Exhibition
in Aarau / Switzerland
- Guerreiro do Divino Amor: Le Miracle d’Helvetia, 2022, mehrteilige Multimediainstallation, Masse variabel, Coll. Fonds cantonal d’art contemporain, Genève, Installationsansicht “Superfictional Sanctuaries”, 2022, Centre d’Art Contemporain, Genf, mit Genehmigung des Künstlers, © Centre d’Art Contemporain Genève, Foto Julien Girard
- Guido Nussbaum: Schweizer Welt 1, 1995, Analog-Fotografie, 60 × 50 cm, Aargauer Kunsthaus, mit Genehmigung des Künstlers, © Guido Nussbaum, Foto ullmann.photography
- Gabriela Löffel: Grammar of calculated ambiguity, 2024, Videostill, 1 Kanal-Video-Sound-Installation mit Ton, mit Genehmigung der Künstlerin, © Gabriela Löffel
- Thomas Hirschhorn: Wirtschaftslandschaft Davos, 2001, verschiedene Materialien, 3000 x 1380 x 2267 cm, Aargauer Kunsthaus Aarau / Aargauischer Kunstverein und Schweizerische Eidgenossenschaft, Bundesamt für Kultur, erworben mit zusätzlicher Unterstützung von Angelika und Josef Meier, der Freunde der Aargauischen Kunstsammlung sowie des Kulturfonds, mit Genehmigung des Künstlers, © 2024, ProLitteris, Zürich, Foto René Rötheli, Baden
Current wars within and outside Europe are once again generating discussions around the principle of neutrality. The Aargauer Kunsthaus has invited 14 contemporary artists to take the floor. Their art focuses on Switzerland as the host location for international organisations and multinational corporations while also exploring the country’s reputation as an island of peace and an idealised paradise. These artists also look at how neutral art institutions, language, or artificial intelligences can in fact be.
With this exhibition, the Aargauer Kunsthaus once again addresses a relevant question of our time while also exploring a specifically Swiss topic closely connected to building a national identity. Its neutrality under international law has made Switzerland an impartial point of contact during crises and a base for international organisations and sensitive transactions in the heart of Europe. Historically and politically very consensus-oriented, Switzerland now increasingly feels under pressure to take up a distinct position in a world that has become more and more destabilised and beset with conflicts. The “Neutrality Model” has therefore become the topic of intense discussions from the perspectives of international law, history, politics, as well as ethics.
Artists are familiar with uncertainty. They know how to open up new perspectives by casting doubt on old certainties. And so it is that they are creating works that, directly or indirectly, engage with the topic of neutrality and contribute to societal debate. The Aargauer Kunsthaus has offered 14 of them a platform and thus is opening up a space for critical exploration of neutrality outside of political negotiations.
Museums such as the Aargauer Kunsthaus – just like libraries, educational or memorial institutions – have never been neutral venues. Given the growing awareness of diversity in our society, the Aargauer Kunsthaus is faced with an increasing number of questions regarding its collection policy and the writing of (art) history associated with that policy. Beyond the context of art, language also serves as a venue for negotiating neutrality. While dominant interpretations are democratically capable of winning a majority, their assumed unity of voice, however, feeds the notion that there is only one way to explain the world. It is art in particular that, since the 20th century, has built a counterpoint to this fallacy by playing with new systems of symbols and the media of communication.
The different perspectives contained in this exhibition can prompt not just the public, but also the museum and its operations, to discover neutrality as a sphere of action all of its own, not just as a product of history. In the best case, the exhibited art promotes an understanding that neutrality, as a part of Swiss culture, is changing all the time – just as our society is constantly changing. “Neutrality Model” invites us to reflect on our own stances and our interconnectedness.
Artists and Exhibited Works
Caroline Bachmann (*1963) shows a different side of the contemporary culture of remembrance in her work “58 av. J.-C.” (2020) (58 BC). No less monumental than more customary historical paintings but unusually contemplative, the frieze was presented as a gift to the Aargauer Kunsthaus and has been part of the museum’s collection since 2023. Over its eight-metre length, it depicts a battle of the Helvetians against six Roman legions during the first year of the Gallic War. The Helvetians lost and were pushed back into the Alpine area around Nyon and Augst by Julius Caesar with the goal of preventing incursions by Germanic tribes. Where in Bachmann’s work purple billows of smoke waft across the floor of a valley and an orange sun glows above the horizon, the painting by the 2022 recipient of the Prix Meret Oppenheim invites us to think about one of the birth moments of the Swiss Confederation. It is the starting point of the exhibition and so immediately provides space for us to reflect on the history and myths that influence our daily lives here in Switzerland to this day.
In the works of Marc Bauer (*1975), too, Swiss history plays an important role. With his drawings, Bauer develops historical events further, releasing them from the past. The room installation “Sphinx, 1931, 1935/1947” (2014) consists of a wall drawing, a series of drawings on paper and selected paintings by Karl Ballmer (1891–1958). Bauer’s work addresses Ballmer’s flight to Switzerland and speaks to the appropriation of culture under National Socialism. Ballmer, whose art was vilified as “degenerate” in Nazi Germany, interacted with (confiscated) art dealer Hildebrand Gurlitt (1895–1956) in Switzerland, which Bauer’s work also depicts. Ballmer’s personal biography thus impacts how his work is interpreted today. The room installation by Bauer gives rise to discussions about restitutions, controversial loans and gifts, indirectly questioning the neutrality of museum institutions and, ultimately, of art.
Denise Bertschi (*1983) lets us peek behind closed doors, although all we get to see are impenetrable walls of other buildings. The artist has been researching the architecture of the gold business for around ten years, specifically the connections between Switzerland’s gold trade and South Africa. Appearing as an archive of (post-)colonial building typologies, the 3-channel video installation “CONFIDENTIAL” (2018) presents the places that form a fundamental part of our lived and political reality, even though very few have any real sense of what they are. Especially when we think we are dealing with a part of history that we thought had been processed historically, Bertschi makes us doubt this perceived certainty. In “Swiss CONFIDENTIAL” (2024), a new production created by Bertschi for the Aargauer Kunsthaus, we travel through Switzerland and visit the locations where to this day colonial entanglements demand space in our lives in the neutral heart of Europe.
The history of Switzerland would not be complete without the country’s role as a neutral place for negotiations, which in many residents of the alpine country evokes images of grand halls with a large table at the centre. Around it, the powerful are gathered to sign groundbreaking treaties. With her work “Masa” (English: table), Mîrkan Deniz (*1990) shows that there is some truth to this cliché. In 2015, she made a replica of the table used for the signing of the Treaty of Lausanne in the Palais de Rumine in 1923. In this treaty, Turkey and the Allied Powers redesigned the map of what is termed the Middle East, and split Kurdistan up amongst Turkey, Iraq, Iran, and Syria. This decision impacts the lives of the people of Kurdistan to this day – but that is not Deniz’s only reason for creating a replica of the table. The former president of Switzerland, Pascal Couchepin (*1942), presented the original table to his Turkish counterpart as a gift. In light of this questionable diplomatic gesture, since 2015 Deniz has been trying to bring the table – along with its history – back to Switzerland, as a way of highlighting the responsibility that can arise even from the good will of neutral roles.
As part of a larger complex of works on the topic of war and transfiguration, the artistic duo huber.huber (Markus Huber, *1975/Reto Huber, *1975) created a work in 2011 about the “peace apostle” and famous conscientious objector Max Daetwyler (1886–1976). In 1934, the Gestapo prevented Daetwyler from distributing cards inscribed with the words “People, love one another” in public. huber.huber made good on this plan in the exhibition “Voici un dessin suisse” (2011) at the Aargauer Kunsthaus. Ten years later, 2025 will see some of the cards returning to Aarau, together with the edition “Friedensfahne (Peace Flag)” (2024) produced for the Aargauischer Kunstverein. This is a new interpretation of the famous rainbow flag created by Aldo Capitini (1899–1968) as a symbol for peace. Engaging with the ongoing desire for peace in our society has also motivated Reto and Markus Huber to realise a long-planned new production for “Neutrality Model”. In a swap action, they collected faded, tattered, and weathered peace flags and turned them into the textile wall installation titled “NO WAR”. The work is a poetic formulation of the question, why do the rainbow colours of the peace flags on our balconies and façades fade but peace has still not come?
In 2022, Guerreiro do Divino Amor (*1983), who represented Switzerland at the Venice Biennale in 2024, created a new chapter in his “Superfictional World Atlas”. The work titled “Le Miracle d’Helvetia” (2022) (The Miracle of Helvetia) is a room installation in three parts consisting of a cistern, 13 light boxes, and a video projection, where the artist opens a collection of curios related to myth-heavy Swiss values. His story begins with a Helvetia in Olympian heaven who, with blind eyes and deaf ears, guards her daughters on Earth, defending her holy principles inwards and outwards. With a twinkle in his eye, Guerreiro do Divino Amor lets us discover a Switzerland whose neutrality appears to be a source of countless contradictions from the idyllic background of the Alps to the cradle of biotechnology advances.
“Wirtschaftslandschaft Davos” (Economic Landscape Davos) (2001) by Thomas Hirschhorn (*1957) has all but become a myth in its own right, and not just because of its elaborate form of presentation. The collective work was last shown at the Aargauer Kunsthaus in 2011. It is composed of a miniature mock-up of mountainous terrain made of PU foam, gift tables with works by Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938), as well as various objects and paper records and a theatre for Rolf Lyssy’s cinematic drama “Konfrontation” (1974). Playfully analysing the role of Switzerland as a business hub, peaceful tourist mecca, place of international political negotiations or even as a location of historical failures and constitutional double standards, the work is part of Swiss cultural history. While a model train peacefully passes figurines in military uniform on its sinuous way through the artificial mountain valley, Hirschhorn’s sculpture helps us discover an entirely different side of Davos and Swiss neutrality.
We see and hear two people in a recording studio, which could also serve as a set for a science-fiction film. They are wearing headsets while playing a recording and commenting on what is being said. Only some ten minutes later, after four experts have joined them, does Gabriela Löffel‘s (*1972) video-sound installation “Grammar of calculated ambiguity” (2023–2024) explain what the mission of the filmed subjects is. The group is listening to the recording of a panel discussion of experts in the offshore finance industry, which was made during a meeting in the financial services sector. Löffel invited four business experts to reconstruct the recording with the help of forensic audio technicians. This translation process is what the artist filmed, using her most recent work to provide insight into the ambiguity of language. While we hear how technical jargon is used, among other things, to circumvent applicable law, we realise that words are never neutral and that even the smallest nuance can open up new contexts. An intervention by the sound artist Olga Kokcharova (*1985) will enhance Löffel’s video in Aarau.
In early modern times, many artists were interested in cartography. Their interest was aroused not just because new continents had been discovered and could now be represented in their entirety. The creation of maps also gave expression to claims of power and ownership and served as a vehicle for the symbols of many nationalist movements. This is what may have prompted Aleksandra Mir (*1967) in 2006 to create large-scale felt-tip pen drawings of (fictitious) islands in the style of geographical maps for her exhibition “Switzerland and Other Islands”. In line with an old tradition, Mir showed Switzerland in works such as “Insula Svissera” as an island encircled by mythical creatures and sea monsters. The artist is known for her space-consuming work and also created an adaption of “Toteninsel” (Isle of the Dead) by Arnold Böcklin (1827-1901). Ringed by skulls, we immediately recognise in Mir’s work the Swiss artist’s epic dream architecture, which had excited Adolf Hitler (1889-1945) so much that he decorated first his private home and then the Reich Chancellery with Böcklin’s work. Ultimately, Mir refers to the power that images have when they occupy, or open a new perspective on, locations in history.
It has been widely known for quite some time that artificial intelligences are not neutral and are only as intelligent as the archives they draw on for their information. The artist Kim da Motta (*2000) underscores this insight in her work “How would I walk, had I never seen a woman walk?” (2022). To play the video essay of this 2-channel video installation, we must first step on a treadmill. Once we do this, we learn from a computerised voice and film recordings, as well as from the images of an avatar, how computer programmes use Machine Learning to assign a binary gender to people just by the way they walk. Kim da Motta’s work asks whether our own motion patterns may be formed by structures similar to the ones in computer programmes that repeat whatever has been normalised over centuries. That gender norms can also be shattered is evidenced in the references that da Motta’s work makes to dance styles in the drag scene. They are like a vote for diversity in our society and the power of subcultures that could be capable of convincing not just computer programmes to get an upgrade.
Guido Nussbaum (*1948) has been exploring how to represent the world since the late 1980s, be it in a three-dimensional globe or in maps of the world. With just a dash of irony, Nussbaum’s works open new perspectives on seemingly known territories. In his analogue photograph “Schweizer Welt 1” (Swiss World 1) (1995), which is part of the Aargauer Kunsthaus collection, the artist photographed a globe of the world against black, pleated velvet. Observing the photographed object more closely, one finds that it is not the outline of Europe in the ocean – instead, Switzerland sits at the centre of the world, or, to be more precise, Western Switzerland, because the positioning means the rest of the outline is at most assumed. In combination with the sculpture “Schweizer Weltglobus” (Swiss World Globe) (1998–2008) Nussbaum’s works remind us that no model can cover everything and that we need each other’s help to view all facets of the globe at the same time, even if it is just showing our little Switzerland.
Exposing the racist structures of the museum-context ‘white cube’, Davide-Christelle Sanvee (*1993) delighted visitors during the Swiss Art Awards in Basel with her work “The not so white cube” (2023). The artist captivates her audience by stepping out of a white box and talking powerfully about the meaning of the colour white in everyday life and in museum institutions. In an act of internalisation and simultaneous deconstruction during her performance, Sanvee begins to eat a cake decorated with an image of the hosting institution. With her bare hands and seemingly violent crudeness, Sanvee delves into the cake, tearing the white icing apart. This shows us that what is behind the façade of our art institutions and museums is anything but all white. In “Neutrality Model”, this performance work will be shown as a permanent installation with video. Sanvee has also created a location-specific installation for the Aargauer Kunsthaus, including a performance with the title “La transparence n’est pas tranquille” (Transparency is not tranquil) (2025). For this project, she will paint the glass walls of the atrium on the ground floor white. Then during a performance, she will bring that neutral canvas she created back into critical art production.
During his time as an art student, Felix Stöckle (*1994) explored society’s interaction with the hardware of war, weaponry, and military propaganda. He quickly realised that artisan craftwork and artistic design are often used to render harmless in appearance, items that are inherently destructive. A co-founder of the serigraph studio Turbopress in Biel, Stöckle is mainly interested in the connection between graphic design and political content. Inspired by vintage tourism posters, the artist produced for the Aargauer Kunsthaus wooden tablets that he decorated with carvings and watercolour designs. The motifs force us to recognise that military structures are solidly anchored in our collective awareness. Stöckle’s use of different materials makes the poster templates not only tumble towards the grotesque, but their eccentricity is also enhanced by the display of research material and strange objects. Stöckle’s work “Welcome to Switzerland, if you can afford it” (2025) not least poses the question of the importance ascribed to the defence industry in a neutral country.
Publication
A reader comprising eleven essays on the topic of neutrality from the disciplines of literature, history, journalism, business, law, social anthropology, and architectural research will accompany the exhibition. With this publication, the Aargauer Kunsthaus wants to underscore the diversity of the Neutrality Model within Switzerland and contribute to enjoyable exploration beyond the bounds of the political concept.
With contributions by Patti Basler, satirist; Lukas Bärfuss, writer; Samia Henni, (architectural) historian; Rohit Jain, social anthropologist, with Rami Msallam, forensic architect; Marco Jorio, historian; Helen Keller, law professor; Urs Meier, former referee; Fatima Moumouni, spoken-word poet; Linus Schöpfer, editor of the NZZ am Sonntag, and Johanna Rainio, neutrality researcher; X Noëme aka X Schneeberger, author and activist; Luzia Tschirky, journalist. Design: A Language, Zürich (Martin Stoecklin and Melina Wilson), publisher: Scheidegger & Spiess
Acknowledgments
The exhibition is supported by: Canton of Aargau, Aargau Art Association, Swisslos Canton of Aargau, City of Aarau, Federal Office of Culture, Ernst Göhner Foundation, Pro Helvetia – Swiss Arts Council, Mobiliar Jubilee Foundation, Hans-Eugen and Margrit Stucki-Liechti Foundation HMSL.
The Aargauer Kunsthaus thanks the Canton of Aargau, the Aargau Art Association and UBS (partner of Aargauer Kunsthaus) for their support. Special thanks go to videocompany and Denise Bertschi for co-curating the discussion series “Neutrality and…”
Opening hours Tue-Sun 10 am – 5 pm, Thu 10 am – 8 pm
Exhibition Duration 01 February – 11 May 2025
Modell Neutralität
Aktuelle Kriege inner- und ausserhalb Europas entfachen Diskussionen rund um den Grundsatz der Neutralität neu. Das Aargauer Kunsthaus überlässt das Wort 14 zeitgenössischen Kunstschaffenden. Ihre Kunst richtet den Fokus auf die Schweiz als Standort internationaler Organisationen und multinationaler Konzerne, ebenso wird der Ruf als Friedensinsel und idealisiertes Paradies hinterfragt. Untersucht wird auch, wie neutral Kunstinstitutionen, Sprache oder künstliche Intelligenzen sein können.
Mit dieser Ausstellung widmet sich das Aargauer Kunsthaus erneut einer aktuellen Frage unserer Zeit – und wirft gleichzeitig den Blick auf ein spezifisch schweizerisches Thema, das eng mit der Konstruktion eines nationalen Selbstverständnisses verbunden ist. Die völkerrechtliche Neutralität inmitten Europas liess die Schweiz zu einer unparteiischen Ansprechpartnerin in Krisen sowie zu einem Standort von internationalen Organisationen und sensiblen Transaktionen werden. Die historisch und politisch ausgesprochen konsensorientierte Schweiz sieht sich jedoch in einer Welt, die sich mehr und mehr destabilisiert und mit Konflikten konfrontiert ist, zunehmend gezwungen, Position zu beziehen. Entsprechend intensiv wird das “Modell Neutralität” derzeit aus völkerrechtlicher, historischer, politischer und auch ethischer Sicht diskutiert.
Kunstschaffende kennen sich aus mit Unsicherheiten. Es gelingt ihnen, neue Perspektiven zu eröffnen, indem sie alte Gewissheiten in Zweifel ziehen. So gestalten sie Werke, die das Thema Neutralität direkt oder indirekt behandeln und tragen damit zur gesellschaftlichen Debatte bei. Das Aargauer Kunsthaus gibt 14 von ihnen eine Plattform und öffnet sich abseits staatspolitischer Verhandlungen für die Auseinandersetzung mit der Neutralität.
Auch Museen wie das Aargauer Kunsthaus waren nie neutrale Orte – ebenso wenig wie es Bibliotheken, Bildungs- und Erinnerungsinstitutionen je waren. Angesichts des wachsenden Bewusstseins für die Diversität unserer Gesellschaft stellen sich dem Aargauer Kunsthaus vermehrt Fragen zur Sammlungspolitik und der damit verbundenen (Kunst-)Geschichtsschreibung. Jenseits des Kunstkontexts dient auch die Sprache als Ort, an dem Neutralität verhandelt wird. Dominante Lesarten sind zwar demokratisch mehrheitsfähig; ihre vermeintliche Eindeutigkeit nährt jedoch die Vorstellung, es gäbe nur eine Art und Weise, die Welt zu erklären. Diesem Trugschluss setzt gerade die Kunst seit dem 20. Jahrhundert ihr Spiel mit neuen Zeichensystemen und Vermittlungsmedien entgegen.
Die verschiedenen Blickwinkel dieser Ausstellung können sowohl beim Publikum als auch innerhalb des Museumsbetriebs anregen, Neutralität nicht nur als Machwerk der Geschichte wahrzunehmen, sondern auch als eigenes Handlungsfeld zu entdecken. Im besten Fall fördert die ausgestellte Kunst das Verständnis dafür, dass sich die Neutralität als Teil der Schweizer Kultur permanent verändert – so wie es auch unsere Gesellschaft ständig tut. Modell Neutralität lädt dazu ein, über unsere eigene Positionierung und unser Miteinander nachzudenken.
Kunstschaffende in der Ausstellung
Caroline Bachmann (*1963) zeigt mit ihrer Arbeit “58 av. J.-C.” (2020) eine andere Seite der zeitgenössischen Erinnerungskultur: Nicht weniger monumental als gängige Historienbilder, dafür aber ungewohnt beschaulich, hält der acht Meter lange Wandfries, der sich dank einer Schenkung seit 2023 in der Sammlung des Aargauer Kunsthaus befindet, eine Schlacht der Helvetier gegen sechs römische Legionen im ersten Jahr des Gallischen Kriegs fest. Die Helvetier verloren und wurden von Julius Caesar in den Alpenraum rund um Nyon und Augst zurückgedrängt, um ein Eindringen germanischer Stämme zu verhindern. Wo in Bachmanns Werk lilafarbene Rauchschwaden über eine Talebene ziehen und eine orange glühende Sonne über dem Horizont leuchtet, regt die Malerei der Trägerin des Prix Meret Oppenheim 2022 dazu an, sich mit einer der Geburtsstunden der Schweizer Konföderation auseinanderzusetzen. Sie bildet den Auftakt der Ausstellung und gibt gleich zu Beginn Anlass, über die Geschichte und die Mythen nachzudenken, die auch heute noch unseren Alltag in der Schweiz prägen.
Auch in den Arbeiten von Marc Bauer (*1975) spielt die Schweizer Geschichte eine wichtige Rolle. Mit seinen Zeichnungen spinnt Bauer historische Ereignisse weiter und löst sie aus der Vergangenheit heraus. Die Rauminstallation “Sphinx, 1931, 1935/1947” (2014) besteht aus einer Wandzeichnung, einer Serie von Zeichnungen auf Papier und ausgewählten Malereien von Karl Ballmer (1891–1958). Bauers Werk thematisiert Ballmers Flucht in die Schweiz und verweist auf die Vereinnahmung der Kultur im Nationalsozialismus. Ballmer, dessen Kunst in Nazideutschland als “entartet” diffamiert wurde, pflegte in der Schweiz Kontakt zum (Raub-)Kunsthändler Hildebrand Gurlitt (1895-1956), was in Bauers Arbeit ebenfalls aufgegriffen wird. So nimmt Ballmers persönliche Biografie auch Einfluss auf die Lesart seiner Kunst heute: Bauers Rauminstallation lässt Diskussionen um Restitutionen sowie kritische Leihgaben und Schenkungen aufflammen und hinterfragt so indirekt die Neutralität der Museumsinstitutionen und letztlich auch der Kunst.
Denise Bertschi (*1983) gibt uns Einblick hinter verschlossene Türen – obwohl wir lediglich undurchdringbare Gebäudemauern zu sehen bekommen. Seit rund zehn Jahren forscht Bertschi zur Architektur der Goldwirtschaft, namentlich den Verbindungen des Schweizer Goldhandels mit Südafrika. Die 3-Kanal-Videoinstalltion “CONFIDENTIAL” (2018) erscheint als Archiv (post-)kolonialer Bautypologien und erschliesst diejenigen Orte, die in unserer gelebten und politischen Realität nicht wegzudenken sind, von denen aber die wenigsten klare Vorstellungen besitzen. Gerade wenn wir glauben, dass wir es mit einem Teil der Geschichte zu tun haben, der historisch aufgearbeitet zu sein scheint, lässt uns Bertschi an dieser vermeintlichen Gewissheit zweifeln. In “Swiss CONFIDENTIAL” (2024), einer Neuproduktion, die von Bertschi für das Aargauer Kunsthaus geschaffen wurde, bereisen wir die Schweiz und besuchen die Plätze, an denen die kolonialen Verstrickungen bis heute Raum in unserem Leben im neutralen Herzen Europas einfordern.
Zur Geschichte der Schweiz gehört auch ihre Geschichte als neutraler Verhandlungsort. Viele Bewohnende des Alpenstaats denken dabei an repräsentative Säle, in denen ein grosser Tisch steht. Um ihn herum versammeln sich die Machthabenden, um wegweisende Verträge zu unterzeichnen. Dass dieses Klischee nicht ganz unzutreffend ist, zeigt Mîrkan Deniz (*1990) in ihrer Arbeit “Masa” (dt. Tisch). 2015 fertigte sie eine Replik des Tisches an, an dem 1923 im Palais de Rumine der Vertrag von Lausanne unterschrieben wurde, womit die Türkei und die alliierten Mächte die Karte des sogenannten Nahen Ostens neu zeichneten und Kurdistan zwischen der Türkei, dem Irak, dem Iran und Syrien aufteilten. Bis heute prägt diese Entscheidung das Leben der Bevölkerung in Kurdistan – für Deniz nicht der einzige Grund für die Replik des Tisches. Der frühere Bundespräsident Pascal Couchepin (*1942) schenkte das Original des Tisches seinem türkischen Amtskollegen. Diese fragwürdige diplomatische Geste nimmt Deniz seit 2015 zum Anlass, um den Tisch – mitsamt seiner Geschichte – in die Schweiz zurückzuführen und so auf die Verantwortung hinzuweisen, die gerade aus dem guten Willen neutraler Dienste entwachsen mag.
In einem grösseren Werkkomplex zum Thema Krieg und Verklärung schuf das Künstlerduo huber.huber (Markus Huber, *1975/Reto Huber, *1975) 2011 eine Arbeit über den sogenannten Friedensapostel und berühmten Kriegsdienstverweigerer Max Dätwyler (1886–1976). 1934 verhinderte die Gestapo das Vorhaben Dätwylers, Karten mit der Aufschrift “Menschen, liebet einander” in der Öffentlichkeit zu verteilen. huber.huber holten die Aktion in der Ausstellung “Voici un dessin suisse” (2011) im Aargauer Kunsthaus nach. 2025 kommt ein Teil der Karten nun wieder nach Aarau, zusammen mit der für den Aargauischen Kunstverein produzierten Edition “Friedensfahne” (2024). Diese ist eine Neuinterpretation der von Aldo Capitini (1899–1968) gestalteten berühmten Regenbogenfahne als Symbol für Frieden. Die Auseinandersetzung mit dem andauernden Wunsch nach Frieden in unserer Gesellschaft hat Reto und Markus Huber ausserdem dazu angeregt, für “Modell Neutralität” eine lang gehegte Neuproduktion umzusetzen. In einer Tauschaktion sammelten sie verbleichte, zerfetzte und der Witterung ausgesetzte Peace-Fahnen und schufen mit ihnen eine textile Wandinstallation mit dem Titel “NO WAR”. Auf poetische Weise fragt die Arbeit: Wieso verblassen die Regenbogenfarben der Friedensflaggen auf unseren Balkonen und an Häuserfassaden, ohne dass Friede endlich einkehrt?
Im Jahr 2022 schuf Guerreiro do Divino Amor (*1983), der 2024 die Schweiz an der Biennale in Venedig vertrat, ein neues Kapitel seines “Superfictional World Atlas”. Die Arbeit mit dem Titel “Le Miracle d’Helvetia” (2022) ist eine dreiteilige Rauminstallation, die aus einem Brunnen, 13 Leuchtkästen und einer Videoprojektion besteht. In ihr eröffnet der Künstler ein Panoptikum sagenumwobener Schweizer Werte. Seine Erzählung beginnt mit einer Helvetia, die im olympischen Himmel mit blinden Augen und tauben Ohren über ihre Töchter auf Erden wacht und so ihre heiligen Prinzipien nach innen und aussen verteidigt. Vom Idyll der Alpenkulisse bis zur Wiege biotechnologischen Fortschritts lässt Guerreiro do Divino Amor mit einem Augenzwinkern eine Schweiz erkennbar werden, deren Neutralität als Quelle unzähliger Widersprüche erscheint.
Die “Wirtschaftslandschaft Davos” (2001) von Thomas Hirschhorn (*1957) ist nicht nur aufgrund ihrer sehr aufwendigen Präsentationsform beinahe selbst zu einem Mythos geworden. Zuletzt wurde das Sammlungswerk 2011 im Aargauer Kunsthaus gezeigt. Die Arbeit setzt sich zusammen aus der Miniaturnachbildung einer Gebirgslandschaft aus PU-Schaum, Gabentischen mit Werken von Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) sowie unterschiedlichen Objekten und Papieraufzeichnungen und einem Kino für Rolf Lyssys Filmdrama “Konfrontation” (1974). Das Werk gehört zur Schweizer Kulturgeschichte und analysiert auf spielerische Weise die Rolle der Schweiz als Wirtschaftsdrehscheibe, friedlicher Tourismushotspot, Ort internationaler Politverhandlungen oder auch Schauplatz geschichtlicher Versäumnisse und rechtsstaatlicher Doppelmoral. Während sich eine Modelleisenbahn an Figuren in Militäruniform friedvoll durchs künstliche Bergtal schlängelt, lässt sich anhand von Hirschhorns Skulptur eine ganz andere Seite von Davos und der Schweizer Neutralität entdecken.
Wir sehen und hören, wie zwei Personen in einem Tonstudio, das auch als Kulisse für einen Science-Fiction-Film dienen könnte, über Kopfhörer eine Aufnahme abspielen und über das Gesprochene Vermutungen anstellen. Erst nach rund zehn Minuten, nachdem vier Fachleute dazugestossen sind, wird in Gabriela Löffels (*1972) Video-Sound-Installation “Grammar of calculated ambiguity” (2023–2024) erklärt, was das Vorhaben der Gefilmten ist. Die Runde hört die Aufnahme einer Paneldiskussion von Sachverständigen der Offshore-Finanzindustrie. Die Aufzeichnung wurde an einem Kongress des Finanzservicesektors gemacht. Löffel lud vier Personen mit Expertise in der Wirtschaftsbranche ein, um sie mithilfe von Fachleuten aus der forensischen Tontechnik zu rekonstruieren. Diesen Übersetzungsprozess filmte die Künstlerin und gibt hiermit in ihrer neusten Arbeit Einblick in die Doppeldeutigkeiten der Sprache. Während wir hören, wie die Verwendung von Fachbegriffen unter anderem genutzt wird, um geltende Gesetze zu umgehen, wird uns bewusst, dass Worte nie neutral sind und selbst die kleinste Nuance neue Kontexte erschliessen kann. In Aarau wird Löffels Video durch eine Intervention der Klangkünstlerin Olga Kokcharova (*1985) erweitert.
In der frühen Neuzeit interessierten sich viele Kunstschaffende für die Kartografie, die nicht nur wegen der Entdeckung neuer Weltteile und der Möglichkeit ihrer umfassenden Darstellung ihr Interesse weckte; das Erstellen von Landkarten markierte Macht- und Besitzansprüche und transportierte auch Symboliken zahlreicher Nationalismen. Dieser Sachverhalt mag auch Aleksandra Mir (*1967) im Jahr 2006 dazu verleitet haben, für ihre Ausstellung “Switzerland and Other Islands” grossformatige Filzstiftzeichnungen von (fiktiven) Inseln im Stil von Landkarten anzufertigen. An eine alte Tradition anknüpfend, zeigte Mir die Schweiz in Werken wie “Insula Svissera” als Eiland, das von mythischen Gestalten und Seeungeheuern umzingelt ist. Die Künstlerin, die für ihre raumgreifenden Arbeiten bekannt ist, fertigte auch eine Adaption von Arnold Böcklins (1827-1901) “Toteninsel” an. Von Totenköpfen umringt erkennen wir in Mirs Werk sofort die epische Traumarchitektur des Schweizer Künstlers, die Adolf Hitler (1889-1945) derart begeisterte, dass er mit Böcklins Arbeit zuerst sein Privathaus, dann die Reichskanzlei schmückte. Mir verweist so letztlich auf die Macht, die Bilder haben, wenn sie Orte der Geschichte besetzen oder neu erschliessen.
Längst ist allgemein bekannt, dass künstliche Intelligenzen nicht neutral und nur so intelligent sind, wie die Archive, aus denen sie ihre Informationen ziehen. Die Künstlerin Kim da Motta (*2000) verdeutlicht dies mit ihrer Arbeit “How would I walk, had I never seen a woman walk?” (2022). Um den Videoessay der 2-Kanal-Videoinstallation abzuspielen, müssen wir uns auf ein Laufband begeben. Wer dies tut, erfährt von einer Computerstimme und anhand von filmischen Aufnahmen und animierten Bildern eines Avatars, wie Computerprogramme mittels Machine Learning heutzutage in der Lage sind, Menschen anhand ihrer Gangart einer binären Geschlechterordnung zuzuteilen. Kim da Mottas Werk fragt, ob unsere eigenen Bewegungsmuster vielleicht von ähnlichen Strukturen geprägt sind wie diejenigen von Computerprogrammen, die das wiederholen, was über Jahrhunderte hinweg normalisiert wurde. Dass Geschlechternormen auch aufgebrochen werden können, beweisen Verweise in da Mottas Arbeit auf Tanzstile in der Dragszene. Sie gleichen einem Votum für die Vielfalt unserer Gesellschaft und die Kraft von Subkulturen, die in der Lage sein könnten, nicht nur Computerprogramme zu einem Upgrade zu bewegen.
Seit den späten 1980er-Jahren setzt sich Guido Nussbaum (*1948) mit der Darstellung der Welt auseinander: Ob in plastischer Kugelform oder in Weltkarten, Nussbaums Werke eröffnen ungewohnte Perspektiven auf vermeintlich bekannte Territorien. Dies geschieht oft mit einer Prise Ironie. In der Analogfotografie “Schweizer Welt 1” (1995) aus der Sammlung des Aargauer Kunsthauses hat der Künstler einen Weltglobus auf schwarzem, in Falten gelegtem Samt festgehalten. Wer das fotografierte Objekt genauer betrachtet, erkennt im Weltmeer nicht etwa die Umrisse von Europa – es ist die Schweiz, die hier als Zentrum der Welt ins Bild gerückt ist, oder vielmehr die Westschweiz, da der Rest des Umrisses aufgrund der Positionierung nur erahnt werden kann. In Kombination mit der Plastik “Schweizer Weltglobus” (1998–2008) erinnern Nussbaums Arbeiten daran, dass kein Modell alles abdeckt und wir unsere gegenseitige Hilfe brauchen, um alle Facetten der Weltkugel, und zeigt sie auch nur unsere kleine Schweiz, gleichzeitig im Blick zu haben.
Die rassistischen Strukturen des musealen White Cube aufdeckend, begeisterte Davide-Christelle Sanvee (*1993) 2023 an den Swiss Art Awards in Basel mit ihrer Arbeit “The not so white cube” (2023). Die Künstlerin zieht das Publikum in ihren Bann, indem sie aus einer weissen Kiste heraustritt und eindringlich über die Bedeutung der Farbe Weiss im Alltag und in Museumsinstitutionen referiert. In einem Akt der Verinnerlichung und gleichzeitigen Dekonstruktion beginnt Sanvee während ihrer Aufführung eine Torte mit der Dekoration eines Bilds der gastgebenden Institution zu verspeisen. Mit blossen Händen und gewaltvoll anmutender Rohheit greift Sanvee in das Gebäck und reisst dabei den weissen Zuckerguss auseinander. Dabei offenbart sich: Was sich hinter der Fassade unserer Kunsthäuser und Museen befindet, ist alles andere als nur weiss. In “Modell Neutralität” wird das Performancewerk als permanente Installation mit Video gezeigt. Zusätzlich schafft Sanvee für das Aargauer Kunsthaus eine ortsspezifische Installation mit zugehöriger Performance unter dem Titel “La transparence n’est pas tranquille” (2025). Dafür wird sie die Glasfassaden des Innenhofs im Erdgeschoss weisseln und den daraus entstandenen neutralen Malgrund in einer Performance wieder in die kritische Kunstproduktion zurückführen.
Schon während des Kunststudiums beschäftigte sich Felix Stöckle (*1994) mit dem Umgang der Gesellschaft mit Kriegsmaterial, Waffen oder Militärpropaganda. Dabei erkannte er schnell, dass Kunsthandwerk und künstlerische Gestaltung oft zur Verharmlosung eigentlich destruktiver Inhalte genutzt werden. Als Mitbegründer des Bieler Siebdruckateliers Turbopress interessiert sich Stöckle vor allem auch für die Verbindung von Grafik und politischen Inhalten. Für das Aargauer Kunsthaus hat der Künstler anhand von Vintage-Tourismusplakaten mit Schnitzereien versehene und aquarellierte Holztafeln gefertigt. Die Motive lassen erkennen, dass militärische Strukturen in unserem kollektiven Bewusstsein fest verankert sind. Die Postervorlagen kippen durch Stöckles Materialwechsel nicht nur ins Groteske, ihre Exzentrik wird zusätzlich durch die Auslage von Recherchematerialien und absonderlichen Gegenständen verstärkt. Nicht zuletzt stellt sich in Stöckles Arbeit “Welcome to Switzerland, if you can afford it” (2025) die Frage, welchen Stellenwert der Rüstungsindustrie in einem neutralen Staat zugeschrieben wird.
Publikation
Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Reader, der elf Texte zum Thema Neutralität aus den Bereichen Literatur, Geschichte, Journalismus, Wirtschaft, Recht, Sozialanthropologie und Architekturforschung vereint. Damit möchte das Aargauer Kunsthaus die Vielstimmigkeit des “Modells Neutralität” innerhalb der Schweiz unterstreichen und zu einem lustvollen Austausch über das politische Konzept hinaus beitragen.
Mit Beiträgen von Patti Basler, Satirikerin, Lukas Bärfuss, Schriftsteller, Samia Henni, (Architektur-)Historikerin, Rohit Jain, Sozialanthropologe, mit Rami Msallam, forensischer Architekt, Marco Jorio, Historiker, Helen Keller, Rechtsprofessorin, Urs Meier, Ex-Schiedsrichter, Fatima Moumouni, Spoken-Word-Poetin, Linus Schöpfer, Redaktor NZZ am Sonntag, und Johanna Rainio, Neutralitätsforscherin, X Noëme aka X Schneeberger, Schriftsteller*in und Aktivist*in, Luzia Tschirky, Journalistin. Gestaltung: A Language, Zürich (Martin Stoecklin und Melina Wilson), Verlag: Scheidegger & Spiess
Dank
Die Ausstellung wird unterstützt von: Kanton Aargau, Aargauischer Kunstverein, Swisslos Kanton Aargau, Stadt Aarau, Bundesamt für Kultur, Ernst Göhner Stiftung, Mobiliar Jubiläumsstiftung, Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia, Hans-Eugen und Margrit Stucki-Liechti Stiftung HMSL. Das Aargauer Kunsthaus dankt dem Kanton Aargau, dem Aargauischen Kunstverein sowie der UBS (Partnerin Aargauer Kunsthaus). Ein spezieller Dank geht an videocompany sowie an Denise Bertschi für die Co-Kuratierung der Gesprächsreihe im Rahmenprogramm.
Öffnungszeiten Di-So 10 – 17 Uhr, Do 10 – 20 Uhr
Ausstellungsdauer 01.02. – 11.05.2025
Location:
Aargauer Kunsthaus
Aargauerplatz
5001 Aarau
Switzerland