ZEITSPUREN – The Power of Now

Ursula Biemann, Dora Budor, Roman Buxbaum, Julian Charrière, Daniel Gustav Cramer, Martin Creed, Peter Dreher, Elmgreen & Dragset, Cécile B. Evans, Felix Gonzalez-Torres, Rodney Graham, David Horvitz, Tehching Hsieh, Sophie Jung, On Kawara, Kapwani Kiwanga, Ragnar Kjartansson, Kris Martin, Agnieszka Polska, Pope.L, Barbara Probst, Laure Prouvost, Pilar Quinteros, Raqs Media Collective, Sophy Rickett, Mikko Rikala, Dieter Roth, Stéphanie Saadé, Michael Sailstorfer, Taryn Simon, Slavs and Tatars, Smudge Studio, Gernot Wieland, Pedro Wirz

Through installation, video, photography, performance and painting, “ZEITSPUREN – The Power of Now” examines the aesthetic and cultural significance of time within contemporary narratives and its impact on how we structure our lives and experiences. In their work, the 34 international artists selected for the exhibition explore the temporal nature of labour and leisure, politics and power, the body and representation or technology and memory. Due to the complexity of the concept of time, the exhibition is divided into four thematic groupings: “Time and its Discontents”, “Sculpting Time”, “Capture: Staging the Live”, “Speculative and Planetary Time”.

“Time and its Discontents” introduces us to the intersections of labour and social time. The works in this section build critical and playful narratives around current discontents of standardised living, work and leisure time. An early figure in the development of durational performance art, Tehching Hsieh displays in “One Year Performance” (1980-81) the documented evidence of a performance that chronicled a year of the artist’s life. To make the work, Hsieh followed a strict routine of punching a time clock every hour for 12 months, before presenting the individual images as a six-minute film with other forms of documentation. The tedium of industrial labour highlighted by Hsieh’s performance reinforces the dominance of western time structures that is investigated in Ragnar Kjartansson‘s “Scenes from Western Culture” (2015). This employs six looped single-channel video tableaux to demonstrate Kjartansson’s fascination with the superficiality of cultural norms. Meanwhile David Horvitz‘s “The Distance of a Day” (2013) breaks with the normal passage of time by juxtaposing videos of a single day made in different locations and time zones.

“Sculpting Time” examines the material processes of historiography with focus on the role of research in artistic methodologies. Artists revisit historical artefacts in order to draw out new meanings and associations. Kapwani Kiwanga‘s “Flowers for Africa” (2014, 2017) reveal the artist’s interest in archival imagery of postcolonial independence celebrations. Finding that floral arrangements are a motif common to many of these photographs, for each venue where the work is exhibited Kiwanga commissions a local florist to recreate the bouquets as closely as possible. “Flowers for Africa” entertains a subjective response in the making and representation of history. Similar manifestations of connectivity extend across many works in this section. Stéphanie Saadé‘s “Accelerated Time” (2014) treats time as a physical property, making a mystery of the work’s broken fragments and the forces which produced them.

“Capture: Staging the Live” foregrounds the body as a site for expanding our perception of time, focusing on approaches to performance-based work. Pope.L‘s practice takes the form of durational and endurance-based performances. “The Great White Way, 22 Miles, 9 Years, 1 Street” (2001-2009) is one of the artist’s best known “crawls” investigating exhaustion, in which he wore a Superman costume with a skateboard strapped to his back as he travelled the full length of Broadway, Manhattan’s longest street. Drawing frequently on sources from pop culture or philosophy, Sophie Jung produces marathon-length performances. For “Come Fresh Hell or Fresh High Water” (2017-18) the artist will activate different parts of her installation by reciting texts from memory, as well as employing stream-of-consciousness improvisation. Jung’s performance plays on the slippage between language and objects, transforming what the artist describes as a skewed format of “show and tell”.

Finally, “Speculative and Planetary Time” analyses how digital connectivity and computerised technologies have radically shifted our experience of time. Works in this section reflect on deep time – time beyond the human – to speculate what new worlds might look like. Agniezska Polska‘s “My Little Planet” (2016) combines animated daily-use objects floating in the cosmos with a humorous voice-over as a comment on the ways in which consumer culture dominates our world. The large-format photographs in Julian Charrière‘s series “First Light” (2016-17) address the histories of nuclear testing at Bikini Atoll, making visible an atomic landscape within idyllic tropical island scenes. Where Charrière’s work turns our attention to the existence of radioactivity, Daniel Gustav Cramer‘s “Old Tjikko” (2017) profiles “”Old Tjikko”” – the world’s oldest clonal tree located in Sweden’s Fulufjället National Park with roots thought to be almost 10’000 years old. Cramer explores how “Old Tjikko” functions as a myth deeply connected to the landscape and a symbol of endurance for our precarious planet.

Curators of the exhibition
Samuel Leuenberger, independent curator and Founding Director SALTS, Birsfelden and Felicity Lunn, director Kunsthaus Pasquart.
With curatorial assistance from Gabriella Beckhurst and editorial assistance from Miranda Johnson.

ZEITSPUREN is a collaboration between Kunsthaus Pasquart, Photoforum Pasquart and NMB Neues Museum Biel.

Opening hours Wed-Fri noon – 6 pm, Thur noon – 8 pm, Sat/Sun 11 am – 6 pm

“Zeitspuren – The Power of Now” explore la signification esthétique et culturelle du temps par des installations, vidéos, photographies, performances et œuvres picturales. Dans le contexte des narrations contemporaines, l’exposition remet en question les structures temporelles inconscientes qui organisent nos vies et nos expériences. Les 34 artistes internationaux regroupés ici se sont penchés dans leurs œuvres sur les dimensions temporelles du travail et des loisirs, de la politique et du pouvoir, du corps et de la représentation ou de la technologie et de la mémoire. Pour saisir au mieux la complexité du concept de temps, l’exposition est structurée en quatre sections thématiques distinctes: “Temps et malaise”; “Le temps malléable”; “Capture du temps: mise en scène du vivant”; “Temps spéculatif et planétaire”.

“Temps et malaise” rend compte de l’interaction entre le temps de travail et le temps social. À travers des récits critiques et ludiques, cette section nous dévoile un “malaise” contemporain lié à la standardisation de nos modes de vie, de notre travail et de nos loisirs. “One Year Performance” de Tehching Hsieh est un exemple précoce de pratique performative de longue durée. Sa performance consistait à timbrer chaque heure pendant douze mois. Les images individuelles relatant une année de sa vie sont rassemblées ici dans un fichier vidéo de six minutes en complément à d’autres documents. La monotonie du travail industriel soulignée par la performance de Hsieh dénonce la prédominance du rythme de vie occidental. Celui-ci est également étudié dans “Scenes from Western Culture” (2015) de Ragnar Kjartansson. Les six écrans vidéo montrent des scènes quotidiennes et témoignent de la fascination de l’artiste pour l’aspect superficiel des normes sociales. Parallèlement, dans “The Distance of a Day” (2013), David Horvitz rompt avec le cours normal du temps en juxtaposant des lieux et des fuseaux horaires différents à travers des vidéos d’une même journée.

“Le temps malléable” sonde le processus par lequel l’Histoire se cristallise par l’historiographie en se concentrant particulièrement sur le rôle de la recherche dans la pratique artistique. Afin de créer de nouveaux sens et de nouvelles associations, les artistes font ici appel à divers artefacts historiques. “Flowers for Africa” (2014, 2017) de Kapwani Kiwanga découle de l’intérêt de l’artiste pour les photographies d’archives postcoloniales illustrant des célébrations d’indépendance. Remarquant dans ses recherches que les arrangements floraux constituaient un motif commun à beaucoup de ces images, elle les fait recréer par des fleuristes locaux pour chaque exposition où l’œuvre est montrée. L’interprétation personnelle des compositions florales s’ajoute ainsi à la perception unique et collectivement admise de l’Histoire. Des formes présentant le même caractère relationnel sont également exprimées dans d’autres œuvres de cette section. Dans “Accelerated Time” (2014), Stéphanie Saadé examine la dimension physique du temps; le vase brisé en mille morceaux suggérant l’agissement de forces invisibles.

“Capture du temps: mise en scène du vivant” met le corps à l’honneur dans sa capacité à élargir notre perception du temps et se base sur des concepts abordés par des œuvres à caractère performatif. Le travail de Pope.L repose sur la durée et l’endurance. “The Great White Way, 22 Miles, 9 Years, 1 Street” (2001-2009) est l’un de ses “crawls” les plus connus: vêtu d’un costume de Superman et portant un skateboard sur le dos, l’artiste se traîne le long de Broadway, la plus longue rue de Manhattan. Sur la base de sources tirées de la culture pop ou de la philosophie, Sophie Jung produit des performances à rallonge. En récitant des citations de mémoire et en improvisant librement, l’artiste réactive différentes parties de son installation “Come Fresh Hell or Fresh High Water” (2017-18). La performance de Jung joue sur l’ambivalence qui existe entre langue et objets ainsi que sur leur transformation. Elle présente ainsi une version détournée de l’exercice scolaire du “show and tell”.

Finalement, “Temps spéculatif et planétaire” inspecte la manière dont la connectivité digitale et les technologies informatiques ont radicalement modifié notre rapport au temps. Les œuvres de cette section reflètent le “temps profond” – au-delà de l’humain – et nous invitent à percevoir des mondes nouveaux. Dans la vidéo “My Little Planet” (2016), Agniezska Polska fait graviter des objets quotidiens animés dans le cosmos et les combinent à une voix-off débitant un discours humoristique sur la domination de la consommation de masse sur notre monde. Les grands formats photographiques de la série “First Light” (2016-17) de Julian Charrière s’attaquent aux essais nucléaires effectués sur l’atoll de Bikini, en rendant visible un paysage atomique dans l’image idyllique d’une île tropicale. Alors que Julian Charrière attire notre attention sur l’existence de la radioactivité, Daniel Gustav Cramer se consacre dans “Old Tjikko” (2017) au plus vieil arbre cloné du monde. Situé dans le parc national de Fulufjället en Suède, ses racines seraient âgées de près de 10’000 ans. Cramer analyse le mythe de l’épicéa “Old Tjikko”, indissociable du paysage et symbole de longévité pour notre planète menacée.

Commissaires de l’exposition
Samuel Leuenberger, curateur indépendant et directeur fondateur SALTS, Birsfelden et Felicity Lunn, directrice Centre d’art Pasquart.
Avec l’assistance curatoriale de Gabriella Beckhurst et l’assistance rédactionnelle de Miranda Johnson.

ZEITSPUREN est une collaboration entre le Centre d’art Pasquart, le Photoforum Pasquart et le NMB Nouveau Musée Bienne.

Heures d’ouverture Mercredi 12:00 – 18:00, Jeudi 12:00 – 20:00, Vendredi 12:00 – 18:00, Samedi / Dimanche 11:00 – 18:00

“ZEITSPUREN – The Power of Now” beleuchtet mit Installation, Video, Fotografie, Performance und Malerei die ästhetische und kulturelle Bedeutung von Zeit. Im Kontext gegenwärtiger Narrative legt die Ausstellung unbewusste Zeitstrukturen unserer Leben und Erfahrungen frei. Die 34 versammelten internationalen Kunstschaffenden setzen sich in ihren Werken mit dem zeitlichen Aspekt von Arbeit und Freizeit, Politik und Macht, Körper und Repräsentation oder Technologie und Erinnerung auseinander. Der Komplexität des Zeitbegriffs entsprungen, ist die Ausstellung in vier thematische Bereiche unterteilt: “Zeit und Unbehagen”; “Formbare Zeit”; “Zeiterfassung: Inszenierung des Lebendigen”; “Spekulative und planetarische Zeit”.

“Zeit und Unbehagen” gibt Einsicht in die Überlagerungen von Arbeit und sozialer Zeit. Kritische und verspielte Erzählungen rund um eine aktuelle Beklemmung in Bezug auf die Standardisierung von Leben, Arbeit und Freizeit entdecken wir in den Werken dieser Sektion. “One Year Performance” (1980-81) von Tehching Hsieh ist ein frühes Beispiel der Entwicklung langzeitorientierter Performancekunst. Seine Arbeit bestand darin, während zwölf Monaten zu jeder Stunde eine Stechuhr zu bedienen. Die einzelnen Bilder, die ein Jahr seines Lebens aufzeichneten, werden als sechsminütiger Film zusammen mit weiteren Dokumentationen präsentiert. Die in Hsiehs Performance hervorgehobene Eintönigkeit der industriellen Arbeit unterstreicht die Dominanz der westlichen Zeiteinteilung, mit der sich auch Ragnar Kjartansson in “Scenes from Western Culture” (2015) auseinandersetzt. Sechs Videoloops zeigen Szenen aus dem alltäglichen Leben und verweisen auf seine Faszination für die Oberflächlichkeit gesellschaftlicher Normen. Derweil entrinnt David Horvitz mit “The Distance of a Day” (2013) dem gewohnten Zeitverlauf, indem er Videos unterschiedlicher Standorte und Zeitzonen eines einzelnen Tages einander gegenüberstellt.

“Formbare Zeit” sondiert materielle Prozesse der Geschichtsschreibung mit Fokus auf die Rolle der Erforschung künstlerischer Arbeitsweisen. Um zu neuen Bedeutungen und Assoziationen zu gelangen, greifen Kunstschaffende hierfür historische Artefakte wieder auf. “Flowers for Africa” (2014, 2017) von Kapwani Kiwanga entspringt dem Interesse der Künstlerin für Archivbilder der postkolonialen Unabhängigkeitsfeierlichkeiten. Aufgrund ihrer Erkenntnis, dass Blumengestecke ein gemeinsames Motiv vieler dieser Fotografien sind, lässt sie diese für jede Ausstellung, in welcher das Werk gezeigt wird, von lokalen Floristen nachbilden. Die individuelle Interpretation der Blumengestecke verbindet sich mit der scheinbar festgeschriebenen kollektiven Bedeutung der Geschichte. Vergleichbare Zusammenhänge finden sich auch in anderen Werken dieses Bereichs. Stéphanie Saadé behandelt in “Accelerated Time” (2014) Zeit als physikalische Grösse. Die in viele Fragmente zerbrochene Vase lässt auf das Einwirken mysteriöser Kräfte schliessen.

Der Bereich “Zeiterfassung: Inszenierung des Lebendigen” rückt den Körper als einen Ort in den Vordergrund, der es ermöglicht, unsere Zeitwahrnehmung zu erweitern und konzentriert sich hierbei auf Konzepte performancebasierter Arbeiten. Die Aktionen von Pope.L setzen auf zeitliche Dauer und physische Beharrlichkeit. “The Great White Way, 22 Miles, 9 Years, 1 Street” (2001-2009) ist eines seiner bekanntesten “crawls”. In einem Superman-Outfit und mit einem auf den Rücken geschnallten Skateboard kroch er über die gesamte Länge des Broadways, Manhattens längste Strasse. Oft basierend auf Quellen aus Popkultur oder Philosophie, produziert Sophie Jung ausufernde Performances. Die Künstlerin reaktiviert verschiedene Teile ihrer Installation “Come Fresh Hell or Fresh High Water” (2017-18) durch Textrezitationen aus dem Gedächtnis und freie gedankliche Improvisationen. In Jungs Performance geht es um die Ambivalenz zwischen Sprache und Objekten und deren Transformierung. Eine verzerrte Interpretation der Unterrichtsmethode “show and tell”.

“Spekulative und planetarische Zeit” untersucht schliesslich, wie digitale Konnektivität und Informationstechnologien unsere Zeitwahrnehmung radikal verändern. Die Arbeiten dieser Sektion reflektieren die Tiefenzeit – die Zeit jenseits des Menschlichen – und eröffnen uns so Vorstellungen über neue Welten. Im Video “My Little Planet” (2016) lässt Agniezska Polska animierte Objekte des täglichen Gebrauchs im Kosmos schweben, kombiniert mit einer humorvollen Off-Stimme als Kommentar auf die Konsumkultur, die unsere Welt dominiert. Julian Charrières grossformatige Fotografien der Serie “First Light” (2016-17) befassen sich mit nuklearen Testversuchen auf dem Bikini-Atoll und machen eine atomare Landschaft innerhalb einer idyllischen tropischen Inselszenerie sichtbar. Während Charrières Arbeit unsere Aufmerksamkeit auf die Existenz von Radioaktivität richtet, befasst sich Daniel Gustav Cramer in “Old Tjikko” (2017) mit dem ältesten klonalen Baum der Welt. In Schwedens Nationalpark Fulufjället stehend, werden seine Wurzeln auf ein Alter von beinahe 10’000 Jahren geschätzt. Cramer untersucht den Mythos der Fichte “Old Tjikko”, die unverrückbar mit der Landschaft verbunden ist und ein Symbol der Lebensdauer für unseren gefährdeten Planeten darstellt.

Kuratoren der Ausstellung
Samuel Leuenberger, freier Kurator und Gründungsdirektor SALTS, Birsfelden und Felicity Lunn, Direktorin Kunsthaus Pasquart.
Mit kuratorischer Assistenz von Gabriella Beckhurst und redaktioneller Assistenz von Miranda Johnson.

ZEITSPUREN ist eine Zusammenarbeit zwischen dem Kunsthaus Pasquart, dem Photoforum Pasquart und dem NMB Neuen Museum Biel.

Öffnungszeiten Mi-Fr 12 – 18 Uhr, Do 12 – 20 Uhr, Sa/So 11 – 18 Uhr

www.pasquart.ch

Location:
Kunsthaus Centre d’art Pasquart
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac
2502 Biel/Bienne
Switzerland