Kudzanai-Violet Hwami

Kudzanai-Violet Hwami combines visual fragments in her paintings, revealing a multi-layered and personal vision of life in Southern Africa. She experiments with photographs and digital image collages, using them to create large-scale works on paper or canvas with intensely pigmented oil paint, often employing other media and techniques such as silkscreen, pastel or charcoal. She draws her inspiration from a variety of sources, including archival, online or nude images, but also personal photographs, such as self-portraits or family pictures.

Using memories, Kudzanai-Violet Hwami visits places she encountered as a child in post-colonial Zimbabwe and creates a parallel universe from them, revolving around a futuristic narrative of the country. In her work, the artist plays with the idea of an African utopia in which there is no space, no place and no borders, while at the same time referring to established cultures and traditions. Many images in her works are influenced by the growing popularity of subcultures, such as Afro-punk and grunge culture in Kenya and South Africa. Other influences from music, such as ZimHeavy and Afrobeats, literature, and her own ongoing journey of self-discovery also form important sources for her work. The inclusion of random images found on social media as a further starting point is an invitation to the free play of the imagination, while the autobiographical material remains a source of reference.

Themes grounded in her experiences of geographical dislocation or the questioning of her own identity in self-portraits and images of her family, reflecting on the black body and its representation, run like a thread through her work. Her paintings could be read as autobiographical; as it is informed by the time she spent in her life stations in Zimbabwe, South Africa and England and is closely linked to her attempt to understand her Zimbabwean identity within the African diaspora. She uses photographs of her family from the 1970s, which she processes in the form of digital collages and then paints on canvas. In her family portraits, the protective figure of the mother occupies a central place, as shown in the works “Family Portrait” (2021) and “Lotus” (2018). Her father appears in “Father in Pin Light” (2017), and her brother and sister, who are twins, in “Epilogue (Returning to the Garden)” (2016). The two children lie on their sides looking at each other in the foetal position on a coloured background. A great softness emanates from this scene, where the bodies seem suspended and protected in an intrauterine space, in a silent haptic communication. Their skin is partially covered by vernix caseosa, a waxy protective layer on newborn babies. The title, suggesting a return to the days of innocence while hinting at a climax (the epilogue), expresses a hope for the future generation embodied by the twins.

We encounter both nude and clothed proud bodies where black and queer identities meet, as in “You are killing my spirit” (2021), “Expiation” (2021) or “Innspirit-ed” (2021). Among these, there are numerous nudes of castrated men, as in “Jonga 1 and 2” (2021), or “Trauma Pond 2” (2022), which the artist uses as a kind of projection surface for her body beyond gender ascription to foreground the transformative capacity of bodies in general. Hwami’s interest in the body and powerful nudes emerged during her training at Wimbledon, where she explored colour field painting and introduced illustrative drawings of nudes and portraits from pornography into her painting. Painted in bright yellows, blues and greens, the canvas backgrounds are reminiscent of editorial images circulating on Tumblr in the 2010s, featuring dark-skinned models against bright colours. This visual appeal of the depictions, but also the awareness of what little role black bodies played in Western painting and how they were depicted, led her to her stance as a painter to reclaim the self.

Self-determination also became an increasingly important topic on social media during this time, with #blackout advanced to a popular hashtag under which many black users shared images and flooded the site with self-portrayals. Often her collaged and layered compositions liberate the figure from the prescribed meanings of its original context to create new narratives. The artist is interested in designing and creating an alternative perspective of the Zimbabwean body. The black body plays the most important role in the paintings in general and serves as a vehicle for her to express themes such as sexuality, gender, spirituality, memory and childhood.

Curators of the exhibition
Stefanie Gschwend, director ad interim Kunsthaus Pasquart and Felicity Lunn

On the occasion of the exhibition, a monographic publication with numerous exhibition views and texts by Osei Bonsu and Stefanie Gschwend will be published by Verlag für moderne Kunst (ENG / FR / GER).

Opening hours Tues/Wed/Fri 12 – 6 pm, Thur 12 – 7 pm, Sat 11 am – 6 pm, Mon & Sun closed

Dans ses peintures, Kudzanai-Violet Hwami (*1993, Zimbabwe) combine des fragments visuels et dévoile une vision complexe et personnelle de la vie en Afrique australe. Elle travaille avec des photographies et des collages d’images numériques qu’elle utilise pour créer des œuvres de grand format sur papier ou sur toile avec de la peinture à l’huile intensément pigmentée et en employant souvent d’autres médias et techniques comme la sérigraphie, le pastel ou le fusain. Son inspiration provient d’une multitude de sources: des images trouvées dans les archives ou sur le web, des nus, mais aussi des photographies personnelles, telles que des autoportraits ou des photos de sa famille.

À l’aide de ses souvenirs, Kudzanai-Violet Hwami revisite des lieux qu’elle a connus enfant dans le Zimbabwe postcolonial. Elle crée à partir de ceux-ci un univers parallèle qui gravite autour d’un récit futuriste sur ce pays. Dans son travail, l’artiste joue avec l’idée d’une utopie africaine dans laquelle il n’y a pas d’espace, pas de lieu et pas de frontières, tout en faisant référence à des cultures et des traditions bien établies. De nombreuses images dans ses œuvres sont influencées par la popularité croissante de genres sous-culturels tels que la culture afro-punk et grunge au Kenya et en Afrique du Sud. D’autres influences littéraires et musicales (comme le ZimHeavy et l’Afrobeat), ainsi que son propre parcours introspectif, forment également des sources importantes. L’inclusion d’images trouvées au hasard sur les réseaux sociaux constitue un autre point de départ, invitant au libre jeu de l’imagination, même si le matériel autobiographique reste une source de référence.

Les thèmes qui se fondent sur son expérience de la dislocation géographique et du questionnement identitaire dans ses autoportraits et images de famille, illustrent le corps noir ainsi que sa représentation et tissent un fil rouge à travers son œuvre. Son travail peut être considéré comme autobiographique, car il est influencé par les différentes étapes de sa vie passées au Zimbabwe, en Afrique du Sud et en Angleterre et est étroitement lié à sa tentative de comprendre son identité zimbabwéenne au sein de la diaspora africaine. Elle utilise des photos de famille des années 1970 qu’elle traite sous forme de collages numériques et qu’elle peint ensuite sur toile. Dans ses portraits de famille, la figure protectrice de la mère occupe une place centrale, comme le montrent les œuvres “Family Portrait” (2021) et “Lotus” (2018). Son père apparaît dans “Father in Pin Light” (2017), son frère et sa sœur, tous deux jumeaux, dans “Epilogue (Returning to the Garden)” (2016). Sur un fond coloré, les deux enfants sont allongés sur le côté en position fœtale et se regardent. Une grande douceur se dégage de cette scène où les corps semblent en suspension et protégés dans un espace intra-utérin, dans une communication tactile silencieuse. Leur peau est partiellement recouverte de vernix caseosa, une couche cireuse protégeant les nouveau-nés. Le titre, qui suggère un retour aux jours de l’innocence tout en faisant référence à un point culminant (l’épilogue), exprime un espoir pour la génération future, incarnée par les jumeaux.

Nous rencontrons des corps fiers, aussi bien nus qu’habillés, à travers lesquels les identités noires et queer se croisent, comme dans “You are killing my spirit” (2021), “Expiation” (2021) ou “Innspirit-ed” (2021). Nous observons souvent des nus masculins castrés comme dans “Jonga 1 et 2” (2021), ou dans “Trauma Pond 2” (2022), que l’artiste utilise à la façon d’une sorte de projection de son corps au-delà de l’attribution de genre, afin de mettre en avant la capacité transformatrice des corps. L’intérêt de Hwami pour la corporalité et pour les nus puissants s’est développé lors de sa formation à Wimbledon, où elle a étudié la peinture de champ de couleur et a introduit dans sa pratique des dessins illustratifs de nus et des portraits issus de la pornographie. Les fonds des toiles, peints dans des tons jaunes, bleus et verts vifs, rappellent les images éditoriales qui circulaient sur Tumblr dans les années 2010, montrant des mannequins à la peau foncée devant des couleurs vives. Cette attraction visuelle pour les représentations, mais aussi la conscience du rôle mineur joué par les corps noirs dans la peinture occidentale et les enjeux de leur représentation, l’ont amenée à adopter une attitude de peintre qui revendique son individualité. À cette époque, la question de l’autodétermination se posait de plus en plus sur les réseaux sociaux. Avec le hashtag populaire #blackout, de nombreux utilisateur·trice·s noir·e·s ont partagé et inondé des sites internet d’images et représentations de soi. Souvent, ses compositions superposées en collage libèrent la figure des significations prescrites de leur contexte d’origine pour créer de nouveaux récits. L’artiste s’intéresse à la création d’une perspective alternative du corps zimbabwéen. Le corps noir joue en général le rôle le plus important dans ses peintures et lui sert de vecteur pour exprimer des thèmes tels que la sexualité, le genre, la spiritualité, la mémoire et l’enfance.

Curatrices de l’exposition
Stefanie Gschwend, directrice ad interim Centre d’art Pasquart et Felicity Lunn

Une publication monographique accompagnant l’exposition avec de nombreuses vues d’exposition et des textes d’Osei Bonsu et Stefanie Gschwend paraîtra aux éditions Verlag für moderne Kunst (DT / FR / ENG).

Heures d’ouverture Mardi/Mercredi/Vendredi 12:00 – 18:00, Jeudi 12:00 – 19:00, Samedi 11:00 – 18:00, Lundi & Dimance fermé

Kudzanai-Violet Hwami kombiniert in ihren Malereien visuelle Fragmente und offenbart eine vielschichtige und persönliche Vision des Lebens im südlichen Afrika. Sie experimentiert mit Fotografien und digitalen Bildcollagen und verwendet diese, um grossformatige Werke auf Papier oder Leinwand mit intensiv pigmentierter Ölfarbe zu schaffen, wobei sie häufig auch andere Medien und Techniken wie Siebdruck, Pastell oder Holzkohle einsetzt. Ihre Inspiration zieht sie aus einer Vielzahl von Quellen, wie Archiv-, Online- oder Aktbildern, aber auch persönlichen Fotografien, wie Selbstportraits oder Familienaufnahmen.

Mit Hilfe von Erinnerungen besucht Kudzanai-Violet Hwami Orte, die sie als Kind im postkolonialen Simbabwe kennengelernt hat, und erschafft aus diesen ein Paralleluniversum, das sich um eine futuristische Erzählung des Landes dreht. In ihrer Arbeit spielt die Künstlerin mit der Idee einer afrikanischen Utopie, in der es keinen Raum, keinen Ort und keine Grenzen gibt, während sie gleichzeitig auf etablierte Kulturen und Traditionen verweist. Viele Bilder in ihren Werken sind von der wachsenden Popularität von Subkulturen beeinflusst, z. B. von der Afro-Punk- und Grunge-Kultur in Kenia und Südafrika. Auch andere Einflüsse aus der Musik, wie ZimHeavy und Afrobeats, der Literatur, sowie ihre eigene, andauernde Selbstfindungsreise bilden wichtige Quellen für ihr Schaffen. Die Einbeziehung von willkürlich in den sozialen Medien gefundener Bilder als weiterer Ausgangspunkt ist eine Einladung an das freie Spiel der Vorstellungskraft, während das autobiografische Material eine Bezugsquelle bleibt.

Themen, die in ihren Erfahrungen mit geografischer Dislokation oder der Befragung der eigenen Identität in Selbstportraits und Bildern der Familie gründen, und die den schwarzen Körper und seine Darstellung reflektieren, ziehen sich wie ein roter Faden durch ihr Werk. Ihre Arbeit könnte als autobiografisch gelesen werden, denn sie ist mitgeprägt durch die Zeit, welche sie an ihren Lebensstationen in Simbabwe, Südafrika und England verbrachte und ist eng verbunden mit ihrem Versuch, ihre simbabwische Identität innerhalb der afrikanischen Diaspora zu verstehen. Sie verwendet Familienfotos aus den 1970er Jahren, die sie in Form von digitalen Collagen bearbeitet und anschliessend auf Leinwand malt. In ihren Familienporträts nimmt die beschützende Figur der Mutter einen zentralen Platz ein, wie die Werke “Family Portrait” (2021) und “Lotus” (2018) zeigen. Ihr Vater erscheint in “Father in Pin Light” (2017), ihr Bruder und Schwester, die Zwillinge sind, in “Epilogue (Returning to the Garden)” (2016). Die beiden Kinder liegen auf der Seite und schauen sich in der Fötus Stellung auf einem farbigen Untergrund an. Eine grosse Weichheit geht von dieser Szene aus, in der die Körper in einem intrauterinen Raum schwebend und geschützt zu sein scheinen, in einer stillen haptischen Kommunikation. Ihre Haut ist teilweise von Vernix caseosa, einer wachsartigen, schützenden Schicht bei Neugeborenen, bedeckt. Der Titel, der eine Rückkehr zu den Tagen der Unschuld suggeriert und gleichzeitig auf einen Höhepunkt (den Epilog) hinweist, drückt eine Hoffnung für die zukünftige Generation aus, die von den Zwillingen verkörpert wird.

Wir begegnen sowohl nackten, als auch gekleideten stolzen Körpern, in denen sich schwarze und queere Identitäten treffen, wie in “You are killing my spirit” (2021), “Expiation” (2021) oder “Innspirit-ed” (2021). Wir begegnen oft kastrierten männlichen Akten wie in “Jonga 1 und 2” (2021), oder “Trauma Pond 2” (2022), welche die Künstlerin als eine Art Projektionsfläche für ihren Körper jenseits der Geschlechterzuschreibung nutzt, um die transformative Fähigkeit von Körpern allgemein in den Vordergrund zu rücken. Das Interesse für den Körper und die kraftvollen Aktbilder entstanden bereits während ihrer Ausbildung in Wimbledon, wo Hwami die Farbfeldmalerei erforschte und illustrative Zeichnungen von Akten und Porträts aus der Pornografie in ihre Malerei einführte. Die in leuchtenden Gelb-, Blau- und Grüntönen bemalten Hintergründe der Leinwand erinnern an redaktionelle Bilder, die in den 2010er Jahren auf Tumblr kursierten und dunkelhäutige Models vor hellen Farben zeigten. Diese visuelle Anziehungskraft der Darstellungen, aber auch das Bewusstsein darüber, welche geringe Rolle schwarze Körper in der westlichen Malerei spielten und wie sie dargestellt wurden, brachte sie zu ihrer Haltung als Malerin, das Selbst zurückzufordern. Die Selbstbestimmung wurde in dieser Zeit auch in den sozialen Medien mehr und mehr zum Thema, so wurde #blackout zum beliebten Hashtag, unter dem viele schwarze Nutzer*innen Bilder teilten und die Seite mit Selbstdarstellungen überfluteten Oftmals befreien ihre collagierten und geschichteten Kompositionen die Figur von den vorgeschriebenen Bedeutungen ihres ursprünglichen Kontextes, um neue Erzählungen zu schaffen. Die Künstlerin ist daran interessiert, eine alternative Perspektive des simbabwischen Körpers zu entwerfen und zu gestalten. Der schwarze Körper spielt in den Malereien überhaupt die wichtigste Rolle und dient ihr als Vehikel, um Themen wie Sexualität, Geschlecht, Spiritualität, Erinnerung und Kindheit auszudrücken.

Kuratorinnen der Ausstellung
Stefanie Gschwend, Direktorin ad interim Kunsthaus Pasquart und Felicity Lunn

Anlässlich der Ausstellung erscheint eine monografische Publikation mit Ausstellungsansichten und Texten von Osei Bonsu und Stefanie Gschwend im Verlag für moderne Kunst (DT / FR / ENG).

Öffnungszeiten Di/Mi/Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 19 Uhr, Sa 11 – 18 Uhr, Montag und Sonntag geschlossen

www.pasquart.ch

Location:
Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac
2502 Biel/Bienne
Switzerland