New Language and perfect for what it is… – A Private Collection

What does it mean to be human in an era of radical and accelerating change? How do we make sense of a world where the boundaries of identity, gender, body, and selfhood are in constant flux? “New Language and Perfect for What It Is…” brings together 38 works by 25 internationally renowned artists from a private collection spanning nearly 40 years. It traces a trajectory from the mid-1980s to the mid-2000s, reflecting shifting cultural and societal tensions. The title, borrowed from a phrase often used by the collector, sets the tone: an acknowledgment of art’s ability to create its own vocabulary – existing on its own terms, both precise and ambiguous in its expression.

These works explore themes that are ever-present in contemporary discourse: the body as a site of transformation, the politics of disguise and masquerade, the performativity of identity, ritual, the gaze, and the underlying currents of violence and intimacy. The artists – John Armleder, Dan Bina, Norbert Bisky, Marc Brandenburg, Olaf Breuning, Guillermo Caivano, Ross Chisholm, Liz Craft, Jessica Diamond, Jiří Dokoupil, Alex Dordoy, Peter Garfield, Jamey Garza, Evan Gruzis, Matthew Harrison, JOKO (Karin Jost & Regula Kopp), Csaba Kis Róka, Erik Lindman, Boris Mrkonjic, Gianni Motti, Steven Mumford, Tobias Spichtig, Wolfgang Tillmans, Alexandra Vogt and Katharina Wulff – create a visual language deeply rooted in the material, conceptual, and emotional concerns of their time. This collection serves as both a time capsule and a mirror, reflecting the fluidity of cultural moments and the urgency of artistic reinvention.

The exhibition opens with Jamey Garza‘s “Goodyear (Bad Day)”, a work that evokes American road culture and the mythology of speed, similar to Steve Mumford‘s oil on canvas. With a pop-art sensibility, Garza sets the stage for the dialogue on nostalgia and iconography that runs through the collection. Nearby, Liz Craft‘s surreal photograph of a “macho female magical child” astride a motorbike blends fantasy and subversion, reflecting Californian countercultures and the utopian aesthetic of the 1960s. Similarly, Peter Garfield‘s “Mobile Homes” series presents hyperrealist photomontages of crumbling American suburban homes, foreshadowing impending collapse.

Jessica Diamond‘s “Elvis Alive” shifts the energy, distilling urban graffiti and media critique into a stripped-down, bold commentary on pop culture and political rhetoric. Her work resonates with satire, deconstructing the language of media and its performative nature.

In contrast, Matthew Harrison‘s small self-portrait anchors the room in a quieter, more intimate meditation on identity. Harrison, who blurs the boundaries between art and non-art, presents meticulously crafted objects that seem both readymade and handmade, questioning the value and authorship of the art object itself. Alex Dordoy‘s sculpture plays with readymade, but also offers a critique on consumerist society.

Together, these works establish a rhythm, setting the stage for deeper explorations of selfhood, performance, and cultural mythology.

Olaf Breuning‘s “Woodworld” and “Sybille” expand the immersive experience. “Woodworld”, originating from Breuning’s 1998 haunted house installation, blends dark humor with a critique of cinematic tropes, featuring a misty forest and a black Range Rover – a voyeuristic scene of something both familiar and unsettling. “Sybille”, on the other hand, presents a complex, multi-layered portrait in which the subject’s body is adorned with references to art history, from Matthew Barney’s sculptural forms to Cindy Sherman’s performative self-portraiture. Breuning’s fusion of influences invites reflection on how identity is both constructed and reconstructed in visual culture.

Alexandra Vogt‘s works continue this thematic exploration, creating dreamlike scenes that oscillate between sensuality and discomfort. With her white horse and stablegirl, Vogt weaves longing and disillusionment, innocence and desire, blurring the line between fantasy and reality.

JOKO, the Swiss performance collective consisting of Karin Jost and Regula Kopp, deepens this emotional landscape with “Eine Person hat Milch in ihrem Mund”. The photograph captures a ritualistic exchange between two bodies, one cradling the other’s head as milk flows from one mouth to the next. This intimate moment explores care, surrender, and the unspoken dynamics of human connection – an exploration of bodily vulnerability and emotional intimacy.

In the adjacent room, Dan Bina‘s “This Is Not About You: Meme No. 13” confronts the viewer with a stark, black-and-white visual metaphor of self-inflicted violence. Drawing from a 2014 photograph of Pro-Russian protesters attacking a pro-Ukrainian protester during a rally in Donetsk, Bina reinterprets the image into a raw commentary on trauma, violence, and the human condition in the digital age.

This dark energy is echoed in Evan Gruzis‘s finely detailed skull. Gruzis, an American artist whose work meditates on life and death through precise lighting and contrasts, transforms his subject into a commentary on fragility and the tension between form and emptiness.

Boris Mrkonjic‘s “King Urusov” continues this dialogue, merging references to Russian chess champion Sergey Urusov and Da Vinci’s “Homo Universalis”, exploring the intersection of intellect, power, and the human form.

The performativity of clothing is brought to the forefront through Marc Brandenburg‘s “Camouflage” Series and John Armleder‘s “Three Piece Wool Suit”. Brandenburg’s full-body “camouflage” outfits, referencing racial and cultural stereotypes, critique the politics of disguise and identity. Armleder, a Swiss artist whose practice spans five decades, challenges the very boundaries of performance in art with his conceptual suit, questioning how the exhibition context itself can perform the role of art.

Tobias Spichtig‘s early conceptual piece referencing Andy Warhol’s scars from the infamous shooting by Valerie Solanas delves into trauma, celebrity, and self-referential art. The image of Warhol’s wounds, pierced through by Fontana-like slashes, creates an unsettling echo chamber that speaks to the intersection of personal history and public spectacle.

Gianni Motti‘s “The Artist’s Funeral” takes on the absurdity of life, death, and resurrection in his provocative performance piece. By faking his death in a small Spanish village, Motti manipulates the grieving ritual of a Catholic community, leaving them to believe in his holy return. This powerful commentary on the absurdities of belief and the reshaping power of art explores the tension between performance and reality.

A pivotal moment in the exhibition comes with Wolfgang Tillmans‘ raw photography, capturing intimacy, suppressed sexuality, and domesticity. These works offer a moment of repose amid the more intense and charged pieces. Across from Tillmans’ works, Norbert Bisky‘s “David Tropical”, a large, figurative painting, channels the socialist realism he encountered in his childhood in the GDR. The piece captures a contemporary hedonism and chaos that mirrors the shifting tides of social and political landscapes.

The grotesque and macabre qualities of painting are explored by Hungarian artist Csaba Kis Roka and Spanish painter Guillermo Caivano, whose works evoke the intensity of Goya. Their paintings delve into the darker corners of the human experience, offering a raw and unsettling view of mortality and suffering.

Katharina Wulff‘s large impasto canvas stands as the room’s focal point. With its bold, sculptural texture, Wulff’s work transcends the traditional boundaries of painting, transforming the canvas into a near-relief. Wulff, also a docent at the Art Academy in Düsseldorf, investigates the physicality of painting, using materiality to communicate both form and emotion.

Nearby, Erik Lindman offers a minimalist meditation on space and form. His subtle compositions contrast with the expressive energy of other works in the room, encouraging the viewer to reflect on the essential elements of minimalism.

Jiří Dokupil‘s seminal piece, created with mother’s milk and unprimed canvases, explores themes of identity, vulnerability, and memory. A former docent at the Kunstakademie Düsseldorf, Dokupil uses this deeply intimate and unconventional medium to evoke personal and cultural reflections on the body through pale, watery stains..

A new language, indeed. And perfect for what it is.

Opening hours Friday, 11 am – 6 pm, and by prior arrangement

Exhibition Duration 14 March – 25 July 2025

Was bedeutet es, Mensch zu sein in einer Ära radikalen und beschleunigten Wandels? Wie lassen sich die Grenzen von Identität, Geschlecht, Körper und Selbstverständnis verstehen, wenn sie sich ständig neu definieren? “New Language and Perfect for What It Is…” vereint 38 Werke von 25 international renommierten Künstlern aus einer privaten Sammlung, die sich über nahezu 40 Jahre erstreckt. Die Ausstellung zieht eine Linie von den Mitte der 1980er Jahre bis in die Mitte der 2000er und spiegelt die sich wandelnden kulturellen und gesellschaftlichen Spannungen wider. Der Titel, entlehnt aus einer oft verwendeten Phrase des Sammlers, setzt den Ton: eine Anerkennung der Fähigkeit der Kunst, ihre eigene Sprache zu schaffen – auf ihren eigenen Bedingungen zu existieren, präzise und gleichzeitig mehrdeutig in ihrer Ausdruckskraft.

Diese Werke behandeln Themen, die in der zeitgenössischen Diskussion allgegenwärtig sind: der Körper als Ort der Transformation, die Politik des Verkleidens und der Maskerade, die Performativität von Identität, Ritual, der Blick, sowie die zugrunde liegenden Strömungen von Gewalt und Intimität. Die Künstler – John Armleder, Dan Bina, Norbert Bisky, Marc Brandenburg, Olaf Breuning, Guillermo Caivano, Ross Chisholm, Liz Craft, Jessica Diamond, Jiří Dokoupil, Alex Dordoy, Peter Garfield, Jamey Garza, Evan Gruzis, Matthew Harrison, JOKO (Karin Jost & Regula Kopp), Csaba Kis Róka, Erik Lindman, Boris Mrkonjic, Gianni Motti, Steven Mumford, Tobias Spichtig, Wolfgang Tillmans, Alexandra Vogt und Katharina Wulff – schaffen eine visuelle Sprache, die tief in den materiellen, konzeptionellen und emotionalen Anliegen ihrer Zeit verwurzelt ist. Diese Sammlung dient sowohl als Zeitkapsel als auch als Spiegel, der die Fluidität kultureller Momente und die Dringlichkeit künstlerischer Neuerfindung widerspiegelt.

Der Beginn der Reise

Die Ausstellung eröffnet mit Jamey Garzas “Goodyear (Bad Day)”, einem Werk, das die amerikanische Strassenkultur und die Mythologie der Geschwindigkeit evoziert, ähnlich wie Steven Mumfords Öl auf Leinwand. Mit einer Pop-Art-Sensibilität setzt Garza den Ton für den Dialog über Nostalgie und Ikonografie, der die Sammlung durchzieht. In der Nähe von Garzas Werk zeigt Liz Craft ein surreales Foto eines “macho-weiblichen magischen Kindes” auf einem Motorrad, das Fantasie und Subversion miteinander verbindet und kalifornische Gegenkulturen sowie die utopische Ästhetik der 1960er Jahre reflektiert. Ebenso präsentiert Peter Garfields “Mobile Homes” eine Serie von hyperrealistischen Fotomontagen von verfallenden amerikanischen Vorstadthäusern, die den bevorstehenden Zusammenbruch vorwegnehmen.

Jessica Diamonds “Elvis Alive” verändert die Energie der Ausstellung, indem sie städtische Graffiti und Medienkritik in eine reduzierte, kühne Kommentierung der Popkultur und politischen Rhetorik destilliert. Ihr Werk resoniert mit Satire und dekonstruiert die Sprache der Medien und ihre performative Natur.

Im Gegensatz dazu verankert Matthew Harrisons kleines Selbstporträt den Raum in einer ruhigeren, intimeren Meditation über Identität. Harrison, der die Grenzen zwischen Kunst und Nicht-Kunst verwischt, präsentiert sorgfältig gefertigte Objekte, die sowohl readymade als auch handgefertigt erscheinen und die Wertigkeit und Urheberschaft des Kunstobjekts selbst hinterfragen. Die Skulptur von Alex Dordoy spielt mit dem Readymade, bietet jedoch gleichzeitig eine Kritik an der konsumistischen Gesellschaft.

Diese Werke schaffen zusammen einen Rhythmus und bereiten den Boden für tiefere Erkundungen von Selbstverständnis, Performance und kultureller Mythologie.

Veränderliche Identitäten und Schichten der Bedeutung

Olaf Breunings “Woodworld” und “Sybille” erweitern das immersive Erlebnis. “Woodworld”, das ursprünglich aus Breunings 1998er Geisterhaus-Installation stammt, vereint schwarzen Humor mit einer Kritik an filmischen Klischees und zeigt einen nebligen Wald und einen schwarzen Range Rover – eine voyeuristische Szene von etwas sowohl Vertrautem als auch Unheimlichem. “Sybille” hingegen präsentiert ein komplexes, vielschichtiges Porträt, in dem der Körper des Subjekts mit Verweisen auf die Kunstgeschichte geschmückt ist, von Matthew Barneys skulpturalen Formen bis hin zu Cindy Shermans performativen Selbstporträts. Breunings Mischung dieser Einflüsse lädt zur Reflexion darüber ein, wie Identität in der visuellen Kultur sowohl konstruiert als auch rekonstruiert wird.

Alexandra Vogts Werke setzen diese thematische Erforschung fort und schaffen traumhafte Szenen, die zwischen Sinnlichkeit und Unbehagen oszillieren. Mit ihrem weissen Pferd und der Stallmagd webt Vogt Sehnsucht und Desillusion, Unschuld und Verlangen und verwischt die Grenze zwischen Fantasie und Realität.

Das Schweizer Performancekollektiv JOKO, bestehend aus Karin Jost und Regula Kopp, vertieft diese emotionale Landschaft mit “Eine Person hat Milch in ihrem Mund”. Das Foto fängt einen rituellen Austausch zwischen zwei Körpern ein, wobei einer den Kopf des anderen wiegt und Milch von einem Mund zum anderen fliesst. Dieser intime Moment erforscht Fürsorge, Hingabe und die unausgesprochenen Dynamiken menschlicher Verbindung – eine Erkundung von körperlicher Verletzlichkeit und emotionaler Intimität.

Gewalt und das digitale Zeitalter

Im angrenzenden Raum konfrontiert Dan Bina “This Is Not About You: Meme No. 13” die Betrachter:innen mit einer eindringlichen schwarz-weissen visuellen Metapher selbst zugefügter Gewalt. Ausgangspunkt ist eine Fotografie aus dem Jahr 2014, die pro-russische Demonstrierende zeigt, die während einer Kundgebung in Donezk einen pro-ukrainischen Protestierenden angreifen. Bina transformiert dieses Bild in einen schonungslosen Kommentar zu Trauma, Gewalt und der menschlichen Existenz im digitalen Zeitalter.

Diese düstere Energie wird in Evan Gruzis‘ fein detailliertem Totenschädel widergespiegelt. Gruzis, ein amerikanischer Künstler, dessen Werk über Leben und Tod meditiert, verwandelt sein Sujet in einen Kommentar über Zerbrechlichkeit und die Spannung zwischen Form und Leere.

Boris Mrkonjics “King Urusov” setzt diesen Dialog fort, indem er Verweise auf den russischen Schachmeister Sergey Urusov und Da Vincis “Homo Universalis” vereint und dabei die Schnittstelle zwischen Intellekt, Macht und dem menschlichen Körper erforscht.

Die Politik der Mode

Die Performativität der Kleidung tritt in den Vordergrund durch Marc Brandenburgs “Camouflage” Series und John Armleders “Three Piece Wool Suit”. Brandenburgs Ganzkörper-“Tarnanzüge”, die auf rassistische und kulturelle Stereotype anspielen, kritisieren die Politik der Verkleidung und der Identität. Armleder, ein Schweizer Künstler, dessen Praxis fünf Jahrzehnten umfasst, hinterfragt mit seinem konzeptionellen Anzug die Grenzen der Performance in der Kunst und stellt die Frage, wie der Ausstellungsraum selbst die Rolle der Kunst spielen kann.

Tobias Spichtigs frühes Konzeptwerk, das sich auf Andy Warhols Narben vom berüchtigten Mordversuch durch Valerie Solanas bezieht, taucht in Trauma, Prominenz und selbstreferenzielle Kunst ein. Das Bild von Warhols Wunden, durchbohrt von Fontana-ähnlichen Schnitten, erschafft ein beunruhigendes Echo, das die Schnittstelle zwischen persönlicher Geschichte und öffentlichem Spektakel anspricht.

Provokante Performances

Gianni Mottis “The Artist’s Funeral” nimmt die Absurdität von Leben, Tod und Auferstehung in seiner provokativen Performance auf. Indem er in einem kleinen spanischen Dorf seinen Tod vortäuscht, manipuliert Motti das Trauerritual einer katholischen Gemeinschaft und lässt sie an seine heilige Rückkehr glauben. Diese kraftvolle Kommentierung über die Absurditäten des Glaubens und die formende Kraft der Kunst erforscht die Spannung zwischen Performance und Realität.

Intimität und Materialität

Ein Schlüsselmoment der Ausstellung ist Wolfgang Tillmans‘ Fotografie aus den 90er-Jahren, die Intimität, unterdrückte Sexualität und Häuslichkeit einfängt. Diese Werke bieten eine Ruhepause zwischen den intensiveren und aufgeladenen Stücken. Gegenüber von Tillmans’ Arbeiten steht Norbert Biskys “David Tropical”, ein grossformatiges, figuratives Gemälde, das den sozialistischen Realismus widerspiegelt, dem Bisky in seiner Kindheit in der DDR begegnete. Das Werk fängt einen zeitgenössischen Hedonismus und Chaos ein, das den Wandel sozialer und politischer Landschaften widerspiegelt.

Die grotesken und makabren Qualitäten der Malerei werden von dem ungarischen Künstler Csaba Kis Róka und dem spanischen Maler Guillermo Caivano untersucht, deren Werke die Intensität von Goya hervorrufen. Ihre Gemälde tauchen in die dunklen Ecken der menschlichen Erfahrung ein und bieten eine rohe, erschütternde Sicht auf Tod und Leid.

Katharina Wulffs grosses, impastiertes Gemälde bildet den Höhepunkt des Raums. Mit seiner kräftigen, skulpturalen Textur überschreitet Wulffs Werk die traditionellen Grenzen der Malerei und verwandelt die Leinwand in ein nahezu reliefartiges Objekt. Wulff, die auch Dozentin an der Kunstakademie in Düsseldorf ist, untersucht die Körperlichkeit der Malerei und nutzt die Materialität, um sowohl Form als auch Emotion zu kommunizieren. Ihr Ansatz zur Textur b

In der Nähe bietet Erik Lindman eine minimalistische Meditation über Raum und Form. Seine subtilen Kompositionen stehen im Kontrast zu der expressiven Energie anderer Werke im Raum und regen den Betrachter dazu an, über die wesentlichen Elemente des Minimalismus nachzudenken. Durch seinen zurückhaltenden Einsatz von Materialien fördert Lindman eine stille Reflexion über die Spannung zwischen Leere und Präsenz und nutzt die Sprache der Abstraktion, um die Natur der Wahrnehmung selbst zu hinterfragen.

Jiří Dokupil‘s wegweisendes Werk, das mit Muttermilch und ungrundierten Leinwänden geschaffen wurde, erforscht Themen wie Identität, Verletzlichkeit und Erinnerung. Als ehemaliger Dozent an der Kunstakademie Düsseldorf verwendet Dokupil dieses tief intime und unkonventionelle Medium, um persönliche und kulturelle Reflexionen über den Körper zu wecken.

Öffnungszeiten Freitags 11 – 18 Uhr, und nach Verabredung

Ausstellungsdauer 14.03. – 25.07.2025

www.grieder-contemporary.com

Location:
Grieder Contemporary
Lärchentobelstrasse 25
8700 Küsnacht
Switzerland