wird. Der graue, leere Raum, der die Motive und Oberflächen umgibt lässt verschiedene – emotionale, psychologische, spiritistische und materialistische – Energiefelder in der Dimension einer flüchtigen Existenz miteinander verschmelzen. Die Torsi-mit-Köpfen oder Becher schweben auf dem Hintergrund wie konturlose Geister, die aus einem Sumpf von ‘verschwimmender Körnung’ auftauchen.

Kazuna Taguchi (*1979, Japan) wurde 2008 von der Tokyo University of the Arts ein Doktortitel im Hauptfach Malerei verliehen und mit dem Nomura Prize ausgezeichnet. Im selben Jahr erhielt sie den Ohashi Memorial Prize der Universität und wurde für ein Holbein Stipendium ausgewählt. Kürzlich erhielt sie ein weiteres Stipendium von der Agentur für kulturelle Beziehungen und des Programms für Auslandsstudien in Wien, wo sie nun lebet und arbeitet. 2008 gewann sie den Namura Priza und 2010 den Gotoh Memorial Prize Foundation Newcomer’s prize of art. Zu ihren bedeutenden Einzelausstellungen zählen ‘It is as it is’ bei ShugoArts in 2009 und ‘Half in Gray’ bei void + im selben Jahr. Taguchi erhielt viel Beachtung durch die Gruppenausstellungen ‘Taipei Biennial – Dirty Yoga,’ im Taipei Fine Arts Museum, 2006; ‘Trace Elements’, welche in der Tokyo Opera City Art Gallery 2008 und dem Performance Space, Sydney 2009 zu sehen war; ‘Yokohama triennale 2011: OUR MAGIC HOUR’ im Yokohama museum, 2011; ‘somewhere between me and this world – Japanese contemporary photography’ im Tokyo Metropolitan Museum of Photography 2012 und ‘sleeping Beauty’ gezeigt im Hiroshima City Museum of Contemporary Art in Hiroshima 2014.

2014 war sie zudem Teil der Gruppenausstellung ‘TOKYO2020’ in der Christophe Guye Galerie.

Zur Ausstellung hin wird ihre erste Monografie ‘blueness oft he blue’ publiziert, herausgegeben von torch press, Tokio. Die 96-seitige Publikation wird in der Galerie erhältlich sein.

Öffnungszeiten Mo-Fr 10 – 18 Uhr, Sa 11 – 16 Uhr

www.christopheguye.com

Location:
Christophe Guye Galerie
Dufourstrasse 31
8008 Zürich
Switzerland