Risaku Suzuki – Stream of consciousness

Risaku Suzuki’s second solo exhibition at Christophe Guye Galerie, follows a major exhibition of the same name at Tokyo Opera City Art Gallery in 2015. The exhibition comprises a selection of works from the series “SAKURA”, “White”, “Water Mirror” and “Between the Sea and the Mountain-Kumano”, all created over the last six years.

Japan is emerging from a period of significant trauma after the Tōhoku earthquake and ensuing tsunami. The 2011 earthquake was the most powerful in Japan since modern measuring began more than a hundred years ago; among its disastrous consequences was the meltdown at the Fukushima Daiichi Nuclear Power Plant. In light of these traumatic events, are Suzuki’s images from his home Kumano region a retreat to nature, there to find solace, lush forests, pristine seas, gentle sunlight and powdery cherry-blossom against azure skies fill the prints. Yet the perspective deep within the rich greenery is that of a kaleidoscope. The surface of water reflects its surroundings; focus is deep within the cloud of pink-white petals. These scenes are dizzying, the viewer has no foothold, no secure vantage point.

The region, in the southern part of the Kii peninsula on the island of Honshū, is covered in dense temperate rainforest and is also a site of pilgrimage. Since the fusion of Shintoism and Buddhism more than a millennium ago, a ritual of walking across and around the peninsula to worship at three main Kumano shrines has been practiced. In Kumano, nature is culture.

Yet as Minoru Shimizu points out in his essay on this body of work, ‘any photograph of an “authentic” Kumano is nothing but a well-made lie.’ As we all know, images of nature without evidence of humanity have contemporary currency; they embody the illusion of an untouched environment and they equally testify to our rapacious hunger – to experience that elusive view, to document it and to share it. And real experience shows that the best views are spoiled by all the other people photographing them.

If the implications of digital photography and its dissemination inform Suzuki’s works, so too do centuries of transcultural exchange in fine art. As the recent ‘Inspiration Japan’ exhibition at the Kunsthaus Zurich demonstrated magnificently, many European Impressionists and post-Impressionists were in thrall to Japanese art; artistic currents had already crossed the other direction prior to that. Comparing Suzuki’s approach to the European avant-garde of a century ago may seem a stretch too far, but there is more to it than common subject matter. Monet’s endeavours to observe change in nature, for example, brought a new quality of time into painting, and Suzuki’s photographs are all about time. These images are an extraordinary condensate of time, exploring photography as a means to see more than the eye and brain combined do, to try to capture the full complexity of a moment. Suzuki takes what we might scan in a glance, and inscribes it with all the detail we filter out, because that is what we must do to make sense of the world.

Thus it emerges that Suzuki is mastering a complex balance. This is not photography in denial of its time or its heritage, indeed it can be seen as a clear continuation of that artistic heritage. Yet it is simple – we are looking at nature. Suzuki loosens our grip on where we are, the everyday noise, visual and audible, that dulls our senses, so that he can take us into just one moment to truly see it.

Aoife Rosenmeyer, May 2016

Gallery hours Mon-Fri 10 am – 6 pm, Sat 11 am – 4 pm

Die Christophe Guye Galerie freut sich die zweite Einzelausstellung in der Galerie von Risaku Suzuki anzukünden. Sie folgt auf eine wichtige Ausstellung, die im Jahr 2015 unter demselben Titel in der Tokyo Opera City Art Gallery gezeigt wurde. Sie umfasst eine Auswahl von Werken aus den Serien “Sakura”, “White”, “Water Mirror” sowie “Between the Sea and the Mountain – Kumano”, die alle im Laufe der letzten sechs Jahre entstanden sind.

“Japan hat die Zeit des schweren Traumas nach dem Tōhoku Erdbeben und dem darauffolgenden Tsunami durchlebt. Das Erdbeben von 2011 war das heftigste in Japan seit Beginn der modernen Messungen vor mehr als 100 Jahren; eine der katastrophalen Folgen war die Kernschmelze im Atomkaftwerk Fukushima Daiichi. Angesichts dieser traumatischen Ereignisse sind Suzukis Bilder aus seiner Heimatregion Kumano ein Rückzug in die Natur – um dort Trost zu finden, üppige Wälder, das unberührte Meer, sanftes Sonnenlicht und zarte Kirschblüten vor dem Hintergrund eines tiefblauen Himmels füllen die Bilder. Tief in dem üppigen Grün ist die Perspektive jedoch die eines Kaleidoskops. In der Wasseroberfläche spiegelt sich die Umgebung; der Fokus liegt tief innerhalb der Wolke von rosa-weißen Blütenblättern. Diese Szenen machen den Betrachter schwindelig: er hat keine sichere Position, keinen sicheren Blickwinkel.

Die Gegend im südlichen Teil der Halbinsel Kii auf der Insel Honshū ist mit einem dichten, gemäßigten Regenwald bedeckt – und sie ist zudem auch ein Pilgerort. Seit der Verschmelzung von Shintoismus und Buddhismus vor mehr als einem Jahrtausend gibt es das Ritual, über und um die Halbinsel zu wandern, um die drei Hauptheiligtümer der Region Kumano zu verehren. In Kumano ist die Natur zugleich auch Kultur.

Jedoch ist, wie Minoru Shimizu in seinem Essay über diese Werkgruppe darlegt, “jede Fotografie eines ‘authentischen’ Kumano nichts anderes als eine gut gelungene Lüge”. Wie wir alle wissen, sind Naturbilder, auf denen keine Menschen zu sehen sind, heute weit verbreitet. Sie vermitteln die Illusion einer unberührten Umwelt, und sie belegen ebenfalls unsere räuberische Gier, diesen trügerischen Anblick zu erfahren, ihn zu dokumentieren und zu teilen. Die reale Erfahrung zeigt jedoch, dass die besten Ansichten von all den anderen Menschen, die sie fotografieren, verdorben werden.

Wenn Suzukis Werke von den Auswirkungen der digitalen Fotografie und ihrer Verbreitung durchdrungen sind, dann gilt dies auch für die Jahrhunderte des transkulturellen Austausches in der bildenden Kunst. Wie die kürzlich gezeigte Ausstellung “Inspiration Japan” im Kunsthaus Zürich großartig demonstriert hat, standen viele europäische Impressionisten und Postimpressionisten im Bann der japanischen Kunst; künstlerische Strömungen hatten die andere Richtung bereits zuvor gekreuzt. Suzukis Ansatz mit der ein Jahrhundert zurückliegenden europäischen Avantgarde zu vergleichen, mag zu weit hergeholt erscheinen, doch es steckt mehr dahinter als eine gemeinsame Thematik. So brachte beispielsweise Monets Bestreben, Veränderungen in der Natur zu beobachten, eine neue Zeitqualität in die Malerei – und Suzukis Fotografien haben alle mit dem Thema der Zeit zu tun. Diese Bilder zeigen eine außergewöhnliche Zeitverdichtung, denn sie erforschen die Fotografie als ein Mittel, um mehr zu sehen, als Augen und Gehirn gemeinsam vermögen, und als Versuch, die gesamte Komplexität eines Augenblickes festzuhalten. Suzuki fotografiert das, was wir vielleicht mit einem Blick überfliegen, und er hält es mit all den Einzelheiten fest, die wir ausblenden müssen, um die Welt zu verstehen.

Somit zeigt sich, dass Suzuki ein komplexer Ausgleich gelingt. Dies ist keine Fotografie, die ihre Zeit oder ihr Erbe leugnet, sie kann vielmehr als eine klare Weiterführung dieses künstlerischen Erbes gesehen werden. Und doch ist sie ganz einfach: Wir betrachten die Natur. Suzuki befreit uns von dem alltäglichen (visuellen und akustischen) Lärm, der unsere Sinne abstumpft, sodass er uns in einen einzigen Augenblick mit hineinnehmen kann, um diesen wirklich zu sehen.

Aoife Rosenmeyer, Mai 2016

Öffnungszeiten Mo-Fr 10 – 18 Uhr, Sa 11 – 16 Uhr

www.christopheguye.com

Location:
Christophe Guye Galerie
Dufourstrasse 31
8008 Zürich
Switzerland